Retratos de ahí afuera

Manel - 10 milles per veure una bona armadura

2011-09-05T23:16:00.000+02:00

Esta claro que Manel están de moda. El hecho de que su último disco haya sido el primero cantado en catalán que alcanza el número uno de ventas en España en muchos años y que encima sean la primera banda en hacerlo (hasta ahora había sido un terreno exclusivo de cantautores) les ha colocado en la primera linea de los medios de comunicación.
Esperemos que la banda sepa aprovechar esos focos para asentarse como una banda importante en el indie español porque, ciertamente, que una banda como Manel alcance el número uno de ventas creo que es buenísimo para la musica nacional. Y no lo es porqué canten en catalán, ni mucho menos, que eso no deja de ser un detalle anecdótico. Lo es porque ante una cierta tendencia en el indie patrio a la homogeneización en la que ahora todas las bandas quieren sonar como Vetusta Morla y en Radio 3 todo suena tan a lo mismo como ocurre en los 40, Manel nos ofrece una propuesta en la que el abanico de influencias se abre y genera una propuesta mucho más rica y variada.

Por ello, Manel nos ofrece un albúm repleto de referencias tan amplias que pueden ir de Danny Elfman a Joan Manel Serrat, pasando por Yann Tiersen. En un disco en el que no solo el pop, y del bueno, tiene cabida, si no que el folk también tiene su espacio. Esto abre la puerta a instrumentos muy poco habituales en la musica independiente española, como el banjo, el ukelele, la flauta o el clarinete. Todo ello rodeado de un aroma muy cinematográfico que rodea a toda la propuesta, con unas instrumentaciones increiblemente delicadas que embriagan de melidiosidad cada canción y cuya cota máxima se alcanza en la que, probablemente, sea la gran obra maestra del albúm, la canción Aniversari, en la que la propuesta cinematográfica abarca también a la concepción del video clip con colaboración especial del gran Sergi Lopez incluida.

Además, también se detecta una clara vocación literaria en unas letras con innumerables referentes que comienzan por el mismo título del disco y que contagian de un tono melancólico y romantico al disco. En fin, una propuesta singular que, muy probablemente, precisamente por ello, ha conseguido un éxito comercial que nadie era capaz de preveer. Esperemos que cunda el ejemplo y lleguen más bandas con discursos originales al panorama musical español. También, esperemos, que el éxito no ahogue su frecura.
Para terminar una muestra de la singularidad de esta banda... una deliciosa versión del Common People de Pulp en medio de un mercado en Barcelona...

El arbol de la vida

2011-06-25T23:15:00.001+02:00

Hay algunas veces, muy pocas, en la que la mera contemplación de una obra artística concreta tiene un carácter absolutamente iluminador. De repente, su observación te resulta tan esclarecedora que mueve tu conciencia y, sobre todo, tu percepción del arte en general. Por eso, cuando uno ve desfilar delante de sus ojos la sucesión de imágenes que componen El Árbol de la Vida uno se da cuenta de que lo que está viendo no es simplemente otra película más.

Mientras observaba en la oscuridad de la sala de cine la poderosa mezcolanza de imagen y sonido que componen el film creo que, por un momento, pude entender lo que pudieron sentir las personas que en su momento observaron por primera vez "Las Señoritas de Avignon" o aquellos que descubrieron a Kandinski. El Arbol de la Vida empequeñece al resto del cine y lo empequeñece porque, de repente, te permite verlo desde otra perspectiva, alejarte de él y darte cuenta de que visto desde esa distancia, el resto del cine es un todo homogéneo empequeñecido del que esta película se aleja.

De igual manera que otros locos como Lynch o Weerasethakul han acercado el arte abstracto al cine, Terrence Malick demuestra aquí que en él también tiene cabida la lírica.

Es obvio que esta película no aparece de la nada, si no que es la culminación de un camino que Malick comenzó hace casi 40 años con "Malas Tierras". Todos los rasgos que caracterizan El Árbol de la Vida se pueden rastrear en sus anteriores películas, pero la observación de éste, su último trabajo, tiene un poder esclarecedor que ilumina un camino que en sus anteriores películas pudiera parecer a veces entre penumbras y que le ha llevado a romper de manera gradual y a lo largo de cinco películas con todas las ataduras de la narración convencional cinematográfica. La culminación llega en su película más ambiciosa, tal vez, la más ambiciosa que se recuerda porqué, ¿acaso hay algo más ambicioso que pretender hacer una película que refleje LA VIDA, así en mayúsculas? Lo que permite a la película sobrevivir a la potencial megalomanía es que lo hace a través de la humilde historia de una familia de clase media americana.

En ese retrato, Malick recorre lo que para él es la vida, pero no a través de sus hechos, si no de sus sensaciones y sentimientos. Y es así como la película recoge pequeños pedazos de vida, de miedo, de amor, de soledad, de alegría, de curiosidad y de angustia. Asistimos al crecimiento y formación de una persona, desde su nacimiento, sus primeros pasos, sus primeros miedos y sus primeras emociones. Es imposible generar imágenes más emocionantes y bellas que las que componen esta película. Es imposible no sentirse tocado por ellas.
Ver El Arbol de la Vida es un proceso catártico y tras él, el resto de películas parecen distintas y convencionales. Alejada de todas ellas se encuentra sola esta película, sola e irrepetible. La poesía también existe en el cine.

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The Tree of Life (2.011)

Guion y Dirección: Terrence Malick

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Musica: Alexandre Desplat

Dirección Artística: David Crank

Interpretes: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Hunter McCracken

Two Lovers

2011-04-30T01:40:00.000+02:00

James Grey es el centro de una de las más candentes polémicas que envuelven a la crítica internacional. Es obvio el rastro autoral en sus películas. Esta claro que cuando uno ve una película de James Gray percibe a un autor detrás de ella. El problema es que cuando uno se pone a analizar cada una de sus películas, es fácil interpretarlas desde una perspectiva de moral ultra-conservadora. Como resultado de esto, el pobre Grey se esta quedando película a película sin público objetivo. Sus rasgos de autor le impiden llegar al cine masivo y los grandes presupuestos, pero sin embargo, ese tufillo conservador que gran parte de la crítica (mayoritariamente progresista) detecta hace que lo repelan y lo distancien de sus compañeros de generación (y también amigos) Paul Thomas Anderson y David Fincher. Todo ello ha derivado en un gran debate que se resume en críticos que aman a James Gray y criticos que lo odian a muerte por sus postulados "reaganianos".
A la hora de enfrentarse a hablar de Two Lovers, el camino más sencillo sería, por tanto, analizar esa ambivalencia, que está, obviamente presente en su, hasta la fecha, última película. Sin embargo, al ponerme delante de la pantalla del ordenador para escribir sobre esta película, la única pregunta que me asalta es, ¿Por qué me emociona tanto?
Si hay algo que define Two Lovers es que es una película que ataca, más que a la cabeza, al corazón y las entrañas. Lo que en un principio podría ser el planteamiento de una comedia romántica (triangulo amoroso con Joaquín Phoenix en el medio) es tratado en Two Lovers con un tono melancólico que impregna de mucha emoción gran parte de sus imagenes.

Y no solo el tono, si no que es la propia esencia de la película lo que ataca a las tripas. Two Lovers es la historia de un individuo que tiene que enfrentarse y elegir entre el hombre que desearía ser y el que realmente es. Elegir entre el amor ideal y literario y el carnal y mundano. Y para personificar ese dilema, Joaquin Phoenix crea a un ser hermético y atormentado, laconico y vulnerable hasta el extremo. Su gesto y su mirada capitalizan y acumulan gran parte de la fuerza y la credibilidad de la película.
A un lado, como un pequeño angel que se sienta en sus hombros nos encontramos a la carnal y vulgar Sandra (Vinessa Shaw) que encarna de una manera eficiente a la novia que toda madre querría para su hijo, buena y comprensiva hasta el borde de lo exagerado. Al otro, como un diablito sentado en el otro hombro, Michelle, que encarna una perfecta Gwineth Paltrow. Cuenta James Gray que escribió el personaje de Michelle específicamente para Paltrow y no cuesta creerlo, porque es difícil imaginar una encarnación más perfecta de lo inalcanzable. Grey se esfuerza por retratarla con mimo y mostrárnosla hermosa, perfecta y distante, casí espectral, como ocurre cuando se acerca a Phoenix al final de la película por el callejon entre las sombras y parece anunciar la llegada de un fantasma.

Entonces, cuando nos encontramos con una historia que llega a lo más básico de cada uno y tres actores que se desnudan ante un director que retrata delicadamente una trágica historia de amor, los recursos cinematográficos (que los hay, y muchos) quedan en un segundo plano.

Cuando la verdad se apodera de una película sobra cualquier análisis, solo queda sentarse y emocionarse con ella.

Sobra decir que tras ver Two Lovers, me encuentro en la mitad que ama a James Gray.

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Two Lovers (2.008)
Dirección: James Gray

Guión: Richard Menello y James Gray
Fotografía: Joaquin Baca-Asay
Dirección Artística: Marc Benacerraf, Peter Zumba
Interpretes: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini

Somewhere

2011-03-05T03:09:00.000+01:00

Si hay algo que ha definido la, hasta ahora aún corta, carrera como directora de Sofia Coppola es cierta fijación hacia la vacuidad. Todas sus películas son una radiografía de ciertas formas de vida de nuestra sociedad que, simple y llanamente, están llenas de nada.

A lo largo de su carrera y a través de sus filmes (Las Virgenes Suicidas, Lost in Translation y Maria Antonieta) ha ido depurando un cierto estilo que, paradójicamente, esta en las antípodas al de su padre. Sus películas se basan en la observación de la vida cotidiana de sus personajes, que habitualmente esta desprovista de cualquier tipo de emoción aunque si llena de un sentido del humor bastante surrealista. Ha creado un estilo propio que gira en torno a lo que podríamos llamar la poética del vacío. Y creo que a día de hoy, no hay nadie que sepa retratar mejor y de forma más bella el vacío existencial.

Pues bien, es con estas credenciales con las que Sofia Coppola se presenta con su nueva película, "Somewhere", con la que, dicho sea de paso, triunfó el el Festival de Venecia del pasado mes de Septiembre.

Somewhere es una nueva vuelta de tuerca a sus películas anteriores y en particular a Lost in Translation. La formula es parecida. El retrato de una estrella de Hollywood que se encuentra rodeado de gente constantemente pero que sin embargo vive inmerso en la más absoluta soledad.

A partir de ahí, y de una manera curiosa, el paralelismo pasa a realizarse a través de un espejo invertido. Mientras que en la primera, el ecosistema del protagonista se veía alterado por la aparición del personaje de Scarlett Johansson, que imbuía al actor en un enamoramiento casi adolescente, en el caso de Somewhere, lo que vemos es una estrella anclada en la adolescencia perpetua que de golpe y porrazo madura ante el reto de tener que cuidad de su hija.

A partir de ahí Coppola maneja la película con maestría. La unión de la plasticidad de sus imágenes, la potencia y magnetismo de una magnífica banda sonora realizada por los franceses Phoenix y su ritmo cadencioso, lejos de irritar, tiene la capacidad de sumergirnos en situaciones que van del absurdo a la más bella ternura.

Si bien, parece que con los años la directora se ha hecho más austera y el tono de la película es más seco y conciso. Ninguna concesión salvo algunos destellos de ese sentido del humor tan particular, con mención especial al episodio italiano de la película, que simple y llanamente, no tiene precio como retrato de la Italia berlusconiana.

Al respecto de los actores, Stephen Dorff esta sobrio, hierático pero convincente, pero es que cualquier actor palidecería ante el encanto y el saber estar de una Elle Fanning que simplemente es adorable. En definitiva, si bien se podría decir que Sofia Coppola pierde fuelle, repitiendo formulas pasadas, es innegable que sigue siendo capaz de generar películas de una hondura y belleza al alcance de muy pocos. Esperemos que sepa aplicar ese talento a la reinvención que necesita.

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Somewhere (2.010)
Guión y Dirección: Sofia Coppola
Fotografía: Harris Savides
Dirección Artística: Andrea Rosso, Shane Valentino
Música: Phoenix
Interpretes: Stephen Dorff, Elle Fanning, Chris Pontius, Erin Wasson

Midnight Juggernauts - The Crystal Axis

2011-02-14T01:21:00.002+01:00

Después de casi tres años de preparación, hace unos meses por fin llegó el segundo álbum de los australianos Midnight Juggernauts. Después de esa maravilla que fue Dystropia, perfecta mezcla del electro más bailable y la psicodelia los juggernauts se enfrentaban al reto del segundo álbum donde les tocaba o bien confirmar que son buenos de verdad o por el contrario que fueron flor de un día. Y a fe que se lo han pensado a conciencia.

Lo primero que llama la atención desde la primera escucha es que nos encontramos ante un disco mucho más trabajado y complejo. El disco suena más compacto y rico en matices y eso se aprecia desde el comienzo con la intro "Induco" hasta el final en el que funden al rojo ("Fade to red"). Esta claro que este disco tiene canciones menos directas pero si mucho más complejas e interesantes.

Y eso que el disco comienza con dos auténticos "llenapistas" como son "Lifeblood flow" y "This new technology" que invitan a bailar y en los que demuestran que aún pueden ser tan directos como un gancho a la mandíbula. Dos canciones llenas de luminosidad y optimismo que te llenan de energía para la escucha del resto del disco.

Es a partir de este punto en el que el disco va cobrando enjundia. Se suceden grandes canciones como "Lara vs. the savage pack", "The great beyond" o "Winds of fortune". Canciones en las que se alejan un tanto de la electrónica y de la psicodelia y se centran en crear autenticas gemas pop. Estribillos pegadizos, guitarras sugerentes y multitud de detalles y arreglos que se van descubriendo después de varias escuchas.

Incluso se atreven con una deliciosa balada como "Cannibal Freeway" con unas guitarras iniciales que incluso nos pueden recordar a unos Muse desprovistos de la ira que suele acompañar a las canciones de los ingleses.

En conclusión, un gran segundo disco que demuestra que Midnight Juggernauts son una banda en evolución y que ha alcanzado un nivel de madurez capaz de ofrecernos algo más que canciones instantáneas. Una maravilla.

Vals con Bashir

2011-02-07T03:09:00.000+01:00

A lo largo de la historia del cine ha habido muchas películas que han intentado retratar las grandes infamias de la historia del siglo XX. Es obvio que entre todas ellas, el genocidio nazi es la estrella, pero a lo largo de los años ha habido muestras de otras "lindezas" que ha brindado el genero humano como los genocidios armenio o el camboyano.

Las aproximaciones a estos hechos escabrosos van desde las más lacrimógenas hasta las más secas y austeras. Si bien, solo unas pocas se han atrevido a ir más allá en su reflexión y no quedarse en el mero reflejo y enumeración, más o menos bienintencionado, de las barbaries sucedidas. Esas pocas películas, que siempre han llegado desde el terreno documental, no solo han querido introducir una reflexión sobre los hechos ocurridos, si no ante el mero hecho de reproducirlos y de la imposibilidad de conseguirlo. Peliculas como Soah o S-21, La maquina de matar roja (ya comentada por aquí hace un tiempo) llegaban a la conclusión de que es imposible representar el horror. Por ello, son películas que evitan abusar de la imagen de archivo o la recreación y dan voz, simple y llanamente a la palabra. Son películas que se basan en el testimonio crudo de victimas y verdugos y cuya fuerza dramática se basa en recorrer el rostro y los gestos de sus testigos. Podríamos decir que Vals con Bashir se puede encuadrar dentro de ese pequeño grupo de películas.

Estas pocas películas, ante la imposibilidad de recrear lo imposible, investigan distintas formas de representación. En S-21, por ejemplo, Rithy Panh "obliga" los verdugos de entonces a recrear sus actos con mímica en los escenarios desnudos de entonces. En el caso de Vals con Bashir, Ari Folman riza el rizo y nos propone el curioso experimento de ofrecernos un documental de animación.

La película esta hilvanada sobre las propias vivencias del director, que participó en los hechos descritos cuando apenas contaba con 17 años. El espectador va descubriendo los hechos al mismo tiempo que el director, encarnado en una especie de detective, recobra la memoria sobre lo que ocurrió, que no es otra cosa que la Masacre de Sabra y Chatila (en la Guerra del Libano) y en como el ejercito israelí, a través de su pasividad, fue cómplice.

La película se divide en dos y reparte su metraje entre entrevistas animadas a través de la técnica de la rotoscopia (basándose en imágenes reales) y animaciones ficticias que recrean algunas de los testimonios vertidos.

La estilizada estética de las animaciones junto a un eficaz uso de la banda sonora dota a la película de una sensación de ensoñación constante, potenciada por el sueño que da comienzo a la película.

Ante la imposibilidad del propio director (tanto como director como también como personaje de la película) de abordar y asumir la tragedia que ocurrió, parece que la estilización y la ensoñación nos permite asumir lo que de que otra manera sería inasumible. De esta manera Folman escapa al tremendismo y el amarillísmo y nos deja solo los hechos. Es curioso como, alejándose por completo de lo real, es como consigue desnudar los hechos.

De todas formas, y para recordarnos la realidad carnal de lo contado, el director nos guarda un puñetazo en la cara en la conclusión. Unas imágenes reales y desgarradas que nos ayudan a recordarnos que ese sueño que hemos presenciado, fue una realidad y que, a pesar de todo, no puede ser mostrada con toda su magnitud. Ante esa imposibilidad, solo queda la palabra y el recuerdo.

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Vals Im Bashir (2.008)

Guión y Dirección: Ari Folman

Dirección Artística: David Polonski

Montaje: Nili Feller

Intervienen: Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag, Ari Folman, Shmuel Frenkel

José Luis Guerín (En Construcción y En la ciudad de Sylvia)

2011-01-31T01:44:00.000+01:00

José Luis Guerín es una rara avis del cine español. Prueba de ello es que en sus 25 años de carrera apenas ha sido capaz de completar 7 largometrajes. Como ya conté hace tiempo por aquí, a raíz de su película "Tren de Sombras" todos sus largometrajes se mueven en el escurridizo terreno del cine más experimental. Guerín es un cineasta obsesionado con el acto de observar. Y como buen observador, el territorio en el que mejor se siente es esa fina linea que separa el documental de la ficción. Tras descubrirle en Tren de Sombras me dispuse a seguir indagando en su propuesta y hoy comento por aquí sus dos siguientes proyectos, En Construcción (2001) y En la Ciudad de Sylvia (2007).

Es muy probable que En Construcción sea la película más convencional de Guerín, entendiendo como convencional su acepción de "más apegado a los cánones". Se trata de un muy hermoso documental que nos muestra la realidad diaría de unos cuantos vecinos del Barrio Chino de Barcelona, donde no todo es turismo, oropel ni garitos de moda. Guerín se adentra en el barrio y en su gente y nos arroja el retrato del lado más marginal de Barcelona.
Construida alrededor de las obras de construcción de un edificio en el barrio (de ahí el título de la pélicula) la cámara sigue el día a día de personas tan marginales como una pareja de drogadictos o un vagabundo que acumula objetos encontrados en la basura. Hay dos cosas que llaman poderosamente la atención en la película. Por un lado, su punto de vista. En Construcción no es una película sobre la marginación o la marginalidad, todo lo contrario. Si hay algo maravilloso en esta película es el inmenso cariño con el que estan rodados cada uno de sus protagonistas y la inmensa dignidad que destilan ellos ante la cámara. Por otro esta su estilo. Como es costumbre en Guerín la película se aleja de efectismos y trucajes. El director se limita a mirar y a escuchar. Eso provoca momentos de absoluta verdad ante nuestros ojos. La frescura y espontaneidad de sus imagenes son un fogonazo a la mente. Son memorables los momentos en que se descubre un yacimiento arqueológico en la obra, o las historias del marino vagabundo. En definitiva, un ejercicio de sencillez y crudo realismo que acerca esta película al cine del portugués Pedro Costa.

Con En la ciudad de Sylvia, Guerín vuelve a parte de las obsesiones que ya trató en "Tren de Sombras". En la ciudad de Sylvia se reflexiona sobre la memoria y en como esta se transforma con el paso del tiempo.
La trama de la película se basa en una anecdota mínima. El protagonista conoció a una chica que luego no volvió a ver. Al cabo de cuatro años, vuelve a la ciudad donde se conocieron para buscarla. A partir de esa premisa, Guerín vuelve a construir un ensayo sobre la observación de la realidad y sobre como nuestra memoria juega una parte vital en esa observación. El protagonista pasea por las calles, se sienta en los cafés y sobre todo observa, observa los rostros y vamos descubriendo junto con él como la mente ha desfigurado ese recuerdo hasta el punto de que, todos los rostros son Sylvia. Todos y ninguno. Y es que, es la propia subjetividad del protagonista es la que decide cual es el recuerdo bueno. Las observa, las mira, las dibuja e incluso las persigue. Todo en pos de un recuerdo que ni siquiera tenemos claro cuanto de real tiene. Un hermoso retrato de una obsesión en la que, en este caso, el obseso no es un loco, sino, simplemente, un romántico idealista.
Para poder comprender y sacar todo su jugo a la propuesta es muy recomendable el visionado de una película/video-instalación que el director preparó en paralelo con la película, titulada "Unas fotos en la ciudad de Sylvia". Este segundo largometraje de poco más de una hora está construido con las fotografías que el propio Guerín hizo preparando la película. Esas fotos combinadas con algunos intertitulos nos ayudan a profundizar y adentrarnos en los significados y metaforas de la película y nos demuestra que En la ciudad de Sylvia no es más que un enorme alegato al romanticismo y al amor eterno, como el amor que demuestra el director al retratar a Pilar López de Ayala y al restro de rostros que pasan por la cámara y por los ojos del protagonista.

Esta claro que no nos encontramos ante un director convencional, si no ante uno de esos artistas cuya propuesta probablemente trascienda de las fronteras del cine como lo entendemos. No hay otro en nuestro cine capaz de construir imagenes tan sugerentes y tan hermosas. Y es único a la hora de intruducir reflexiones y preguntas sobre grandes temas que rodean al cine desde su invención con una sencillez y ausencia de berborrea admirable.
Un director ineludible para aquellos que quieran profundizar un poco más en que es el cine.

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En Construcción (2.001)

Guión y Dirección: José Luis Guerín

Fotografía: Alex Gaultier

Montaje: Mercedes Álvarez y Núria Esquerra

Intervienen: Juana Rodríguez Molina, Iván Guzmán Jiménez, Juan López López, Juan Manuel López

En la ciudad de Sylvia (2.007)
Guión y Dirección: José Luis Guerín
Fotografía: Natasha Braier
Montaje: Núria Esquerra
Dirección artística: Maite Sánchez
Interpretes: Pilar López de Ayala y Xavier Lafitte

Cisne Negro

2011-01-18T02:46:00.000+01:00

Darren Aranofsky es un viejo conocido de este blog. Si bien siempre se le suele situar un escalón por debajo de la nueva hornada del último Hollywood (Fincher, Anderson, Nolan), esta claro que no lo está si hablamos en términos de ambición. Si hay algo que no puede achacársele a Aranofsky es falta de pretensiones.

Tras su espiral megalomaniaca y particular bajada a los infiernos culminada en La Fuente de la vida y su posterior redención con la que, probablemente se trataba de su cinta más austera y a la vez más brillante (El Luchador), los aficionados al cine del director americano (entre los que me encuentro) nos preguntábamos por donde diablos nos saldría esta vez. La respuesta a esas inquietudes el El Cisne Negro.

Todo parecía indicar que El Luchador era un claro indicio de cierta llegada a la madurez de su director. Madurez que se evidenciaba en una sencillez y ausencia de retorica que contrastaba con el barroquismo habitual de Aranofsky. Sin embargo en este Cisne Negro vuelve el barroquismo y vuelve la temática más habitual en el director neoyorquino. Esto es, el thriller psicológico. Si hay algo que no se le puede negar al director es que, es probablemente el director actual que mejor refleja una mente atormentada. Y es que, ni más ni menos, eso es Cisne Negro, la radiografía de una mente perturbada. Perturbada por una presión psicológica ejercida en todas direcciones alrededor de la protagonista.

Y aunque esto pudiera parecer un paso atrás, resulta ser todo lo contrario. Porque si bien vuelve a sus temas de siempre y a una realización formal de nuevo mucho más elaborada, la madurez se ha quedado. Y es que, sin lugar a dudas Cisne Negro es la película más equilibrada de Darren Aranofsky. Este descenso a los infiernos de una aspirante a bailarina estrella da como resultado una película visualmente hermosa y a la vez muy oscura pero nunca gratuita. Sus bellas y claustrofóbicas imágenes siempre tienen un sentido. Oscuro es el tono, y opresivo el ambiente. Realmente, viéndola a uno le viene a la cabeza Roman Polanski ya que sus planos destilan el mejor estilo del director de origen polaco y en el que el personaje de la madre (muy convincente Barbara Hershey) oprime y reprime en todos los sentidos a su hija. Es como si pudieramos ver al Norman Bates de Psicosis antes de que su madre muriera.

Mención a parte tiene la interpretación de Natalie Portman, en el que seguramente sea el mejor papel de su carrera. Llevando al extremo su físico (en la película muestra una extrema delgadez) y ante un papel que pone muy facil caer en el histrionismo, la Portman responde con un ejercicio de mesura y contención que, salvo que ocurra una hecatombe, le va a llevar a conseguir su primer Oscar.

En definitiva, una película compleja y oscura, intensa y barroca que nos adentra en una espiral de intensidad de una belleza incuestionable y que nos depara un desenlace que nos ofrece, con permiso de Michael Powell, algunas de las escenas de baile más hermosas que se hayan filmado.

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Cisne Negro (2.010)

Dirección: Darren Aranofsky

Guión: Mark Heyman, Andres Heinz y John J. McLaughlin

Fotografía: Matthew Libatique

Musica: Clint Mansell

Interpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey

Metropolis

2010-11-26T18:28:00.003+01:00

No es la primera vez que hablo en el blog sobre una película muda. En los útlimos tiempos estoy revisando algunos grandes "clásicos". Lo que más me interesa al ver esas viejas cintas es, de alguna manera, observar el proceso de madurez que sufrió el cine en sus primeros 20-30 años de vida.

Es interesante intentar encontrar donde se encuentran los bordes del cine mayor de edad del bebe dando sus primeros pasos. Los trabajos que gracias a su audacia o talento consiguieron separar la expresión artística del cine de la atracción de barraca de feria que fue en sus primeros años

Siguiendo ese recorrido ya he hablado por aquí de Chaplin o de Sjostrom y hoy toca hablar de Fritz Lang y de su obra magna, Metropolis.

¿Y que tiene de especial esta película? La primera palabra que te puede venir a la cabeza hablando de esta película sería grandilocuencia. Metropolis es una gran superproducción al estilo de la época. Una vez superada la novedad inicial, el cine encuentra que el camino para conseguir atraer a la gente a las pantallas es a través de las super producciones (que poco hemos cambiado en 100 años) y todos siguen la vía marcada por las primeras grandes producciones italianas de la época. Es obvio que Metrópolis debió ser una película cara, carisima. Hay miles de extras, decorados gigantescos y fastuosos, maquetas. ¿Entonces, que hay de nuevo?

En este punto es cuando llega la segunda palabra que define esta película, audacia. Y es que Lang decide dar un paso adelante, no se limita a poner extras y decorados en pantalla, si no que intenta ir más allá. Y dentro de su audacia decide contar con la colaboración de algunos de los más ilústres vanguardistas alemanes de la época. Con ello, Lang decide recoger las cenizas del ya moribundo movimiento expresionista y lo lleva más allá. Su mezcla de futurismo y expresionismo le lleva a crear, probablemente por primera vez, un mundo completo. Monumental, geométrico, con sus rascacielos y sus lineas de tren aereas, esta película es un monumento a la vanguardia.

Y en ese sentido es paradójico observar que mientras que "artisticamente" la película se mantiene en plena forma, con una propuesta de cine como arte global (aunando literatura, pintura, arquitectura y música) con una dirección artística moderna y que ha influenciado a artistas como Moebius o a películas como Blade Runner más de 50-60 años después, con unos diseños arquitectonicos deslumbrantes, y hallazgos visuales brillantes (la escena en la que la luz persigue a la chica es simplemente maravillosa), la otra cara de la moneda es que la historia revisada hoy, se queda un poco naif.

La película digiere distintas fuentes desde el socialismo marxista al proto-nacionalsocialismo (ese estigma nazi la ha perseguido desde prácticamente su estreno) para proyectarlo en un hipotético futuro en el que el capital ha oprimido al trabajador como esclavo y solo la aparición de un "mesías" puede levantar a las masas y conseguir la "paz social" y el equilibrio. Revisado hoy, parece un manual político muy básico y demasiado obvio ya que tal vez cae en un exceso de didactismo.

Sin embargo hay ideas brillantes, como el robot-mujer o el diseño y realización del barrio de Yoshiwara que nos hacen olvidar esa inocencia (y que seguramente no lo era tanta hace 80 años).

Un espectáculo visual deslumbrante y avasallador que realmente merece la pena, porqué en esta película estan escondidas algunas de las claves y secretos que explican el cine contemporaneo, la evolucion del arte e incluso la historia de los últimos 80 años.

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Metropolis (1.927)

Dirección: Fritz Lang

Guión:Thea Von Harbou

Fotografía: Karl Freund, Günther Rittau y Walter Ruttmann

Dirección Artística: Otto Hunte, Erich Kettelhut y Karl Vollbrecht

Interpretes: Alfred Abel, Gustav Frölich, Rudolf Klein-Rogge y Fritz Rasp

La Cinta Blanca

2010-10-04T00:15:00.000+02:00

Hace ahora un año escribía por aquí a proposito de dos de las más recientes películas de Michael Haneke (El tiempo del lobo y Codigo desconocido). Al final comentaba que se esperaba con impaciencia la llegada a nuestras pantallas de su última obra y más aún después de su abrumador éxito en el Festival de Cannes de 2009. Ahora es el momento de juzgar si aquella espectación era merecida.

Lo primero que no se puede negar es que nos encontramos ante una película Haneke. Dura, seca, concisa y centrada, como toda su filmografía en explorar el lado oscuro del ser humano. Y como ha hecho otras veces, utiliza para ello a los seres que a priori están más alejados de ese lado siniestro, los niños. Sin embargo, de nuevo, nos demuestra que no hay nada más inquietante que una pandilla de jovenzuelos.

Si algo distingue a esta película de sus antecesoras es que nos encontramos a un Haneke mucho más austero, mucho más oscuro. Deja atrás sus muy habituales provocaciones y juegos formales para mostrarnos una película increiblemente rigurosa. Empezando por su impecable blanco y negro y una muy rigurosa planificación que dota a toda la película de una belleza serena.

Otro punto interesante es que, mientras habitualmente las películas del director miran hacia el presente y sus problemas, en La Cinta Blanca realiza un salto mortal hacia delante (o más bien hacia detrás) preguntandose en este caso sobre donde está el origen de la gran infamia del siglo XX (y probablemente de muchos de los problemas actuales). La película nos muestra la infancia de los niños que encumbraron con sus votos a Hitler. Nos muestra la sociedad estricta, represiva y reprimida que fue el caldo de cultivo de la Alemania nazi. Y como el propio protagonista dice en un pasaje de la película, solo conociendo esto, se puede explicar lo que luego sucedió.

La austeridad formal va acompañada también de una austeridad narrativa. La película se torna en casi abstracta. La trama es una anecdota que, como suele ser costumbre del director, ni siquiera se esfuerza en cerrar de una manera explicita. Haneke, amante del minimalismo aquí encuentra so máximo exponente.

Con todos estos componentes lo que tenemos como resultado es, probablemente la obra más rigurosa y intensa de Haneke. Frente a su cine provocador y directo, nos encontramos con una obra de atmosfera. Una atmosfera que es irrespirable y que transpira la violencia en sus poros, a pesar de que el director evite expresamente mostrarnos ni una sola muestra de ella y sea su obra explicitamente menos violenta. Se percibe más opresión en campo abierto rodeado de los niños que entre cuatro paredes.

En definitiva, una película desasosegante e incomoda. Tan incomodo como que alguien te obligue a ver la parte más oscura del ser humano.

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Das weisse band (2.009)

Guión y Dirección: Michael Haneke

Fotografía: Christian Berger

Montaje: Monika Willi

Dirección Artística: Anja Müller

Interpretes: Christian Friedel, Ernst Jacobi, Leonie Benesch, Ulrich Tukur

Origen

2010-08-24T04:33:00.000+02:00

Si hay dos caracerísticas que definen el cine de Christopher Nolan son, por un lado, su obsesión por las estructuras narrativas complejas y, por otro, su obsesión por el manejo del tiempo. Sus películas son artefactos con maquinarias de relojería suiza en su interior. Cada uno de sus guiones están escritos con la minuciosidad de un orfebre y cada detalle esta cuidado al límite. En sus películas el tiempo se expande y se contrae a voluntad permitiendo de esa manera que la férrea estructura literaria se convierta en cine. ¿Acaso no es eso en lo que consiste el cine, en literatura más tiempo?

Pues bien, si partimos de las premisas anteriormente descritas, es obvio que Origen (o Inception, en su mucho más bonito título inglés) es Christopher Nolan en estado puro. Y por ello, creo que el amor o el odio que se profese por esta película estará directamente relacionado con los sentimientos que se sientan hacia su director y su cine.

Nolan lleva años inmerso en una carrera contra si mismo. Las bases de su cine quedaron muy claramente definidas en su opera prima, Memento, y conforme los presupuestos de sus películas han ido engordando, también lo han hecho su ambición y complejidad. Aunque no es un director que renuncie al gran público y por tanto al espectáculo, lo cierto es que al mismo tiempo se ha negado a renunciar a si mismo y sus películas jamas rehuyen las más altas pretensiones. Esta claro que junto con Fincher y Anderson, son los tres directores más ambiciosos y arriesgados de la industria hollywoodiense actual.

En ese sentido, Origen es simple y llanamente apabullante. El asombroso entramado circense que se despliega ante nuestros ojos es simplemente sobrecogedor. No queda más remedio que rendir pleitesía a una demostración tan manifiesta de maestría. La película transita por una trama que es, sin duda, el más difícil todavía. Una trama que además, le permite a Nolan experimentar como nunca ha podido con el ritmo y el tiempo cinematográfico. En Origen hay segundos que duran horas y años que duran segundos. Y todo ello supeditado al mantenimiento de la tensión del relato. Nada de ralentís gratuitos o de montajes embarullados que solamente ocultan falta de oficio. Aquí el tiempo se expande o se contraé para que podamos entender que es lo que están viviendo sus protagonistas. Y en ese sentido, la película va al límite, al límite de la maquinaria, al límite del barroquismo narrativo, al límite del tiempo. Es obvio que eso convierte la película en un artefacto polémico que contará con defensores a ultranza y enemigos acérrimos. Pero bienvenida sea esa polémica, porque si el arte no tiene transgresión muere.

En el debe de la película se pueden colocar sin duda, algunas cosas. Es obvio que excepto al personaje de DiCaprio, al resto de ellos les falta complejidad dramática, que hay gestos que en su transgresión, bordean la provocación (empezando por el final de la película) y también lo es que si ponemos a analizar meticulosamente su trama, encontraremos más de un cabo suelto e incongruencia. Origen es una película imperfecta. Pero su imperfección es fascinante.

La sensación que me quedó tras verla es que en esta película Christopher Nolan se ha vaciado. Ha puesto todas sus obsesiones y talentos al servicio de esta historia. Por ello, al salir del cine me preguntaba, ¿Y ahora qué?

Después de llegar tan lejos, ¿Hay más allá? Me temo que al señor Nolan no le va a quedar otra que reinventarse. Yo estoy impaciente por descubrir si será capaz .

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Inception (2.010)

Guión y Dirección: Christopher Nolan

Fotografía: Wally Pfister

Montaje: Lee Smith

Música: Hans Zimmer

Interpretes: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy

Zoé

2010-07-17T18:38:00.001+02:00

Desde México nos llega el desembarco de la última sensación del rock independiente. Tras un año 2009 que resultó triunfal en su tierra natal con un notable éxito de crítica y público culminado con premios y nominaciones varias (MTV awards, Grammy Latinos...) este 2010 parece que va a ser el año del desembarco en España.

Y para hacerlo se sirven de un álbum recopilatorio denominado 2001-2010 que incluyen todos sus grandes éxitos incluidos principalmente en sus tres anteriores álbumes (Rocanlover, Memo Rex Commander y Reptilectric) y además, con la colaboración especial de algunas "estrellas" españolas que ponen su granito de arena, bien haciendo duetos de algunos clásicos de la banda (Bunbury, Dorian o Annie B. Sweet) o bien directamente re-escribiendo por completo la canción (notable versión la realizada por Vetusta Morla).

Este álbum recopilatorio, que se trata de mi primer contacto con la banda tiene lo que deberían tener todos los buenos recopilatorios y es una contundencia a toda prueba. La selección es muy compacta y de una calidad altisima. Esto hace que a diferencia de un disco convencional no haya altibajos. Además, la totalidad de las canciones (incluidas las colaboraciones especiales) tienen una homogeneidad que hacen que parezca más que un recopilatorio, un albúm producido de manera conjunta. En cada canción podemos intuir cual es el espíritu del sonido del grupo. Un extraño puré donde encontramos los más variados ingredientes. En sus melodías podemos encontrar rastros de Café Tacuba o Radiohead.

Y con esos ingredientes no puede salir más que un álbum y unas canciones llenas de intensidad y de una producción altamente electrificada e impecable. Y a ese resultado le añadimos un toque de psicodelia y distorsión. En definitivamente, una colección expansiva, luminosa y densa. Toda una maravilla que habrá que seguir de ahora en adelante.

Y en medio del disco se encuentra la joya de la corona.El tema Dead, una canción que es la quinta-esencia del sonido del grupo y que en un increible armazón lleno de complejidad es capaz de ser al mismo tiempo una canción luminosa y claustrofóbica, expansiva y oscura, intensa pero a la vez sencilla. Una canción que se instala en el cerebro y ya no sale. Sin duda la cuadratura del circulo y una de las mejores canciones que he podido escuchar en los últimos tiempos.

Una banda sin duda a seguir y que produce un poquito de envidia ya que parece que en México todavía es posible que una banda adulta y con una propuesta compleja llegue a ser una banda masiva. Nosotros nos conformaremos con seguirles por el circuito independiente español.

(500) días juntos

2010-07-10T01:20:00.000+02:00

Si hay algo previsible en el mundo del cine en los últimos años, esas son las comedias románticas americanas. Son previsibles por personajes, por estructura y por concepto. Normalmente, suelen ser bastante neutras y lo habitual es que sea difícil que alguien odie una comedia romántica, pero también que la ame con locura. Desgraciadamente, ese es el legado que nos dejó las películas de Meg Ryan en los 90.

Afortunadamente, en los últimos tiempos, algo se está moviendo en la comedia en Estados Unidos. Gente como Wes Anderson y Judd Apatow llevan ya años dinamitando las estructuras clásicas pero, aunque lo hayan bordeado en algunos títulos, nunca se han atrevido a enfrentarse de cara a la hermana pastel de la comedia.

Es por todo esto de agradecer que Marc Webb se haya atrevido a hacerlo a través de su original y fresca propuesta.

Y además de original y fresca, nos encontramos con una película 100% honesta porque, desde el primer segundo del film, no engaña a nadie adelantándonos que se trata de la clásica película de chico conoce a chica. Y de eso se trata. De la historia cien veces contada de chico conoce a chica, a chico le gusta chica y la intenta conquistar. Y la pregunta del millón es, ¿Cómo ser original cuando la historia que vas a contar ha sido contada mil veces? Marc Webb lo encuentra a través de la narración dejando a un lado la linealidad y contándonos la historia a saltos. De delante a atrás y vuelta. Y lo más interesante es que de esa manera, contrapone de un plano a otro momentos muy lejanos en el tiempo que, sin embargo, tienen fuertes paralelismos. Esta situación no solo provoca situaciones divertidas, si no que, sobre todo, propicia una reflexión bastante más madura de lo que aparenta sobre que es el amor y cuales son los mecanismos del enamoramiento.

Si a esta originalidad le añadimos unos actores frescos, con una Zooey Deschanel simplemente adorable (aunque en su vertiente caótica funcione un poquito peor), una multitud de referencias culturales de la generación de los 80 (a la que un servidor pertenece) con el protagonismo estelar de Morrisey y sus Smiths y una cinefilia que nos permite viajar por todos los géneros, desde el musical al cine de arte y ensayo con un divertido y bonito homenaje a la Nouvelle Vague lo que nos sale es un entretenimiento adulto que permite ser vista por una parte como una divertida comedia y por otra como una reflexión sobre el amor y sus peligrosos efectos secundarios.

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(500) days of summer (2.009)

Dirección: Marc Webb

Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber

Fotografía: Eric Steelberg

Montaje: Allan Edward Bell

Música: Mychael Danna, Rob Simonsen

Interpretes: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Moretz

Enemigos Públicos

2010-06-20T18:58:00.000+02:00

Cuando uno piensa en Michael Mann, parece inevitable pensar en él como el digno heredero de lo que se ha dado en llamar "Gran Cine Americano". Ese cine que cuenta con todo el apoyo de la industria y que está destinado a aportar ese punto "qualite" estilo clásico a la producción actual. Por tanto, no es descabellado pensar en Mann como heredero de otros como Coppola, Milius, Cimino, Scorsese...

Y como todos ellos, parece que ese gran cine americano se mueve como pez en el agua cuando habla de la leyenda americana. Mientras que en Europa tenemos a nuestros reyes medievales y conquistadores, la mitología americana se compone de forajidos de leyenda y gansters románticos. Ese gran cine a través de sus grandes reconstrucciones de época nos ha dado películas maravillosas que van desde El Padrino a Gangs of New York. Frente a los personajes idealizados que nos planteaba el cine negro clásico de los 30-40, a partir de la década de los 70 y a través de estos directores se impuso una mirada desmitificadora de los mitos. Como queriéndonos enseñar la trastienda del mito americano. Enemigos Públicos no podría existir sin aquellas películas. Y no es porque pretenda seguir su senda, si no todo lo contrario. Ellas son el revulsivo para que Michael Mann llegue aún más allá.

Si hay una palabra que defina adecuadamente Enemigos Públicos, esa es abstracción. La película es abstracción visual, pero sobre todo es abstracción narrativa. Como decíamos, esta película es deudora de los Milius o Cimino, pero mientras que éstos se dedicaban a desmitificar a los ídolos, Mann directamente los trata como conceptos. En la película los personajes tienen escasos conflictos emocionales y se definen más por lo que hacen que por lo que dicen o sienten. En ese sentido el giro de tuerca es de 180 grados. Mientras que en los 70 el mito cobraba consciencia de si mismo y renegaba de su naturaleza, aquí el mito no tiene opción más allá de ser mito. Dillinger actúa como si no tuviera otra elección, como si la leyenda fuera su único camino. He ahí que los conflictos nunca son sobre si hay actuar de una manera o de otra, sino, más bien, sobre que consecuencias tendrán unos actos que no dejan de ser inevitables.

Para potenciar ésto, Mann recorre otro capítulo de su ya largo pulso técnico que protagoniza desde que, hace ya más de diez años, decidiera ser pionero en Hollywood del video digital. Aquí lleva su estilización (que ya era visible en otras como Heat o Corrupción en Miami) al máximo exponente, experimentando con las texturas, utilizando unas más limpias u otras más granuladas dependiendo de la escena y sobre todo, por unos tonos grisáceos gracias a los que jamás el color pareció tanto blanco y negro. Esa estilización extrema hace que la reconstrucción de los años 20-30 americanos sea sumamente minimalista, detallista pero no grandilocuente.

En todo caso, si esta película será recordada será por dos hallazgos mayores, dos escenas que de por si justifican una entrada y en las que expone con sutileza pero con claridad meridiana la tésis de la película.

La primera es cuando Depp se cuela en la comisaría y puede observar todas las anotaciones y fotos que cuelgan de los enormes tablones que dirigen su investigación. En ella Mann fotografía el momento mágico de la auto-conciencia. En ese momento Dillinger descubre su grandeza y se deleita ante el panorama.

Auto-conciencia que se multiplica en la gran sinfonía de la escena final, milimétricamente planificada y que contiene el hallazgo genial de un Depp/Dillinger observando a su alter ego Clark Gable en la pantalla. En este mundo de la información y la globalización, los mitos se han descubierto a si mismos y ante ello, no les queda más remedio que ser lo que se espera que sean, leyendas.

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Public Enemies (2.009)

Dirección: Michael Mann

Guión: Ronan Bennett, Ann Biderman y Michael Mann

Fotografía: Dante Spinotti

Montaje: Jeffrey Ford, Paul Rubell

Música: Elliot Goldenthal

Interpretes: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, James Russo

El bosque del luto

2010-05-23T20:35:00.000+02:00

La actitud con la que uno se acerque a este "El bosque del luto" creo que es fundamental. Para mí, el visionado de esta película ha sido mi primer contacto con la directora Naomi Kawase y la principal conclusión que puedo extraer es que me he quedado con unas ganas tremendas de conocer más de la filmografía de esta mujer.

Si buscaramos dos palabras para definir esta película una sería belleza y la otra sería calma. Porque estos son los dos sentimientos que más fuertemente desprenden cada uno de los minutos que la componen. Se trata de un film realizado a modo de bello poema que, a pesar de una aparente modestia y simpleza de miras, bajo su superficie esconde una profunda reflexión sobre algunos de los grandes temas que nos acucian.

La película está estructura en dos partes que forman un díptico de profundas resonancias. En ambas profundizamos en la relación que establecen Shigeki, un anciano internado en una residencia de ancianos y Machiko, una joven enfermera que acaba de llegar a trabajar a dicha residencia.

El tono de la primera parte es muy cercano al documental y nos muestra el día a día de la residencia. Acompañamos a los ancianos en sus actividades diarias y poco a poco, de una manera suave, casi indetectable, se nos va intruduciendo en la misteriosa y distante personalidad del anciano Shigeki, que le convierte en el centro de atención de las enfermeras del centro.

En esa primera mitad, se nos presentan a unos personajes que están increíblemente bien trazados a pesar de que el minimalismo es la tónica de la realizadora. Se nos dibuja a los personajes a partir de su vida cotidiana, sin grandes estridencias ni gestos.

En la segunda mitad, sin embargo, se cambia el tono de manera notable. El documental deja paso a la lírica, y el viaje iniciático que viven sus dos protagonistas se va cargando de una poesía y una magia que acaban embriagando todo el tramo final.

Una vez dentro de ella, la película te mece en brazos de una maravillosa y potente fotografía, potenciada por unas bellas localizaciones en las que el color brilla en cada plano. Y una vez hipnotizado lo que reluce es un hermoso canto a la vida que como buen poema épico, contrapone la vida con la muerte para que nos demos cuenta de que uno solo puede existir gracias al otro y que la memoria es el arma más poderosa que tenemos para vencer lo inevitable.

Pero no solo la memoria, si no la memoria y el amor. Porque si algo es esta película es un canto al amor, al amor puro, al amor fiel, al amor eterno e imperecedero. Cuando éste existe, siempre hay guía y siempre hay sentido. Cuando desaparece, solo queda ausencia. Ausencia reducida a notas en unos cuadernos.

Una película simplemente imprescindible.

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Mogari no mori (2.007)

Guión y Dirección: Naomi Kawase

Fotografía: Hideyo Nakano

Montaje: Tina Baz y Yuji Oshige

Musica: Mashamichi Shigeno

Interpretes: Shigeki Uda, Machiko Ono, Kanako Masuda, Makiko Watanabe

Paul Hartnoll - The ideal Condition

2010-05-09T12:59:00.001+02:00

Cuando en 2004 Orbital editó su último álbum, un agujero se creo en la electrónica contemporánea. Ningún otra banda como ellos han sabido encontrar el punto fronterizo que une la épica y la lírica con la música de baile. Esa electrónica que no olvida las melodías y que los entendidos dieron en llamar Intelligent techno (o IDM).

Tras esa separación creativa (jalonada, eso si, de diversos conciertos en festivales en el último año) los dos hermanos Hartnoll decidieron tomar las riendas de sus carreras en solitario. Y si las observamos, podremos ver que esa dicotomía que definía y hacía especial a Orbital se ha repartido entre ellos. Mientras Phil ha explorado la música más puramente electrónica y de baile (con el nombre de Long Range), su hermano Paul ha decidido tomar el camino de la lírica.

Por eso, la primera vez que pones éste, su primer álbum en solitario, es imposible no pensar en esos grandes temas grandilocuentes de Orbital, desde "The Box" a "One Perfect Sunshine" pasando por "The Girl with the sun in her head". Todos los amantes de aquellos temas están de enhorabuena, porque en The Ideal Condition tenemos la épica de Orbital concentrada y en estado puro. Cierto es que le falta la contundencia y las ganas de bailar que también traían consigo los álbumes de los hermanos Hartnoll, pero bueno, no se puede tener todo y al menos, estamos de enhorabuena recuperando parte de aquello que perdimos hace ya casi 6 años.

Y es que en este The Ideal Condition, Paul Hartnoll nos muestra sus cartas desde su comienzo, ya que se abre con "Haven't we met before?", una canción expansiva y luminosa que nos muestra las bases de este álbum: electrónica, cuerdas y poesía. Y es que las cuerdas acompañan a casi todas las canciones del disco, proponiéndonos una opción mucho más pura y menos ecléctica que le aleja Orbital. La segunda canción del disco es, probablemente su máxima cota y su quita esencia, "For Silence", cantada por Lianne Hall, es una gema perfecta de pop que funciona a las mil maravillas.

A partir de ahí se nos regala una buena muestra del mejor hacer de Paul. Partiendo de un núcleo duro que bebe del pop y de las delicadas melodías como en "Simple Sounds" o en "Nothing else matters", se desgranan temas más bailables y electrónicos como "Please" (en el cual colabora en incombustible Robert Smith) o "Patchwork Guilt" frente a temas más delicados y sinfónicos ("Unsteady Waltz"). Todo para acabar, como siempre lo han hecho los ábumes de Orbital, con una pieza sinfónica. Si bien que en esta ocasión, lo de sinfónico es literal ya que "Dust Motes" hace a las máquinas callar para poner el acento en unas estupendas orquestaciones que ponen un colofón perfecto a un disco que, si bien no puede llenar el hueco que dejaron, si que al menos nos reconcilia con la electrónica más humana y emotiva. Una isla de emoción en el océano. Sea bienvenida.

Trilogía de la muerte de Gust Van Sant

2010-05-01T22:01:00.000+02:00

Gus Van Sant es un director absolutamente inclasificable. Comenzó su carrera a mediados de los ochenta como adalid de la modernidad indie americana con películas como "Mala noche", "Drugstore Cowboy" o "Mi Idaho privado" para luego caer en la vulgaridad de naderías como "Even Cowgirls get the blues" a mediados de los noventa. En general toda esa primera época de su carrera en mi opinión es bastante prescindible ya que sus películas van desde la vaciedad modernista a la explotación exhibicionista de lo "raro", de lo underground. De repente, en 1.997, se cruzaron en su camino Matt Damon y Ben Affleck que le "regalaron" el guión de "El Indomable Will Hunting". El éxito razonable de crítica como el incontestable del público hacía presagiar que, por fin, Van Sant iba a conseguir instalarse en el sistema industrial de Hollywood como artesano de historias de "calidad" con su toque comercial (territorio donde vive hace tiempo ya Lasse Hallstrom, por ejemplo).

Sin embargo, precisamente en ese punto y ante el éxito de Will Hunting en los Oscar es cuando decide romper con todo y sorprende con su propuesta de reescritura y reconstrucción, plano por plano, de ese germen del cine contemporaneo que es el Psicosis de Alfred Hitchcock. Precisamente fue ese gesto de provocadora modernidad (¿Hay cine después del cine?) el punto de inflexión y no su anterior trabajo. A partir de ese momento, inició un camino en el que decidió romper con todo su trabajo anterior (y todo el cine anterior en términos generales) para poder descubrir un nuevo camino para su películas y para el cine.

Fue allí donde se inicia un ciclo de tres películas que el mismo bautizó como "Trilogía de la muerte" y que componen Gerry, Elephant y Last days. Y probablemente también fue aquello el inicio de algo que a posteriorí se ha dado en llamar el post cine (cuyo otro gran apóstol no puede ser otro que David Lynch).

Obviamente, estas tres películas tratan de diferentes aspectos de la muerte, como su sobrenombre indica. Si bien que, desde perspectivas y temáticas diferentes. Parece difícil encontrar relación entre la historia de dos chicos perdidos en el desierto (Gerry), la recreación de la matanza de Columbine (Elephant) y el relato de los últimos días de vida de Kurt Cobain (Last Days). Sin embargo, desde el punto de vista estilístico parece bastante fácil rastrear una propuesta común.

La principal pregunta que Gus Van Sant se esta haciendo en los últimos diez años es, ¿Qué puede contar el cine cuando todo esta contado? Su búsqueda trata de indagar en sobre que hay en una historia cuando todo esta dicho, que mueve a un personaje cuando todo esta hecho y sobre todo, reflexionar sobre si realmente se puede hacer cine más allá del relato literario. Es obvio que estas son reflexiones que ya antes habían llegado en otros ámbitos artísticos (me viene a la cabeza Beckett), pero hay que reconocer al director su carácter de pionero en el cine (para otro momento dejaremos la reflexión de porqué el cine ha necesitado tanto tiempo más para llegar a este punto).

Obviamente, como fruto de este punto de partida, Van Sant nos ofrece tres filmes con un alto nivel de abstracción (de menos a más a lo largo de las tres películas) en el que los personajes se difuminan con el escenario. Sus protagonistas hablan poco, son lacónicos y carecen de justificaciones o de razones para sus acciones. Son seres que se han reducido a ser meros cuerpos en desplazamiento, como zombies abrumados por la vida que les rodea. Esa es el primer punto en común de sus filmes, el del eterno movimiento. Sus personajes son vagabundos que vagan sin rumbo fijo y sin razón aparente, recorriendo como fantasmas el desierto o los pasillos de un instituto o los bosques del norte de los Estados Unidos.
Otro nexo es la obsesión por el punto de vista. En ese vagar de cuerpos, el carácter minimalista domina y son pocas las acciones que observamos, si bien que contadas en muchas ocasiones desde varias persperctivas, lo cual añade un elemento poliédrico a la casi invisible trama.

En todo caso, nos encontramos ante tres películas en la que la palabra clave es "búsqueda". No hay respuestas en esta trilogía, y sin embargo hay muchas preguntas. Las que se hacen sus personajes, casi siempre ensimismados ante la cámara y sin atisbo de emociones y las que se hace el propio director en una evolución que se hace más patente si se observan las películas cronológicamente. Llega un momento en el que parece que Van Sant ha encontrado que las respuestas a sus preguntas se responden con dos únicas palabras, la nada. Ese vagar de cuerpos transmite un tono pesimista y melancólico en muchos momentos. Sin embargo, en cada una de ellas se esconde un atisbo de esperanza... un brillo a veces apagado que nos hace pensar que aún el cine tiene salida, que aún puede contar cosas distintas de maneras distintas. Estas tres películas son la prueba, ya que, las recorre un resplandor interior que las llena de sentido y de significado.

Parafraseando la celebre frase... El cine esta muerto, larga vida al cine.

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Gerry (2.002)

Dirección: Gus Van Sant

Guión: Matt Damon, Casey Affleck y Gus Van Sant

Fotografía: Harris Savides

Música: Arvo Pärt

Interpretes: Matt Damon, Casey Affleck

Elephant (2.003)
Guión y Dirección: Gus Van Sant
Fotografía: Harris Savides
Montaje: Gus Van Sant
Interpretes: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell

Last Days (2.005)
Guión y Dirección: Gus Van Sant
Fotografía: Harris Savides
Montaje: Gus Van Sant
Música: Rodrigo Lopestri
Interpretes: Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento, Scott Patrick Green

Malditos Bastardos

2010-04-17T17:18:00.000+02:00

Es curioso como Quentin Tarantino ha sabido reinventarse a tiempo. Atrás quedó ese fulgurante inicio de carrera con Reservoir Dogs y Pulp Fiction. Con estas dos películas creó un genero propio e intransferible e incluso invento un estilo, el tarantiniano que más tarde ha servido para catalogar a otros. El asunto es que ese modelo mostró síntomas claros de agotamiento con Jackie Brown, que empezaba a sonar a "más de lo mismo".

Afortunadamente y tras un periodo en blanco (seis años), Tarantino volvió dispuesto a reinventarse. Y esa reinvención la ha conseguido, no cambiando su estilo ni sus obsesiones, a las cuales se mantiene fiel, si no, simplemente, aplicándolo a películas de género. Parece que Tatantino se ha embarcado en los últimos años en un ejercicio de palimpsesto, de re-escritura de los distintos géneros al estilo tarantiniano. Si en Kill Bill revisitó el cine de acción y artes marciales y en Death Proof el cine de psicopatas de los 70, en Malditos Bastardos decide mostrarnos como es una película bélica "made in Tarantino".

En todo caso, la referencia aquí no es la película bélica típica, si no, más específicamente las películas de patrullas que proliferaron en los años 60 y que tiene como máximos exponentes filmes como "Doce del patibulo" o "Los cañones de Navarone". En todas ellas, un grupo de renegados se hacen cargo de una misión suicida e imposible. Pues en este caso, Tarantino diseña la madre de todas las misiones: Matar a Hitler.

La película, como todas las de su director, gira en torno a sus diálogos. En este caso, este modelo es llevado al límite organizando la narración en cinco episodios (que podrían funcionar cada uno como cortometraje independiente) cuyo núcleo central es una conversación. Cada uno de esos episodios es un alarde técnico absoluto. En esta película, como en ninguna otra antes, Tarantino se nos muestra como un experto manipulador de los tempos en pos de la generación de la intriga. Mención especial tiene la primera escena de la película, probablemente la mejor de ella, que podría haber estado filmada por el mismísimo Hitchcock.

Y es en esta primera escena donde se da a conocer el personaje del Coronel Hans Landa, mágnificamente interpretado por Christoph Waltz y que es sin duda alguna el gran hallazgo de la película y quintaesencia del personaje tarantiniano.

En la crítica de su opera prima, Reservoir Dogs, Jose Luis Guarner catalogaba a Quentin Tarantino como el Samuel Beckett del arte pop y es porque los personajes de sus películas tan solo giran en torno a situaciones puntuales y específicas que se alargan y tensan a través de unos diálogos que muchas veces son intrascendentes y alejados de la trama principal. No solemos tener información de los antecedentes y en muchos casos, tampoco sabemos que será de ellos. Con esa definición, es encomiable la construcción de Waltz que a pesar de contar con pocos elementos es capaz de construir un personaje magnético y embriagador, divertido y despiadado. En definitiva, el corazón de la película.

Y como decía, en esa revisitación genérica, Tarantino no se queda ahí e incluso se pueden intuir resonancias del mejor Spaghetti Western setentero tanto en los arquetipos usados en algunos personajes como en el ejercicio estilístico. En definitiva una amalgama que conforma un juego de espejos formal y en el que se revisa de manera crítica toda una forma de hacer cine, pero, eso si, desde el sentido del humor y el no tomarse a si mismo en serio en ningún momento. Algo que se agradece cuando arrecia el cine sesudo y críptico y que se aprecia en escenas tan maravillosas como el juego en la taberna o el impagable rato en el que Brad Pitt intenta con todas sus fuerzas hablar italiano. Esperaremos impacientes cual es la próxima apuesta de Tarantino.

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Inglorious Basterds (2.009)

Guión y Dirección: Quentin Tarantino

Fotografía: Robert Richardson

Montaje: Sally Menke

Diseño de producción: David Wasco

Interpretes: Brad Pitt, Shosanna Dreyfus, Cristoph Waltz, Eli Roth

Shout Out Louds - Our Ill Wills

2010-03-30T13:30:00.000+02:00

Está claro que hay músicas que se adaptan a distintos estados de ánimo. Las hay que son perfectas para un momento romántico, otras lo son para un momento triste o depresivo. sin embargo hay otro tipo de canciones que tienen un efecto absoluta y completamente revitalizador.

Las canciones del álbum Our Ill Wills de Shout Out Louds forman parte de este último grupo. No se que pócima especial contiene cada uno de sus temas, pero el resultado final es un chorro de optimismo absoluto.

Shout Out Louds, como buena banda sueca que se precie, tiene sus dos máximas señas de identidad. Estas son, por un lado, un culto absoluto al pop que hace que cada canción sea una perfecta gema pop y, por otro, ese tono melancólico que suele rodear a las bandas que vienen del frío norte. Al primer punto ayuda la producción de Björn Yttling (de Peter Bjorn and John) que destila, sencillez abrumadora y delicadeza maravillosa a partes iguales. Cada canción suena pura y hermosa, las gitarras suenan limpias y la languida voz de Adam Olenius, su cantante, suena de maravilla en un lugar que esta situado entre Robert Smith (The Cure) y Greg Gilbert (Delays). Y precisamente la banda de Robert Smith es el gran referente de este álbum. Al igual que en los grandes albumes de The Cure, Shout Out Louds consiguen un perfecto equilibrio entre el optimismo y la melancolía.

Y este mágico equilibrio es perceptible desde el comienzo del álbum, partiendo de la maravillosa y luminosa abertura de "Tonight I have to leave it" (tenéis el video más abajo) pasamos sin solución de continuidad a la melancólica añoranza de "Parents Living Room". Y a partir de ese estupendo díptico, que supone toda una declaración de intenciones, se desgranan el resto de canciones del disco que nos llenan de referentes, desde The Cure en "You are dreaming" hasta Vampire Weekend ("Suit Yourself" o "Blue Headlights").

Y entre medias, simplemente, estupendas canciones como "Normandie", "Time left for love" (ambas podeis oirlas arriba) o "Impossible" que componen un disco rotundo y delicioso.

Tetro

2010-03-21T21:00:00.001+01:00

Desde que en 1997 realizara Légitima Defensa, protagonizada por Matt Damon, Francis Ford Coppola inició un camino hacia el cine independiente. Este giro, quien sabe si será sin retorno, que, curiosamente, es contrario al habitual le ha llevado a poder realizar tan solo dos películas nuevas en los últimos 12 años.

La principal característica que define este giro al cine de bajo presupuesto es que, al ver las nuevas películas de Coppola uno siente la libertad con que están hechas. Esa libertad ha hecho que se inaugure una nueva fase en la filmografía del director. En sus últimas dos películas (youth without youth y este Tetro) hay un cierto viaje hacia la abstracción en los conflictos de las tramas y sobre todo una gran depuración formal, dejando atrás épocas muy marcadas por el virtuosismo técnico. Ahora se abre paso un estilo mucho más austero, aunque eso nunca sea sinónimo de descuidado, ya que la estilización es absoluta.

La abstracción temática le lleva a girar en torno a sus grandes obsesiones. Si YWY giraba en torno al tiempo, tema que recorre toda su filmografía, Tetro gira en torno a su otro gran pilar temático, que es la Familia.

En este caso, el director nos propone un viaje a los entresijos de una familia acaparada y centrifugada en torno a la personalidad de un padre genial y la vez castrador a cuya sombra no pueden más que mal vivir sus hijos, incapaces de cumplir las expectativas generadas. Lo que ocurre es que aquí los conflictos están desarrollados de una manera mucho más indirecta que como podía ocurrir en la trilogía mafiosa de El Padrino. La trama gira en torno de un muy poético libro escrito en clave por el protagonista y descifrado por su hermano menos. Éste nos va introduciendo a los conflictos de la película. Este recurso narrativo llena la película de resonancias a otra obra coppoliana, Rebeldes con la que comparte cierto sentimiento de nostalgia generalizado. En ellos podemos ver la evolución de los personajes y él porque de sus actos, eso si, siempre de una manera indirecta.

Los actores por ello parece que se pasan la mayoría del tiempo más con la cabeza en el pasado que en le futuro. Solo al final, a través de un desenlace regenerador es cuando parece que mirar al futuro es posible.

Desde el punto de vista estilístico, como decía, Coppola se vuelve más básico, menos barroco y, tal vez por ello, parece como querer echar la mirada hacia atrás buscando esta vez referentes distintos a los de otras de sus películas. Al margen del obvio homenaje a Michael Powell también hay desde el punto de vista visual otros referentes que nos pueden, incluso, conducir hasta Dreyer en al escena del funeral que tiene resonancias al de Ordet.

Es una incognita saber hacia donde va a conducir esta nueva fase de auto-producción de Coppola, pero lo que es seguro es que en cada nuevo film que rueda es imposible no encontrar mil y una muestras del enorme talento y sabiduría que atesora.

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Tetro (2.009)

Guión y Dirección: Francis Ford Coppola

Fotografía: Mihai Malaimare Jr.

Montaje: Walter Murch

Música:Osvaldo Golijov

Interpretes: Vincent Gallo, Maribel Verdú, Alden Ehrenreich, Carmen Maura

El Viento

2010-02-28T15:10:00.000+01:00

Cuando uno empieza a ver bastante cine mudo se da cuenta de que no puede analizarse como un todo. Hay dos grandes tipos dentro de él. Por un lado, se encuentra lo que podríamos denominar cine primitivo. Este cine es el originario, el que se hizo en los primeros años, el de la barraca de feria, el de los trucos de magia, el de los sainetes teatrales filmados. En ese cine primario el lenguaje cinematográfico es simple y no pasan de ser obras teatrales filmadas. Después tenemos el que podríamos llamar Cine Antiguo. Éste ya cuenta con un lenguaje propio que va evolucionando hacia tramas más complejas y narraciones más elaboradas.

Un punto difícil es poder determinar donde se encuentra la frontera que separa uno de otro. Desde el punto de vista técnico, hay varias películas que marcan esa frontera y varios directores que la demarcaron. Desde Griffith hasta Einsenstein. Sin embargo, desde el punto de vista dramático, no está tan claro. La mayoría del cine mudo peca de unas tramas demasiado inocentes y de unos personajes extremadamente simples (incluso en las películas de los directores anteriormente citados).

Una vez vista El Viento, la primera conclusión clara que se puede extraer de ella es que, ésta se encuentra al otro lado de esa frontera.

Victor Sjöström plantea en El Viento un conflicto psicológico de una complejidad inusitada para su época. De la mano de una estupenda interpretación de Lillian Gish que rebosa modernidad (ni un rastro de excesivo histrionismo y sobre actuación) el director monta una trama en la que se puede observar el proceso de autodestrucción al que la protagonista se enfrenta.

Y para ello no solo se utilizan diversos recursos de cámara que intentan situarnos dentro de la mente de la protagonista, como el vaivén, el desenfoque de las imágenes, etc. sino que podemos observarlo escena a escena en la cara de la Gish.

Otro punto altamente interesante es la introducción de la influencia de los elementos naturales (el viento al que hace referencia el título) en el propio estado de ánimo de los personajes. Esto da una dimensión y una corporeidad mucho mayor al conflicto.

Por todo ello, en El Viento nos enfrentamos a una película ya 100% moderna y en la que se ponen en juego todos los recursos estilísticos y técnicos que se habían desarrollado en los veinte años anteriores. No solo esta película constituye el culmen de la carrera de uno de los grandes del cine mudo (Sjörtröm) si no que además, supone un hito culminante en la, por entonces, titubeante historia del cine. Una película de obligada visión para entender de que era capaz el cine en los albores de la llegada del cine sonoro.

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The Wind (1.928)

Dirección: Victor Sjöström

Guión: Frances Marion basado en la novela de Dorothy Scarborough

Fotografía: John Arnold

Montaje: Conrad A. Nervig

Música:William Axt

Interpretes: Lillian Gish, Lars Hanson, Montagu Love, Dorothy Cumming

S21, La maquina roja de matar

2010-02-07T20:09:00.000+01:00

No soy muy dado a los documentales y por esta razón creo que es la primera vez que hablo de un documental en uno de mis post. Pues bien, creo que no hay mejor película para inaugurarlo que esta S21.

S21 es el nombre que recibía la principal prisión, centro de tortura y ejecución del régimen Jemer Rojo en la Camboya de los años 1975 al 79. Y precisamente de este edificio es de lo que trata este áspero y duro documental. En él, su director, el camboyano Rithy Panh, realiza una especie de exorcismo personal y nacional (aún hoy éste sigue siendo un tema tabú en Camboya) y trata de ponernos cara a cara con la barbarie, pero al contrario que cualquier documentalista efectista (se me ocurre un Michael Moore, por ejemplo), lo hace sin mostrarnosla en ningún momento.

Tan solo en los dos primeros minutos de la película podemos observar algunas imágenes propagandísticas de archivo que sirven para situarnos históricamente. Después, ya solo nos enfrentará a la realidad de S21 hoy.

Y para ello, Panh nos hace deambular por los pasillos y salas vacíos y gélidos de aquel edificio en el que ya no queda ningún rastro de lo que fue, excepto por las centenares de fotos que envuelven sus paredes. Las fotos de las personas cuyas últimas paredes fueron aquellas.

Y para acompañarnos por ese itinerario, Panh, en un gesto de una audacia descomunal elige por un lado a dos de las pocas decenas de supervivientes de aquel infierno y por otro a algunos de los carceleros que encarcelaron, torturaron y ejecutaron al resto de los compañeros de los primeros.

El director entonces, decide quedarse en un discreto y neutro segundo plano y permite que sean las víctimas, desde sus testimonios los que directamente "entrevisten" a sus verdugos.

Ese enfrentamiento es épico. Frente a la fortaleza moral de la víctima observamos como sus verdugos se deshacen, no son capaces de alzar la mirada y solo pueden argumentar que eran meros "soldados" siguiendo órdenes y que son tan víctimas como los primeros. La recitación de consignas del "partido" por parte de estos últimos, aún 30 años después resultan escalofriantes.

Este proceso lo realiza Panh en dos fases, primero, haciendo que las víctimas describan su calvario apoyados en fotos (terribles) de la época, con la atenta mirada y sepulcral silencio de sus carceleros.

Para a continuación, "obligar" a los propios carceleros a escenificar como eran sus rutinas y sus acciones en la prisión. El carácter fantasmal de sus acciones es desolador cuando observamos a estos carceleros pasear por las hoy vacías salas cuyas paredes fueron testigos de la tragedia.

Y lo que más engrandece la película es que no se erige en juicio sumarísimo, porque aunque parezca mentira, los verdugos también tienen madre, familia e hijos, como el propio cineasta se esfuerza en retratar.

En definitiva, nos encontramos ante una película absolutamente necesaria. Seca, dura, intensa, pero necesaria para que podamos empezar a entender mínimamente la tragedia que allí se produjo. Necesaria para que el olvido no se apodere de ello. Y sobre todo valiente. Primero por poner la cámara a la altura de los ojos tanto de victimas como de verdugos y segundo por dar voz a una tragedia oculta, incluso en su propio país, en el que, en el año de su realización (2003) ni siquiera se habían juzgado a los directores del genocidio (el juicio se produjo en 2008). Su visionado es simplemente indispensable.

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S21, la machine de mort Khmère Rouge (2.003)

Guión y Dirección: Rithy Panh

Fotografía: Prum Mesa y Rithy Panh

Montaje: Isabelle Roudy y Marie Christine Rougerie

Música: Marc Marder

Intervienen: Khieu "Poev" Ches, Yeay Cheu, Nhiem Ein, Houy Him

Luz Silenciosa

2010-01-24T17:53:00.000+01:00

Si hay algo que no se le puede echar en cara es que no arriesgue. Si hay algo que le define es que siempre va al limite. De estos dos condimentos, lo único que puede salir es, ni más ni menos, lo que Carlos Reygadas es, un provocador profesional.

Esa provocación tiene dos vertientes. Una es la formal que le lleva a realizar sus películas con una muy depurada guía de estilo en la que predominan el ritmo pausado y una planificación estática que solo se ve rota de cuando en cuando por morosas y largas panorámicas. Si a esto le unimos la utilización sistemática de actores no profesionales con muy poca carga expresiva (al estilo de Bresson) nos dará como resultado unas películas de aspecto árido y ascético. La segunda vertiente, la temática le hace tocar temas muy primarios. Básicamente, el deseo, la sexualidad, el amor o el odio.

Todo ello le ha hecho producir una carrera muy desigual (aunque aún corta hasta la fecha). Como juega al límite, a veces te puede parecer hipnótico y otras simplemente ponerte de los nervios. Dentro de este segundo grupo podríamos meter "Batalla en el Cielo", su anterior trabajo, que se movía desde la provocación más burda y gratuita (la película muestra dos felaciones) a la pretenciosidad pseudo-filosófica más vacía.

Afortunadamente, Luz Silenciosa se encuentra en el primer grupo.

Y es que detrás de Luz Silenciosa se esconde un reto de dimensiones gigantescas. Ni más ni menos que realizar una revisión de Ordet (La Palabra), probablemente la obra cumbre de C. T. Dreyer y también probablemente la obra cumbre del séptimo arte en global.

Si hay algo que sea valorable en esta apuesta es que Reygadas afronta el reto desde la fidelidad a si mismo. Para ello, traslada la acción desde la Dinamarca de principios del XX a una comunidad menonita genuina en pleno México actual. Siguiendo su guía de estilo, la película es protagonizada por miembros auténticos de la comunidad hablando en su idioma materno (alemán) y con un desapego tal a las palabras (pocas) que pronuncian que le da un toque gélido a la narración. Además, la película cuenta con una planificación minuciosa que a la vez es fiel al estilo de Reygadas y deudora de la maestría de Dreyer. De esta manera el resultado es una película gélidamente intensa, con una belleza muy dificil de superar y que desde la contemplación de situaciones a priori cotidianas nos logra reflejar el día a día de esta comunidad y el conflicto interior de su protagonista con algunos momentos memorables como la escena bajo la lluvia.

Desde el punto de vista de la narración, el otro gran acierto del film es la traslación del conflicto. Mientras que en Ordet el amor era incontestable y el verdadero conflicto es de Fe, en esta nueva revisión el conflicto es justo el contrario. La Fe se da por descontada dentro de la rutina diaria, lo que realmente genera el conflicto y finalmente el milagro es el amor. Además, todo dentro de una contención que se adapta perfectamente al entorno y que, proviniendo de Reygadas se convierte en doblemente valorable.

En definitiva, una película que desde luego no es apta para todos los paladares y que requiere de una paciencia y concentración por encima de la media. Sin embargo, si se le logra dar la oportunidad consigue momentos de una belleza e intensidad fuera de lo común. Una película hermosa.

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Stellet Licht (2.007)

Guión y Dirección: Carlos Reygadas

Fotografía: Alexis Zabe

Montaje: Natalia López

Dirección artística: Nohemi Gonzalez

Interpretes: Cornelio Wall, Maria Pankratz, Miriam Toews, Peter Wall

El curioso caso de Benjamin Button

2010-01-04T13:00:00.001+01:00

Desde su aparición fulgurante en Seven (su primera película fue Alien 3, que se puede considerar como fallida), David Fincher se encuentra en ese grupo de directores "jóvenes" (ya no tan jovenes) americanos a los que merece la pena seguir (como P.T. Anderson o Cristopher Nolan). Su carrera ha ido evolucionando desde unos comienzos en los que la estética era lo más deslumbrante hacia películas mucho más ambiciosas y complejas tanto temática como formalmente. Este camino se ha completado sobre todo en sus dos últimos films, Zodiac y este Curioso caso de Benjamin Button.

Creo que a la hora de analizar ésta última, es interesante ponerla en relación con su anterior film ya que creo que completan un díptico lleno de resonancias e interrelaciones.

La historia de Button, a primera vista puede parecer una de esas películas "Bigger than life" a los que tan aficionado nos tiene Hollywood. El hecho de compartir guionista con Forrest Gump, tampoco ayuda mucho. Sin embargo, y en palabras del propio Fincher, mientras que aquellas suelen contar eventos extraordinarios protagonizados por personas vulgares, en la historia de Benjamin Button, lo que nos encontramos es a una persona extraordinaria realizando eventos cotidianos. Ese es probablemente el primer giro interesante. Desde luego, el que espere grandes y espectaculares aventuras es posible que se sienta defraudado. Aquí lo que vivimos es el despertar a la vida de una persona y no aventuras épicas.

El principal punto de conexión entre esta película y el anterior trabajo de Fincher (Zodiac) es la obsesión por el tiempo. Este tema llena ambas películas. En ambos casos se narran historias desarrolladas a lo largo de muchos años. Ese paso del tiempo y como influye éste a los protagonistas es la idea central de ambas películas. Sin embargo, la gran diferencia entre ambas es como afrontas sus personajes dicho tema.

Mientras que en Zodiac observábamos a un personaje atrapado en el pasado, incapaz de pasar página y obsesionado para siempre en lo que pasó y le pasó, Benjamin Button es un personaje abocado al presente. Porqué en la historia de su vida y en la historia de su amor, el éxito solo puede verse cumplido en un instante fugaz, cuando el y su amada se cruzan en su envejecimiento/rejuvenecimiento simétrico. Eso empuja al personaje a comerse el presente, a vivirlo intensamente y eso es precisamente, lo que convierte en mágica su historia de amor. Es como observar un cometa o una estrella fugaz. Sabes que es efimera, que es imposible atrapar su luz, pero eso no evita observar su belleza.

En ese contexto, las simetrías entre ambos films, los enriquecen. Sobre todo, porque en ambos casos, les lleva al fracaso amoroso. Uno, por no saber mirar hacia delante y otro, por llevar su obsesión por el presente hasta el punto de no dejarle avanzar.

Y alrededor de ese momento fugaz, leitmotiv de la historia, nos queda solo el aprendizaje del antes sobre el poder del "ahora" y la confusión del después en el que se siente abrumado por su propia naturaleza.

En definitiva, una película que introduce una reflexión muy hermosa sobre el amor y que técnicamente es sobresaliente, sin estridencias y con una sobriedad muy madura. Parece claro que definitivamente, David Fincher se ha hecho mayor.

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The curious case of Benjamin Button (2.008)

Dirección: David Fincher

Guión: Eric Roth

Fotografía: Claudio Miranda

Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall

Música: Alexandre Desplat

Interpretes: Brad Pitt, Cate Banchett, Julia Ormond, Faune A. Chambers

L.A. - Heavenly Hell

2009-12-26T18:13:00.002+01:00

Si en la primera mitad del 2009, Love of Lesbian y Havalina se disputaban el título de "Mejor disco español del año", en esta segunda mitad del año, L.A. y su Heavenly Hell ha brillado con luz propia.

Detras de L.A. se encuentra un proyecto liderado por Luis Albert Segura que, tras autoproducirse sus primeros tres álbums, ha conseguido un contrato con una grande (Universal) para lanzar por todo lo alto lo que supone su debut ante el gran público (entre los que me incluyo).

La palabra que mejor podría definir Heavenly Hell es "luminoso". Este álbum emite luz a raudales desde su fulgurante comienzo, con la pegadiza y expansiva Crystal Clear una pequeña gran gema de pop.

Y a partir de ahí se despliega a través de otras diez maravillas pop con claros referentes británicos, desde los Beatles a Travis, pasando por Oasis. Canciones más marchosas (la funky "Evening Love" o la más rockera "Heavenly Hell"), otras más amables como "Perfect Combination" o "Close to you". Si bien, donde mejor se faja el álbum es en los temas más intimos y melancólicos. Ahí es donde el disco rebosa más ambición, con unos arreglos preciosos y con unas melodías que nos pueden recordar al mejor Sting ("Elizabeth") o a los más grandilocuentes y románticos Oasis, con la estupenda "The Sweetest Goodbye" y la imprescindible "Stop the clocks", probablemente el punto más alto de todo el disco.

En definitiva, un disco 100% accesible, directo y sencillo que respira positivismo y buen rollo. Este Heavenly Hell va directo al podium de lo mejor que se ha hecho en España en este 2009 que se acaba. Imprescindible para alegrarse una tarde gris.

Para el final os dejo el divertido video de su primer single, la estupenda "Hands"

Los Abrazos Rotos

2009-12-20T20:35:00.000+01:00

Son pocas las películas de Pedro Almodóvar que realmente me llenen. Las hay graciosas, otras trascendentes o incluso algunas aburridas, pero realmente casi siempre me dejan una sensación agridulce. Realmente solo dos me habían parecido realmente redondas (La Flor de mi secreto y, sobre todo, Hable con ella). Pues bien, probablemente Los abrazos Rotos pueda ser la tercera.

El primer elemento curioso en esto es que Almodóvar me parece muchísimo más interesante cuando hace lo que no suele, esto es, hablar de hombres.

Una de las cosas que menos me gustan del director manchego es su "folclorismo" excéntrico que, por algún designio, cuando la historia pasa a ser contada desde la perspectiva de un hombre, desaparece. Celebremos, pues, que Los Abrazos Rotos esta contada desde la perspectiva de un director de cine que, obviamente, todos imaginamos el alter ego del director real.

Otro punto importante es que Los Abrazos Rotos, como casi todas las grandes películas de Almodóvar es una película sobre la obsesión de un hombre por una mujer. Si bien en este caso, la obsesión se multiplica por dos (Lluis Homar y José Luis Gómez).

El segundo elemento curioso y destacable es que parece haber encontrado el director el objeto de deseo a su medida, Penélope Cruz. En ninguna otra película esta tan bien como en las del manchego. En ninguna otra película está más radiante y hermosa que en Los Abrazos Rotos. Penélope borda un difícil personaje (por las imprecisiones del guión) y sobre todo, deslumbra por su presencia y belleza. Los últimos minutos de la película, como protagonista de "Chicas y maletas" consiguen resucitar de entre los muertos a la mismísima Audrey Hepburn. Simplemente, está deslumbrante.

Menos creíble tal vez es el triángulo amoroso que forma con Homar y Gómez. A pesar del enorme talento y esfuerzo de ambos, realmente falta una química que podría haber lanzado la película hasta el infinito. En todo caso, esa pequeña cojera se compensa con un, como siempre, deslumbrante y brillante reparto (impecables Blanca Portillo o Lola Dueñas por ejemplo). Es lo que tiene llamarse Pedro Almodovar, que todos y todas quieren trabajar contigo.

Con todo ello queda una misteriosa y magnética película que consigue algunos momentos de una gran cinefilia y una extrema belleza. A destacar Las resonancias con la escena en Pompeya de la Bergman en la maravillosa "Te querré siempre" (y que el propio Almodóvar se ha molestado en enseñarnos minutos antes) con el poético y hermoso plano de Homar acariciando la pantalla de una televisión que le enfrenta a una imagen congelada del pasado. En él se resume la película, en el se resume, la obsesión, el deseo y el dolor que encierra.

En definitiva, probablemente la mejor película de Almodóvar junto a Hable con ella. Con todas sus virtudes, la potencia visual, el retrato de la pasión y el deseo, la brillante dirección de actores. Y todos sus defectos, como cierto esteticismo "arty" o cierta blandura en las historias periféricas.

En todo caso, Pedro sigue estando a años luz de la media del cine español, te guste o no. Por riesgo, por poderío visual y sobre todo, porque, como los grandes directores, tiene un universo própio e instransferible que es reconocible en cada plano de sus películas. Así que, si hay que ver una película española, Los Abrazos Rotos no es una mala opción.

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Los Abrazos Rotos (2.009)
Guión y Dirección: Pedro Almodovar

Fotografía: Rodrigo Prieto

Montaje: José Salcedo

Música: Alberto Iglesias

Interpretes: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez

The Presets, Midnight Juggernauts y Simian Mobile Disco

2009-11-21T21:14:00.001+01:00

Dentro de la música de baile, el "Electro" se encuentra a medio camino entre la elegancia del "House" y la contundencia del "Techno". Si a eso le unimos cierto toque "revival" de los sonidos y arreglos que recuerda a la música de los ochenta, pues todo ello la convierte en mi música favorita para bailar (a escondidas siempre ;)). Así que hoy toca una de electro.

Y lo hace con tres de las bandas que más ganas de bailar me dan en los últimos tiempos. Cada uno desde una perspectiva distinta que les hacen abordar su propia visión personal de la música de baile y que también permite dar una panorámica amplia de lo que puede ofrecer el universo de la electrónica.

Desde Australia, The Presets y su estupendo álbum "Apocalypso" nos ofrecen su visión más festiva y accesible. Este álbum ofrece una colección perfecta de temas pop. Sus influencias son variadas y se pueden detectar resonancias desde Joy Division (Eucalyptus) o Daft Punk (Talk like that) hasta Orbital (la magnifica Aenons). Las canciones oscilan entre el pop más facilón hasta canciones más desnudas y pensadas para romper las pistas de baile con auténticos temazos como Kicking and Screaming y la indispensable This boys in love que teneis ahí abajo.

También desde Australia llegan Midnight Juggernauts con su, hasta la fecha, único disco Dystropia. En el caso de los Juggernauts, ellos llegan al electro desde el rock. Sus influencias en este caso se puede rastrear en Manchester en grupos como New Order y Primal Scream. Por ello, su música esta plagada de psicodelia, guitarras y sus melodías están más cerca del pop que de las pistas de baile con incluso alguna balada (Dystropia). Si bien sus momentos culminantes llegan cuando se dejan llevar y nos invitan a mover el cuerpo como en estupendas canciones como Into the Galaxy, Tombstone (donde también se nota el influjo de Daft Punk, uno de los grandes referentes de la música de baile actual), Nine Lives y la irresistible Road to Recovery.

Para el final, los más duros del lugar y también los únicos no australianos de la terna. Simian Mobile Disco es un dueto inglés que en dos años y con su álbum de debut "Attack Decay Sustain Release" (hace unos meses que editaron el segundo) han conseguido hacerse un hueco destacado en la escena musical mundial, donde realizan remezclas a artistas tan relevantes como Bjork, Muse o Air. Su música en muchos momentos esta más cercana al techno y siempre esta recubierta por una película de contundencia y crudeza pero sin abandonar los matices del electro.

Todo comenzó con el tema Hustler, que no solo arrasó en las pistas, si no que escandalizó con su video de contenido lésbico. Después llegaría su consagración con auténticos "llenapistas" como It's the Beat y Sleep Deprivation.

Abajo os dejo la primera muestra de su segundo álbum.

Gran Torino

2009-11-09T19:23:00.000+01:00

Es sorprendente como ahora que Clint Eastwood esta rondando los ochenta años se encuentre en, probablemente, su periodo más prolífico como director con once películas en los últimos once años. Este periodo comenzó tras el punto y aparte que supuso la realización de "Los Puentes de Madison" (1995) con la que culminaba probablemente la trilogía que ha marcado su carrera y que se encuentra entre las grandes obras cinematográficas de la última década del siglo XX (junto con "Un Mundo Perfecto" y la imprescindible obra maestra "Sin Perdón").

Tras esas tres películas, de una hondura tremenda, Eastwood se embarco en una vorágine que le ha llevado a dirigir prácticamente una (o incluso dos) películas por año. Eso ha provocado que la calidad media de su cine haya bajado ya que ha enlazado desde películas más o menos rutinarias y convencionales (Ejecución Inminente, Poder Absoluto o El Intercambio) a otras mucho más graves y considerables (Mystic River o Cartas desde Iwo Jima). Eso si, en todo caso, siempre con un sello de calidad mínima garantizada made in Eastwood.

Pues bien, Gran Torino podría considerarse dentro de las del segundo grupo. Realmente, frente a lo que podría parecernos una película "simpática" y tópica de un viejo cascarrabias y de su relación con un adolescente al que le enseña "lo que es la vida", lo que nos encontramos es una película con resonancias y reflexiones que van mucho más allá.

Esas resonancias parten del personaje que se ha reservado para sí mismo Eastwood, Walt Kowalski. Cuando uno observa a este viudo que está de vuelta de todo y que se ha dejado invadir por la apatía y el rencor es inevitable y obvio pensar en toda la galería de "tipos duros" que el propio Eastwood se ha encargado de interpretar en los últimos 40 años. Uraños, antipaticos, poco religiosos, de pocas palabras, hombres meramente de acción. Y uno acaba pensando en como todos esos personajes, desde Harry Callahan (Harry el Sucio) a Bill Munny (Sin Perdón) pasando por el Sargento Highway (El Sargento de Hierro) se ven reflejados de alguna manera en la decrepitud de Kowalski. En el fondo la película trata de ver que ocurriría con todos ellos en una sociedad actual que ya no es la suya y en la que se ven reducidos a ser unos simples inadaptados que no entienden lo que les pasa a su alrededor y en donde, sus viejos métodos, simplemente ya no sirven. No en vano, Eastwood director se encarga de retratar al Eastwood interprete en diversos pasajes de la película desde lo alto mostrándonos a un personaje no ya solo envejecido, si no empequeñecido ante lo que le sucede.

Pero como, a pesar de todo, no deja de ser la sombra de esos héroes, es inevitable que exista la vía de la redención para él. Y en este caso se produce a través del recurso clásico del pupilo que aquí se encarna en un joven adolescente coreano que vive casi tan inadaptado como él en la casa de al lado. Pero, eso si, con un giro de tuerca que hace que ese proceso de aprendizaje sea bidireccional. Porque tanto va a aprender uno como él otro de esa relación que se establece.

Y la gran enseñanza que Kowalski aprende es que, sus maneras ya no sirven. Ahora hace falta algo más para sobrevivir y "hacer justicia". Y por ello se hace necesario un desenlace en el que el personaje de Eastwood se esfuerza en conseguir que la historia no se repita. Como si hubiera entendido que la mejor lección que le puede dar a su pupilo es, simplemente, que no sea como él ha sido. Porqué en esta sociedad globalizada en la que vivimos, la intransigencia y los "viejos valores" ya no sirven y solo se curan con grandes dosis de tolerancia.

En definitiva, una película crepuscular en la que Eastwood parece escribir su testamento fílmico y en donde, más que en ninguna otra, su aparente inexpresividad cobra más significado y sentimiento y cuyo emocionante final se culmina con una no menos emocionante canción cuyos primeros versos se encarga de cantar el propio director con su voz rota.

Viejas nostalgias encerradas en una nueva esperanza.

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Gran Torino (2.008)
Dirección: Clint Eastwood

Guión: Nick Schenk

Fotografía: Tom Stern

Montaje: Joel Cox y Gary Roach

Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens

Interpretes: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her

El Secreto de Sus Ojos

2009-11-01T13:31:00.000+01:00

Resulta curioso que, precisamente, cuando hace apenas unas semanas hablaba por aquí sobre las cenizas de aquel boom del cine argentino en España vaya a comentar una película del director que fuera punta de lanza de aquello (obra suya eran El Hijo de la Novia y El Mismo amor, La Misma Lluvia), Juan José Campanella. Así, a modo de pequeña retractación, resulta que existe vida después de aquello.

Y es que El Secreto de Sus Ojos, la última de Campanella, es una película muy buena. Cuando uno se enfrenta a hablar de una película tan llena de virtudes (y algún que otro defecto) como El Secreto de sus Ojos no resulta fácil hacerlo.

Se podría hacer referencia a un solido guión que mezcla de una manera muy eficaz la intriga de un thriller policíaco con una bonita historia de amor imposible. También se podría hablar de la increible brillantez técnica que el director impregna en toda la película. Con un domimio extraordinario del ritmo y del fuera de campo. Esa brillantez tiene su culmen en la escena del Estadio que está a la altura de los más grandes del plano secuencia y la virguería técnica en general (Scorsese o De Palma por ejemplo). Podríamos referir la bien administradas que están las pildoras de humor (con un Francella enorme). En fin, todo eso podríamos decir y sin embargo nos olvidaríamos de lo más importante. Y es que lo que hace especial a El Secreto de Sus Ojos es la emoción. Y es que simplemente, esta peli, emociona.
Y es que es muy dificil no emocionarse antes las dos historias de amor imposible a las que asistimos. En primer lugar, porqué están increiblemente bien interpretadas en todos sus vértices y luego porque están apoyadas en la deslumbrante química que destila la pareja encarnada por Ricardo Darín y Soledad Villamil.

Y es que cuando los ves a los dos juntos en pantalla, simplemente... funciona. Realmente asistimos a una historia mil veces vista, pero da igual, porque cuando Soledad Villamil mira a Darín en pantalla, todo se desvanece y nada más importa.
Y también es muy bonito el juego de resonancias que la película crea entre Darín y el personaje interpretado por Pablo Rago (Morales). Como uno a otro se retroalimentan en sus obsesiones y en su lucha por lo imposible, como ambos parecen resignarse, como la persistencia de uno hace persistir al otro y como el "triunfo" de uno reactiva la necesidad de conquista del otro. En ese juego de espejos se cimenta lo más jugoso de la pelicula.

Y como de química en esta película andan sobrados, pues también la destila a raudales Darin con su otro partener en su extraño triangulo "amoroso", Guillermo Francella. La comicidad de sus momentos juntos sirven para compensar la enorme tensión de otros, dotando a la película de un control y de un equilibrio interno portentoso. Te intriga, te interesa, te divierte y te fascina a partes iguales.
Realmente el secreto de la película es que se trata de una pelicula que habla de perdedores. Pero de perdedores en derrotas en las que todos hemos caido, quizás por eso es por lo que llega tan hondo. Una pena que a Campanella al final le diera miedo llevar esta derrota hasta el final (lo cual hubiera dotado de una poética adicional muy notable a la película) y al final se enrede en un final impostado que permita a todos irnos tranquilos y contentos a casa.
Pero que este pecado final no sirva para oscurecer una gran película.

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El secreto de sus ojos (2.009)
Dirección: Juan José Campanella
Guión: Eduardo Sacheri y Juan José Campanella

Fotografía: Felix Monti

Montaje: Juan José Campanella

Música: Federico Jusid y Emilio Kauderer

Interpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago

Keane

2009-10-25T17:33:00.000+01:00

El Festival de Sundance es un festival que creó hace ya casi treinta años Robert Redford y que se celebra cada año en una pequeña población al norte del país en Utah. se trata de un festival atípico porque el objetivo es recoger una muestra del denominado "cine independiente" (es decir, fuera de la maquinaria industrial de Hollywood y que es conocido como "indie") que se realiza en aquel país. Si bien con el paso de los años se ha venido acusando al festival de una cierta perdida de frescura en su selección (parece que ahora las películas buscan parecer "indies" más que serlo) es cierto que dicho festival ha sido el descubridor de talentos como Quentin Tarantino, los hermanos Coen o Christopher Nolan. Con el paso de los años se ha empezado a hablar de "películas Sundance", que son aquellas que suelen ser del gusto de la organización del festival.

Pues bien, Keane cumple al pie de la letra todas las características para ser considerada una película "al estilo Sundance". Se trata de una película fuertemente apoyada en un potente y original guión, esta hecha con cuatro duros y un grupo reducido de actores, su puesta en escena es arriesgada y por si fuera poco, esta producida por una vieja gloria Sundance (Steven Soderbergh).

En fin, vayamos por partes. Keane es una película que trata sobre como afecta a un padre la desaparición de su hija. Esta es una premisa que a priori podría producir un thriller policiaco rutinario pero esa dimensión no le interesa en absoluto a Kerrigan. A lo que asistimos es a un análisis psicológico de un personaje. Y este análisis se realiza apoyado casi exclusivamente en el titánico trabajo de Damian Lewis.

La camara se centra en él casi todo el tiempo. Básicamente utilizando solo primeros planos y una cámara muy móvil que le sigue desde la calle hasta el mismo retrete. Realmente, aguantar el tipo tan de cerca tiene mucho merito y Lewis compone un personaje convincente aunque tal vez excesivamente histriónico en algún momento.

Su composición de un padre al borde de la locura que esta obsesionado en buscar a su hija en todas partes es el alma de la película. Lo más interesante del asunto es que es que ese retrato es eso, un retrato y por lo tanto el director no se detiene a darnos detalles de más que son innecesarios para comprender el personaje. No sabemos cuando desapareció su hija (ayer o hace un año) ni como sucedió, ni si su estado perturbado viene de antes o se ha generado por esta situación extrema. Realmente, para entenderlo, para sufrir con él no es en absoluto necesario. Por ello, le acompañamos en su drama y somos testigos, a dos milimetros de su rostro de la enorme carga que pesa sobre él.

Si bien todo esto es ya de por si interesante, lo es aún más cuando aparece en escena la deliciosa Abigail Breslin.

Después de dejarnos boquiabiertos en "Pequeña Miss Sunshine" es una maravilla poder constatar que realmente esta niña es un talento. Seguramente, su dulzura y encanto no llegue a la edad adulta, pero habrá que intentar aprovecharla ahora.

La aparición de la niña es como un halo de esperanza al borde del abismo. Es un detonante que hace que por fin el personaje protagonista afronte los hechos. En ella se resume tanto su salvación como su condena. Y sus dudas y comportamiento con la niña resultan la parte más jugosa de la película. Afortunadamente, además el director ni pretende darnos lecciones ni explicarnos todo así que en ese sentido la película se desarrolla y culmina sin concesiones. Hacia la redención desde la locura. Simplemente, un trocito de verdad en la pantalla.

En resumen, una película distinta, apoyada en un trabajo estupendo de un actor estupendo que nos hace adentrarnos por unos minutos en la atormentada mente de un padre desquiciado. Y esto encima hecho con cuatro duros... puro Sundance.

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Keane (2.004)
Guión y Dirección: Lodge Kerrigan
Fotografía: John Foster

Montaje: Andrew Hafitz

Interpretes: Damian Lewis, Abigail Breslin, Amy Ryan, Christopher Evan Welch

La Soledad

2009-10-18T13:17:00.000+02:00

Casi nunca ocurre, pero a veces pasa. Resulta que los premios Goya del año 2008, en un arranque de enajenación mental colectiva momentánea decidieron dar el premio a la mejor película precisamente a la mejor película española de ese año. Aunque eso ya en sí es una agradable sorpresa, tampoco es que sea algo imposible (Sin Perdón, El Padrino o El Apartamento ganaron el Oscar en su momento), lo que hace más destacarle el hecho es que la película que lo ganara fuera La Soledad, que se trata de un film pequeño, arriesgado, áspero y poco convencional y que a simple vista parece poco apto para este tipo de premios.

Este segundo film de Jaime Rosales se sale de la norma por varias razones. En primer lugar porque se trata de una película más de silencios que de palabras, algo que en el cine español (donde los personajes suelen hablar por los codos) no se estila. En segundo lugar, porque en Rosales se puede descubrir a un experimentador. No se limita a contar la historia sin más sino que busca un poco más allá, rebuscando en los recovecos de la narración. En su búsqueda constante de intentar explotar al 100% los recursos que ofrece la pantalla el gran hallazgo de la película es el denominado "poli-visión" que se trata de que en momentos de la película, y aprovechando al máximo las posibilidades del scope más ancho, la pantalla se divide en dos. De esta manera podemos ver dos planos simultáneamente.

Al margen de la aplicación obvia de poner en paralelo distintas acciones que ocurren en distintos lugares (que utiliza en muy contadas ocasiones), Rosales opta por otra posibilidad, la de ofrecernos varias tomas de la misma escena desde distintos ángulos. Ya sea una escena cotidiana o un dialogo entre dos personajes (en el que se nos ofrece plano y contra plano al mismo tiempo, pero eso si, girados inteligentemente 90 grados, lo cual posiciona emocionalmente al espectador ante la conversación). Este recurso nos da así una realidad poliédrica en lo que pretende ser un esfuerzo de objetividad al no intentar manipular la acción desde un encuadre determinado y nos pretende dar una visión múltiple de la situación.

Por lo demás, nos encontramos antes una película completamente austera. Pocos diálogos, una realización seca con planos fijos sin florituras y unos sucesos que pretenden ser cotidianos hasta que el desencadenante dramático se produce.

En ese sentido, se podría decir que la película nos estalla en la cara ya que te adormece para después golpearte. Pero eso si, siempre desde el naturalismo, apoyado en unas actuaciones muy medidas y contenidas y unos diálogos muy frescos y naturales. Como el propio titulo de la película indica, se trata de una reflexión sobre la soledad de dos mujeres en dos situaciones completamente distintas pero que se sienten igual. Lo que es más paradójico es que ambas se encuentran rodeadas de gente siempre y, sin embargo, algunos planos son demoledores cuando las vemos sentadas en la cama o en un banco del parque. La incomunicación de las grandes ciudades, el egoismo innato del ser humano... todo eso está en cada uno de los hermosos planos de esta película.

La Soledad es una película valiente y arriesgada y Rosales se postula como un director a tener en cuenta en los próximos años por su talento y por su voluntad de riesgo y experimentación. Celebremos que la industria española haya decidido acogerle en su seno (aunque dudo que esa acogida vaya a durar mucho tiempo). Este es el tipo de cineastas que necesita el cine español. ¡Por fín!

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La Soledad (2.007)
Dirección: Jaime Rosales
Guión: Enric Rufas y Jaime Rosales

Fotografía: Oscar Durán

Montaje: Nino Martinez Sosa

Interpretes: Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuría Mencía

El Luchador

2009-10-10T17:35:00.000+02:00

Y a la cuarta película, Darren Aronofsky, resucitó. Ya había dado cuenta en este blog de la anterior película de Aronofsky (La fuente de la Vida), de todas sus virtudes (el lirismo, las aspiraciones de trascendencia, su potencia visual) y todas sus debilidades (la grandilocuencia y la estética en ciertos momentos vacía). Tras tres películas en las que tuvo una acogida crítica de más a menos parecía que Aronofsky estaba en un callejón sin salida. Sus películas se habían convertido cada vez en más complicadas, con estructuras narrativas enrevesadas y con un aspecto visual cada vez más barroco y abigarrado, más excesivo e injustificado. Toda esa evolución culminó con La Fuente de la Vida, hermoso canto a la vida que encierra la frialdad y vacuidad de un tempano de hielo.

La pregunta era obvia. Y después de eso ¿Qué? Era obvio el agotamiento de la formula, que ya ni funcionaba con la crítica más canónica ni con la taquilla. Y sabiamente Aronofsky decidió optar por la mejor opción: reinventarse.

Y a eso es a lo que asistimos en El Luchador, a una reinvención en toda regla. Del Aronofsky de sus anteriores trabajos solo nos queda su facilidad pasmosa por crear momentos líricos de gran belleza.

Y es que El Luchador es la antítesis de sus anteriores películas. Es una película sencilla, con una estética de realismo sucio (que no impide unas imágenes muy estilizadas) y una fotografía quemada que resalta la "fealdad" de los lugares en los que se desarrolla la película.

En esta ocasión y sin que sirva de precedente, la puesta en escena de Aronofsky esta al servicio de la historia y no al revés. Aronofsky decide descender a la altura de los ojos de sus personajes y mirarles de frente. Y además, si el estilo es sencillo es porque la historia lo es. Se trata la historia de un perdedor, de alguien que conoció el éxito y que ahora solo vive en el pasado. Sobre todo porque renunció a todo lo demás por la fama y ahora simplemente, no le queda nada.

Ante nuestros ojos vemos pasar la mediocre y anodina vida de Randy "The Ram" preso de lo que fue, de lo que pudo ser y de lo que ya no es.

Frente a él se presentará la posibilidad de un futuro redentor. La posibilidad de, al final y de una vez por todas, hacer las cosas bien y pasar página. Pero afortunadamente, la historia y el guión se ciñen a la realidad, a la cruda realidad, sin concesiones, sin respiro. Y en esa realidad no hay opción a la redención. Ya es tarde, Randy es un personaje consumido por si mismo. No hay opción para la salvación. Ya no. Es de agradecer ese tono ya que en una historia tan potente como esta hubiera sido muy fácil caer en el melodrama barato (la película bordea de una manera muy elegante ese punto, siendo dramática pero no buscando la lágrima fácil) y en un falso final feliz que nos hiciera a todos irnos a casa con la conciencia tranquila. Pero nada de eso, la película es concisa y cortante. Randy es un muñeco roto y para él ya no hay salida. Solo vive por y para su personaje y ya solo puede hacer lo que la gente espera de él.

Mención a parte merece Mickey Rourke. Uno no tiene claro que fue antes si él o la película. Esta claro que este guión esta escrito para él. Como le ocurre a Randy en la película, Mickey ha encontrado su opción a la redención. Y a esa oportunidad Rourke responde a tumba abierta. En la pelicula se confunden el actor, el mito y el personaje. Se confunden y son uno solo. Pocas veces hemos visto a un actor mostrarse tan vulnerable, tan herido, con las entrañas tan a la vista. Con un ejercicio de minimalismo (probablemente forzado por el botox que magulla toda su cara) que le enaltece y que no impide ofrecer algunos momentos de una pureza dramática absoluta. La lagrima que corre por las mejillas de Randy mientras habla con su hija en un momento de la película es el paradigma de la delicadeza y el compromiso que ha ofrecido Mickey Rourke a esta película que por otra parte es su película, su último combate, su última oportunidad de gritar al mundo que sigue vivo. Y a fe que lo consigue desde el primer minuto hasta el último en una maravillosa escena final en la que le vemos, literalmente, desaparecer volando de la pantalla.

En definitiva, una película muy hermosa, sin concesiones y con un actor en estado de gracia que decide abrirse en canal ante la pantalla. Larga vida al nuevo Aronofsky

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The Wrestler (2.008)
Dirección: Darren Aronofski
Guión: Robert Siegel

Fotografía: Maryse Alberti

Montaje: Andrew Weisblum

Interpretes: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Mark Margolis

La Mujer sin Cabeza (La Mujer Rubia)

2009-09-27T18:30:00.000+02:00

Atrás quedó el "boom" del cine argentino que vivimos hace unos años en España con películas como "Nueve Reinas" o "El hijo de la novia". De aquello, lo único que nos quedó fue el sempiterno Ricardo Darín, que por momentos tuvimos hasta en la sopa. De aquellas cenizas (que realmente distaban mucho de reflejar una realidad industrial o artística potente) ha surgido lo que se ha dado en llamar un "nuevo cine argentino" que anda encabezado por Lisandro Alonso y por Lucrecia Martel. Ambos han coseguido convertirse en asiduos de festivales de postín y en el caso de la segunda (cuya última película ocupa el presente post) incluso ha conseguido la repercusión suficiente como para que ésta, su última película, cuente con el apoyo en la producción de, ni más ni menos, Agustín y Pedro Almodovar. La Mujer sin Cabeza (o La Mujer Rubia como, por algún misterio, se estrenó en las salas españolas) es la tercera película en la filmografía de Martel y mi primer contacto con ella (como asignaturas pendientes me quedan La Ciénaga y La Niña Santa).

Lo primero que hay que decir es que nos encontramos ante una película osada, tanto narrativa como formalmente. En primer lugar, porque la película nos cuenta una historia que apenas lo es. Se centra en un suceso pasajero, una situación de enajenación que lleva a la protagonista a vivir unos días de confusión y aturdimiento. Todo comienza (y voy a hacer grandes esfuerzos por no desvelar nada fundamental de la trama) con un suceso fortuito, casi cotidiano, un pequeño accidente de coche y la "huida" posterior de la protagonista.

En esa primera parte de la película podemos vivir esa confusión, esa incertidumbre. La cámara hace un uso magistral del scope y se dedica a seguir a la protagonista (una muy convincente María Onetto) en primerísimos primeros planos, dejando siempre el fondo desenfocado. Esto potencia mucho la sensación de irrealidad. No sabemos donde estamos, ni que ocurre exactamente. Esta situación formal que coincide con el estado anímico de la protagonista dura casi un día y medio. Durante ese tiempo el resto de personajes son voces sin cara que simplemente pasan de largo por la protagonista. Realmente, durante todo ese periodo el clima y la ambientación es casi asfixiante, como parte de una pesadilla kafkiana.

Cuando, al fin, la protagonista consigue pensar con claridad es cuando empiezan a aparecer el resto de personajes sus caras, sus voces claras y cuando la historia se vuelve mucho más dura en sus enunciados.

Por que si la pasividad hacia los sucesos ocurridos antes podían achacarse al aturdimiento, cuando la protagonista puede pensar con claridad e interactúa con su entorno, esa pasividad aún se hace más evidente y alarmante. De hecho, ese aturdimiento formal y moral va haciéndose cada vez más imperceptible hasta que... simplemente, desaparece en unas últimas escenas absolutamente cotidianas y anodinas formalmente.

Realmente nos encontramos ante una película excepcional no ya solo por lo que cuenta si no porque la forma de contarlo es absolutamente audaz. La simbiosis entre la forma de la película y el estado de la protagonista es absoluto y se consigue desde una planificación muy brillante visualmente, con un uso magnifico de la pantalla ancha y una fotografía excepcional en el que abundan grandes primeros planos en los que María Onetto aguanta el tipo a la perfección.

En segundo lugar, es valiente por como afronta la historia. Dentro de la película hay una reflexión muy profunda sobre la culpabilidad y la justicia, pero Lucrecia Martel decide hacerlo desde la abstracción. De esa manera, todo cabe en ella y hace su metáfora mucho más rica permitiendo un análisis a muy distintas profundidades.

Algunos han visto en ella una metáfora sobre la actitud de la burguesía argentina en los años de la Dictadura, pero creo que su reflexión puede ser aplicada en general a cierta banalización de la violencia, la muerte y los acontecimientos que acecha a toda las sociedades occidentales modernas.

Que pena que los Almodovar se tengan que ir a Argentina para encontrar una película y una directora tan audaz, brillante y valiente. Habrá que seguirla la pista.

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La mujer sin cabeza (2.008)
Guión y Dirección: Lucrecia Martel
Fotografía: Bárbara Álvarez

Montaje: Miguel Sverdfinger

Interpretes: María Onetto, Claudia Cantero, César Bordón, Daniel Genoud

Tren de Sombras

2009-09-13T18:18:00.000+02:00

Como ya he comentado en algún post anterior, el cine español esta en una encrucijada con muchísimas más sombras que luces. Por un lado parece que el beneplácito de la producción y del academicismo (véase los Goya) se enroca en un modelo de cine que huele a rancio y a ya visto (con películas tan poco estimulantes como Los Girasoles Ciegos, Sangre de Mayo o Solo quiero caminar encumbradas con premios y grandes presupuestos) y que, ciertamente cada vez interesa a menos gente. Eso si, esa perdida continua y constante de espectadores nunca es por culpa propia, siempre estará ahí para tener la culpa la piratería, la escasez de subvenciones o las majors americanas. Es una pena la absoluta inexistencia de modelos "de calidad". Parece (a excepción de unos pocos... Almodovar y Amenabar básicamente) que es imposible hacer en este país un cine que interese al público sin caer en los modelos mil veces vistos. Que envidia dan los Caballeros Oscuros, Las vidas de los otros o las Cuestiones Humanas.

En fin, en esta situación lo único que le queda al cine español es el cine "de vanguardia" o experimental. Ese cine que es marginal en todos sitios (no nos mintamos) pero que aquí vive más a la intemperie porque el salto entre la producción estandarizada y éste es más grande que en cualquier otro lugar. Aquí sobreviven prácticamente los únicos cineastas interesantes que se dedican a hacer cine en España. Los únicos que tienen presencia habitual en los festivales de postín y en los cuadros críticos internacionales. Aquí estan los Serra, Rosales, Portabella... y sobre todo, y por encima de todos José Luis Guerín.

Tren de Sombras es su película más afamada y para mí ha supuesto mi punto de contacto con su cine. Lo primero que hay que decir es que no se trata de una película al uso. Ahora analizada desde la distancia (hace más de diez años que se realizó), realmente avanzaba muchas de las cuestiones que ahora están "de moda" entre los cineastas de vanguardia. Principalmente el debate sobre las fronteras que separan el documental de la ficción. De hecho Tren de Sombras no es documental, ni es ficción. Si de algo se le pudiera catalogar es de "ensayo". Se trata de un ensayo sobre el cine. Sobre su naturaleza y sobre la naturaleza mágica de sus imágenes.

La película esta dividida en tres segmentos muy claramente delimitados. Toda ella se monta como un falso documental en el que se supone que se recuperan las imágenes realizadas por un cámara aficionando francés en los años veinte y que habían estado perdidas durante más de 70 años. Toda la primera parte de la película se desarrolla mostrándonos el contenido de dichas grabaciones. En ella podemos ver el carácter espectral que han tomado unas tomas que en principio trataban de ser cotidianas. El paso del tiempo ha conseguido capturar de manera fantasmal esa vida.

En su segundo tercio, el director se dedica a recorrer los escenarios de dichas escenas en la actualidad. Como si de un Iker Jimenez se tratara, buscando a los fantasmas por sus pasillos. Vemos como el viento juega entre los arboles, como las sombras invaden los espacios y la luz juega con los objetos. En definitiva, observamos como esa realidad cambia ante nuestros ojos, por el simple cambio de la luz y la perspectiva.

Por último, el cineasta recompone las imágenes iniciales, re-montándolas, realizando desarrollos paralelos... todo ello para "jugar" con ellas. Para analizarlas y exorcizarlas. Para indagar en los rostros y las miradas y para descubrirnos el secreto que las grabaciones ocultan y que, muy probablemente, nos ha pasado inadvertido en el primer visionado. Y no solo a partir de las propias imagenes, si no también a partir de la reconstrucción de los hechos.

En definitiva, se trata de una película que va más allá. Que desde la contemplación y la aparente cotidianidad reflexiona sobre la naturaleza del cine. Sobre su poder de controlar el tiempo y los tempos. Sobre la capacidad que tiene de congelar los instantes y sobre el caracter fantasmal de las imágenes cuando el tiempo pasa. Sobre como la luz y el tiempo manipulan los hechos y los objetos y como, incluso aunque uno no lo quiera, el mero acto de poner a rodar una cámara implica capturar la vida.

Es inevitable pensar que cuando vemos una película de hace 80-90 años, de Chaplin por ejemplo, todos aquellos a los que vemos están muertos. Están muertos y se han quedado reducidos a meros espectros, a las sombras a las que hace referencia el título. Una película que, como toda buena película, lanza muchas preguntas y no pretende dar las respuestas. Simplemente enunciarlas de una manera poética e hipnótica. Probablemente sea una película no apta para todos los públicos pero si muy recomendable para aquellos que quieran indagar un poquito más en que hay detrás del acto de registrar imágenes en movimiento.

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Tren de Sombras (1.997)
Guión y Dirección: José Luis Guerín
Fotografía: Tomás Pladevall

Montaje: Manel Almiñana
Interpretes: Anne Celine Auche, Juliette Gautier, Marc Montserrat, Ivon Orvain, Jessica Andrieu

Michael Haneke (Código Desconocido y El tiempo del lobo)

2009-09-05T13:59:00.001+02:00

Ya hace algunos meses hablé por aquí de Funny Games. Ya entonces comentaba el carácter"radical" de Michael Haneke. Ahora que estoy pudiendo profundizar en su obra tengo la necesidad de volver a hablar de dos de sus películas (la primera vez que ventilo dos de una tacada ;)). Lo primero que se puede decir es que no me queda otra más que refrendar lo que ya dije, Michael Haneke es un director que va al limite. Al limite con el espectador, poniéndole en situaciones extremas y retando al máximo tanto su inteligencia como sus entrañas. Y lo hace desde la experimentación cinematográfica más absoluta. Quiero decir que no se limita a repetir clichés y provocar por provocar. Cada una de sus películas es una investigación sobre alguno de los temas que le interesan (la violencia, el carácter despiadado del ser humano, la inmigración...). Realmente, su obra gira sobre dos o tres grandes temas, pero cada película es un nuevo reto, una nueva aproximación que introduce nuevos elementos para la reflexión.

Y si Funny Games reflexionaba sobre la violencia a través de su exhibición explicita y sin justificaciones, Código Desconocido y El tiempo del Lobo lo hacen desde otras perspectivas y desde otros acercamientos que solo enriquecen más y más esa visión poliédrica del mundo que tiene Haneke.

Pero bueno, vayamos por partes. Código Desconocido fue la siguiente película realizada por el director tras la polvareda levantada por Funny Games. Esto le permitió trabajar con un mayor presupuesto (fue acogido por la industria francesa que hasta hoy no le ha abandonado) y un reparto de bandera (encabezado por Juliette Binoche).

Código Desconocido reflexiona sobre el fenomeno de la inmigración y la confrontación cultural. Sobre la actitud de los paises "desarrollados" sobre ese fenómeno y de como a veces es tan malo intentar "actuar" sin criterio como no hacerlo en absoluto (eso es lo más brillante de Haneke, nunca da respuestas, si no que expone preguntas de una manera pulcramente equidistante, sin tomar partido).

Y todo ello lo empaqueta en un experimento formal formidable. La película se aleja de los modelos narrativos convencionales para limitarse a ser una serie de pinceladas de diversas historias no intrínsecamente relacionadas, pero si influenciadas unas con otras. Estas historias no tienen ni principio no fin. Tan solo son pedazos de vida que nos ayudan a indagar sobre los conflictos fundamentales de la película. Y para ahondar el tono "naturalista" y mostrar de una manera más clara como las historias confluyen, interactúan, se cruzan y se separan, la película se convierte en un autentico tour de force técnico en el que casi la completa totalidad de las escenas están rodadas a partir de un único plano secuencia.

El tiempo del Lobo, sin embargo, entronca más con Funny Games. Se trata de un estudio psicológico sobre la naturaleza del ser humano y nuestra tendencia, cuando el "sistema" desaparece, hacia la violencia, la dominación y ciertas formas de autoritarismo, como indicándonos que, cuando la ley de lo políticamente correcto desaparece, la tendencia del ser humano tiende más al fascismo que a otra cosa.

Como Código Desconocido, El tiempo del Lobo cuenta con un reparto con lo más granado del cine frances (encabezado por una gran Isabelle Huppert) y de nuevo, volvemos a asistir a una historia poco convencional. No hay justificación ni anterior y posterior al porque de los acontecimientos de los que somos testigos. Realmente da igual, porque lo importante aquí es el retrato psicológico. Aquí es más importante observar como reaccionan los personajes a la situación más que entender como han llegado a ella. Probablemente se trate de su película formalmente más sobria y convencional pero su fuerza es incuestionable y, de nuevo, sus preguntas lanzadas al aire son demoledoras.

Definitivamente, Michael Haneke es un cineasta imprescindible. Porque siempre toma riesgos, siempre va un paso más allá y porque se esfuerza en mostrarnos la cara menos amable del ser humano. Tal vez eso a algunos les incomode (es mucho más facil ver peliculas "bonitas" con happy end) pero su cine es absolutamente necesario para poder reflexionar sobre la naturaleza del hombre moderno.

Este otoño nos espera el estreno de "La cinta blanca", su último film, ganador de la Palma de Oro en el último festival de Cannes, y que reflexiona, ni más ni menos, que sobre las raíces y orígenes del Nazismo en la Alemania de los años 20 del siglo pasado. Para un servidor, la película más esperada del año.

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Code Inconnu (2.000)
Guión y Dirección: Michael Haneke

Fotografía: Jürgen Jürges
Música: Giba Gonçalves

Montaje: Karim Hartusch, Nadine Muse, Andreas Prochaska
Interpretes: Juliette Binoche, Thierry Neuvic, Josef Bierbichler, Alexandre Hamidi

Le temps du loup (2.003)
Guión y Dirección: Michael Haneke
Fotografía: Jürgen Jürges
Dirección Artística: James David Goldmark
Montaje: Nadine Muse, Monika Willi
Interpretes: Isabelle Huppert, Beatrice Dalle, Patrice Chereau, Rona Hartner

Havalina - Imperfección

2009-08-31T21:02:00.000+02:00

Como lo prometido es deuda, tras el último post sobre Love of Lesbian aquí llega el otro gran disco español de esta primera mitad del año (y quien sabe si lo serán del año entero), el último álbum de Havalina. Y para contrastar con la delicadeza y ternura de las canciones de "1999" llega "Imperfección" lleno de energía y contundencia.

Havalina es un grupo que surge de la escena madrileña independiente y este, su último disco, hace el quinto en su carrera. Sin embargo, para mí, este ha supuesto el álbum de descubrimiento de la banda y creo que es el primero que cuenta con una distribución más decente.

Imperfección es un disco que entra desde el principio. Lo primero que llama la atención es, como decía, la tremenda contundencia de su sonido con unas guitarras poderosas que no se suelen escuchar mucho en el panorama español y que recuerdan en algunos momentos a Muse o Queens Of The Stone Age (por poner algún ejemplo). A través de esos muros de sonido creado por sus guitarras se esconden unas letras complejas y ciertamente crípticas, pero que por ello no dejan de ser poéticas y enigmáticas. Una buena muestra de ello es "Agosto en Bogotá"

Esa tremenda energía, además, esta perfectamente modulada a lo largo de todo el disco. Esto hace que todas sus canciones suenen compactas y sirven para cerrar un disco muy completo y redondo. A pesar de cierto toque melancólico que rodea a la mayoría de sus canciones (como ocurre en "Sueños de Esquimal"), la verdad es que la dosis de adrenalina que suponen las canciones hace que sea muy difícil no tener ganas de saltar y descargar toda la energía en muchas de sus canciones ("Vida Maquinal", por ejemplo).

La quinta-esencia del álbum lo representa la canción que le da título, contundente, cruda, con unas guitarras secas y golpeantes y con una una letra enigmática y pegadiza (podéis escucharla más abajo).

En fin, un grupo pequeño (ni siquiera he encontrado vídeos oficiales más allá de los directos de Radio3) al que merece la pena apoyar. Esperemos que se conviertan en los nuevos Vetusta Morla (a los que telonearon en su concierto en el Circo Price) porque realmente estos chicos se lo merecen.

Love of Lesbian - 1999

2009-08-15T18:30:00.000+02:00

Love of Lesbian se puede considerar uno de ese tipo de grupos (pocos) españoles del "indie" que se caracterizan por tener un especial cuidado en sus letras. Los orígenes se pueden rastrear en grupos de los 80 y 90 como El último de la fila o Los Piratas y en la actualidad su legado lo heredan otros como Maga (a ver si con su inminente cuarto disco se merecen un post :)). Sus letras tienen un nivel de lirismo muy por encima del nivel medio del pop español.

En todo caso, hasta este año se habían limitado a editar álbumes que... "no estaban mal". Pero algo cambió cuando en marzo publicaron su, hasta la fecha, último álbum: "1999 (o como generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna)".

Detrás de este título (entenderéis porque he optado por la opción abreviada en el título del post :)) se esconde el que probablemente sea el mejor disco español de lo que va de año.

En este nuevo álbum, Love of Lesbian dan un salto mortal hacia delante. Probablemente estemos ante sus mejores letras. Pero es que además, se trata de un disco "concepto". Y es que lo que intenta contarnos Santi Balmes (principal letrista del grupo) a lo largo de sus 14 canciones es, ni más ni menos que la historia de un año (el del título del disco) y de la historia de amor, al parecer autobiográfica, que lo llenó.

El disco se abre y se cierra con un prólogo y epílogo cantado desde el presente (2009) y entre medias, 12 canciones que desgranan la historia de un amor teñido en melancolía. Desde los primeros escarceos (como en "Club de fans de John Boy" cuyo video está más abajo), la evolución, los problemas, las discusiones... todo ello desgranado canción a canción y letra a letra.

Este hecho consigue dar más calado y profundidad al disco y llena de emoción y significado cada uno de sus versos. Y por si eso fuera poco, lo empaquetan en un disco fresco con una instrumentación rica (aunque tal vez le falte algo de contundencia a veces) y que resulta muy compacto y redondo desde el principio hasta el fin. En el se incluyen canciones más refrescantes, otras más bailables otras más profundas y emotivas, como, por otra parte, son las fases y los momentos que suele vivir una relación sentimental.

Resumiendo, un disco realmente recomendable, que destila autenticidad por los cuatro costados y que, como decía, a falta de lo que ocurra en la segunda mitad del año competirá muy duramente con Havalina (ya les tocará en otro post) por llevarse el premio al mejor disco del año. Aunque, eso si, 1999 cuenta con una ventaja y es el Prologo que inaugura el album. "Allí donde solíamos gritar" nos adelanta que esta historia que comienza no acaba bien, pero lo hace desde una canción que es simplemente... maravillosa.

V.O.S.

2009-08-08T20:13:00.000+02:00

El panorama cinematográfico español, la mayoría del tiempo, es triste. Lo poco que llega a las pantallas con una distribución decente tiene una calidad muy discutible (obviamente, hay excepciones, pero desgraciadamente suelen ser eso, excepciones) y el cine español con calidad no consigue una distribución decente (Serra, Guerín, Rosales...). En ese marasmo Cesc Gay es una especie rara. A pesar de que su cine dista mucho de ser el típicamente comercial (historias pequeñas en las que prima el dialogo frente a la acción) consigue estrenar sin problemas y con asiduidad todas sus películas en los cines. Además, se ha ganado un aura de "cineasta de calidad" que le permite contar con cierto apoyo del público que le permite encadenar sus películas sin excesivos problemas de producción. Esa fama se la ha ganado con buenas películas como Ficción, Krampack y sobre todo la excelente "En la Ciudad".

V.O.S., su última propuesta, es un respiro en una trayectoria que en los últimos tiempos parecía agotarse (con cierta repetición de patrones en todas sus películas). Y es que esta es la primera vez que Gay se atreve con una comedia en estado puro. Por tanto, estamos probablemente ante su película más ligera, pero probablemente más divertida y entretenida.

Y lo bueno es que lo consigue sin necesidad de renunciar a cierto riesgo inherente que acompaña a sus películas, en este caso a partir de la forma en que es contada la película.

Y es que una de las reflexiones que se introducen en la película trata sobre las lineas que separan ficción de realidad y como ésta última cambia en función de quien sea el que la cuente. Pues bien, a partir de esta premisa el director monta un entramado de espejos que difuminan las barreras entre esas distintas realidades. Esto hace que, a pesar de que, sobre el papel pueda parecer una comedia romántica al uso, nunca se convierta en algo mecánico y repetitivo ni aparezca ese tufillo a ya visto que acompaña a la mayoría de las comedias románticas actuales (y en especial las españolas).

La otra reflexión de fondo que se introduce es el del idioma (el asunto al que hace referencia el título) ya que la película podría catalogarse de "bilingüe". La trama se desarrolla en catalán y castellano y se pasa de uno a otro sin solución de continuidad por lo que la versión original es obligatoria ya que esa peculiaridad idiomática es una clave de la película. A mi particularmente me parece muy sana la realidad que se retrata en la que podemos ver con la naturalidad con la que se combinan ambos idiomas (incluso dentro de una misma conversación) y que es muy probable que refleje mejor la auténtica realidad de Cataluña que esas noticias sensacionalistas sobre la "política lingüistica" que aparecen en los periódicos.

Para mejorar aún más el cocktail, tenemos a unos actores que se lo pasan bomba y disfrutan al 100% el texto y las escenas. Esto consigue que ese buen rollo irradie a través de la pantalla. No en vano, los cuatro actores protagonistas fueron los que protagonizaron en el teatro la obra en la que está basado el guión de la película (de Carol López) y claro, ese dominio y disfrute del texto se nota con momentos memorables como esa canción de enamoramiento del personaje de Andres Herrera (me encanta) o la discusión en el coche con una Vicenta N'Dongo espectacular.

En resumen, una película divertidísima, alegre y desenfadada en la que, como digo, se introducen temas profundos pero sin ínfulas de notoriedad ni rollos filosófico-políticos, solo buen rollo.

100% recomendable.

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V.O.S. (2.009)
Dirección: Cesc Gay
Guión: Cesc Gay basado en la obra de teatro homónima de Carol Lopez

Fotografía: Andreu Rebés
Música: Joan Diaz
Interpretes: Ágata Roca, Vicenta N'Dongo, Andrés Herrera, Paul Berrondo

Los Cronocrímenes

2009-07-27T21:00:00.004+02:00

La verdad es que Nacho Vigalondo me cae bien porque es un tipo que nunca se ha tomado demasiado en serio a si mismo. Además, durante estos años siempre ha intentado dar un paso más. Siempre se ha mostrado como un personaje inquieto y lleno de ideas. A veces, brillantes, otras no tanto, pero siempre desde el dinamismo y el intento de ofrecer algo diferente. Y esto va desde cortometrajes como "7:35 de la Mañana" o "Marisa" (pequeña joya este último) hasta sus colaboraciones con Muchachada Nui. Por todo ello, era lógico que existiera cierta expectación hacia su estreno en el mundo del largometraje. Había llegado el momento de valorar si era capaz de dar el paso definitivo. Y Nacho decidió hacerlo con Los Cronocrímenes el año pasado. Se trata de una película de ciencia ficción (hecho que ya es toda una declaración de intenciones de valentía de Vigalondo) que trata de viajes en el tiempo (valentía doble). Bajo un aspecto de bajo coste y serie B se esconde un producto que se nota que ha sido cuidado al milímetro por su director.

Si bien la película se deja ver con facilidad gracias a una realización y ritmo más que efectivos, lo cierto es que la película deja un cierto regusto agridulce y de imperfecto acabado.

Por un lado tenemos un guion estudiado al dedillo. Escudriñado paso a paso para no caer en ninguna falta o incoherencia. Además, a eso le acompaña un diseño de producción muy atractivo. El malo encapuchado (el de la foto de arriba) tiene una potencia visual tremenda y en general toda la película tiene unas localizaciones y fotografía barata, pero muy atractiva.

Por otro, precisamente su primera virtud es su principal defecto. El guión aún siendo preciso y milimétrico se olvida de una cosa muy importante... los personajes. Y es que, se molesta tanto en prestar atención a cada detalle de la trama que se olvida de que los que la viven son personas.

Y en este aspecto Vigalondo suspende. Y suspende porque su largometraje es un corto largo en el que, como ocurre en los cortos, la acción, la originalidad y ocurrencia del desarrollo son lo importante. Sus personajes son meros elementos a disposición de la ocurrente trama (que ni siquiera lo es tanto) y no tienen ningún tipo de profundidad. Realmente, al acabar la película no siento saber nada de los personajes. Ni sus sentimientos, ni sus relaciones, ni sus reacciones. Son meros seres instintivos que solo actúan.

Por ello, esta más cerca de un videojuego o un corto que de un largometraje con todas las de la ley. Es cierto que se puede alegar que su propuesta es valiente y defendible, que se atreve con una película de ciencia ficción, tema tabú del cine español... pero es que muchas veces en el país de los ciegos, el tuerto es el rey.

En todo caso es una película entretenida a la que uno puede acercarse como se acerca a cualquiera de los cortos y ocurrencias de Vigalondo, es decir, dispuesto a pasar un buen rato (eso si, un poquito más largo de lo habitual). Yo mientras tanto seguiré esperando a que Nacho se atreva de una vez por todas con un largometraje de verdad valiente y a la altura de lo que ha demostrado que es capaz de realizar. De hecho, su corto "Marisa" promete un cierto cambio de rumbo hacia un cine un poco más maduro. Esperemos que se consolide.

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Los cronocrímenes (2.007)
Guión y Dirección: Nacho Vigalondo
Fotografía: Flavio Martinez Laviano
Dirección Artística: Jose Luís Arrizabalaga y Biaffra

Música: Chucky Namanera

Interpretes: Karra Elejalde, Candela Fernandez, Barbara Goenaga, Nacho Vigalondo

Monstruoso

2009-07-19T20:12:00.001+02:00

Habría que hacer un análisis psicológico a los "expertos" del marketing que se encargan de traducir los títulos de las películas que se estrenan en España. Hay ejemplos sangrantes a este respecto (Super salidos, Viaje de Pirados...). Pues bien, que cuando recibieran la noticia del estreno de una película titulada Cloverfield (que hace referencia al nombre de la operación militar que tiene lugar durante la película) decidieran que el nombre más idoneo en español era "Monstruoso" es otro ejemplo de esto que os cuento.

Y esto es así porque creo que este título en español, que por otra parte describe algo de lo que ocurre en la película, puede llevar a engaño al espectador. Si uno va al cine a ver una pelicula llamada Monstruoso, espera... pues... ver una peli de Godzilla. Pues bien, resulta que es muy probable que los potenciales espectadores de la película no vieran colmada sus espectativas, al menos en gran parte de la película. Y es precisamente gracias a esa parte por la que he acabado escribiendo un post sobre la película. Parece que, como producto de JJ Abrams que es (Mat Reeves es uno de los directores de cabecera de sus series), aqui, afortunadamente, ha tocado la de cal (que en cine, llevaba ya muchas de arena seguidas).

Monstruoso no es una peli de "monstruos" al uso por varias razones. En primer lugar, por como se ha decidido llevarla a cabo formalmente. El 100% de la película esta rodado en primera persona, a través de la videocámara de uno de los protagonistas. Si bien esta decisión le obliga a que la película nos muestre alguna que otra situación un poquito inverosimil, la verdad es que esta forma de rodar le da una fuerza visual a toda la película tremenda, con un dinamismo y dramatismo en la imagen muy marcado y con una estetica "sucia" muy efectiva.

Y además, esto le da al director la coartada perfecta. Al contarnos la película por los ojos de uno de los protagonistas, el espectador nunca tiene ninguna información adicional. Esto convierte al monstruo que da título a la película en un ser fantasmal durante los primeros tres cuartas partes de la película. A penas se le intuye, se le ve a lo lejos y de refilón. Esto introduce, el que es probablemente el punto más interesante de la película. Ya he contado otras veces en el blog que hay cierto cine americano que desde hace tiempo intenta reflejar como la sociedad americana ha cambiado desde el 11-S. Ha cambiado en la forma de actuar, en la forma de expresarse y el vocabulario que usa (ahora a NY se le "ataca" cuando pasa algo) y en los temores que subyacen cada día.

Pues creo que Monstruoso va un poco de eso. Y por ello, el interes de la película es inversamente proporcional a la información que tenemos del "monstruo". Es muy interesante ver como afrontan los neoyorkinos la situación límite que estan viviviendo. Hay imagenes de la película que parece que están sacados de los noticieros de aquellos días (lo cual no creo que sea casual) y es por ello que la película esta hecha para atacar directamente una fibra muy sensible del ciudadano estadounidense. Y es muy interesante ver las reacciones, el vocabulario y las actitudes que toman los protagonistas de la película ante esa amenaza invisible que "ataca" su ciudad sin ningún motivo aparente (os suena de algo esto). Como ese entramado verbal y moral creado en aquellos tiempos por la administración Bush (el famoso "America under attack") para justificar lo injustificable ha anidado en lo más profundo del americano medio. Y esto funciona mejor, cuanto menos sabemos del monstruo. Cuando solo es una sombra que se mueve y que tan solo ves torcer la esquina como un "algo" desconocido y amenazante, cuando cualquier cosa es posible.

Desgraciadamente, al final Reeves y Abrams parece que se arrepienten un poquito y el último cuarto de la película se convierte en algo bastante más convencional gracias a lo cual los espectadores sedientos de acción y efectos especiales tendrán su racion. Aunque, seguramente, se queden insatisfechos porque la película no renuncia a evitar la explicitud y las explicaciones. Y eso es de agradecer.
En definitiva, una película que funciona mejor y es más interesante como análisis psicológico que como película de efectos especiales. Así que cada cual que obre en consecuencia.
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Cloverfield (2.008)
Dirección: Matt Reeves
Guión: Drew Goddard
Fotografía: Michael Bonvillain
Dirección Artística: Doug J. Meerdink

Interpretes: Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller, Michael Stahl-David

Tropa de Élite

2009-07-12T16:54:00.000+02:00

Tropa de Élite se trata, muy probablemente, de la película más exitosa, polémica y afamada que se ha realizado en Brasil en los últimos quince o veinte años. Y las razones son varias. En primer lugar, porque sufrío un filtrado desde la propia productora que provocó que la película se pudiera descargar o comprar en el Top Manta incluso antes de su estreno (se dice que tuvo millones de descargas) lo cual no evito, sino más bien ayudo, que se convirtiera en un atronador éxito de taquilla. En segundo lugar, porque trata de un tema controvertido y polémico.
Y es que, se puede concluir, esta película es como el reverso de otra no menos aclamada película, Ciudad de Dios. Mientras que aquella era una radiografía del sub-mundo de delincuencia y violencia que se esconde en los barrios de favelas que se encuentran en cualquier ciudad brasileña, Tropa de Élite trata sobre las personas que se encargan de luchar contra esa delincuencia y violencia. La denominada BOPE, o grupo especial del ejercito que se dedica a repartir plomo por aquellos barrios (el plomo parece la única manera de abrirse camino por allí).

Y es precisamente por la crudeza con la que se describen los "métodos" del BOPE por la que surge la polémica. Su caracter de ejecutores sin compasión hace que la línea que separa buenos de malos sea en este caso más fina que nunca.
De hecho es paradójico que haya coincidido mi visionado de la película con la noticia de que en Rio, por primera vez se vaya a enjuiciar a 20 miembros de este cuerpo por sus prácticas "ilegales".
Y la polémica se acrecienta cuando, tras ver avanzar la película, uno no tiene muy claro cual es su discurso. Me refiero, si el objetivo fuera la denuncia, lo mejor sería intentar mantenerse en el punto medio, sin juicios, solo mostrando los hechos. Sin embargo, se puede intuir cierta fascinación o admiración del director, Jose Padilha, por los agentes de la ley que refleja. Como si el discurso de la película fuera que "ese" es él único camino en un cuerpo podrido por la corrupción. Precisamente, por esa ambigüedad moral, cuando la película recibió el Oso de Oro de Berlín hace un año, se generó una polémica muy fuerte.
La referencia a Ciudad de Dios no es únicamente temática. Estilísticamente trabaja los mismos métodos. Toda la narración se basa en una estética muy cuidada, con un cuidado por el color junto con una planificación, camara en mano que dota a la imagen de un pulso entre el documental y el video-clip muy atractivo. Eso unido a su frenético ritmo obtienen un resultado muy efectivo y espectacular.
La historia dramática tal vez se queda excesivamente simple y tópica y solo el buen hacer de Wagner Moura en su muy convincente papel protagonista consigue cargar de cierto drama a la trama.

Probablemente, esa simpleza narrativa la deja un peldaño por debajo de su antecesora Ciudad de Dios ya que, si bien la pelicula es atronadora, tanto por la gravedad de lo que se cuenta, como por como se cuenta, al final no se rompe una especie de barrera invisible que hace que el espectador no acabe de involucrarse en la trama y lo que les pasa a los personajes.
En todo caso, una pelicula de obligado visionado, por un lado por la sangrante "verdad" que cuenta y por otro por su efectista pero efectivo resultado que consigue remover las conciencias y al menos, invita a la reflexión.
Eso si, aviso a navegantes, no es una película apta para estomagos sensibles ya que la crudeza, no tanto de lo que se muestra si no más bien de las acciones que se quedan fuera de cámara, remueven por dentro inevitablemente.
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Topa de Elite (2.007)
Dirección: Jose Padilha
Guión: Andre Batista y John Kaylin
Fotografía: Lula Carvalho
Música: Pedro Bromfman
Interpretes: Wagner Moura, Caio Junqueira, André Ramiro, Maria Ribeiro

The Teenagers - Reality Check

2009-07-03T19:42:00.000+02:00

La verdad es que no tengo claro como llego este album a mis manos. Se trata del albúm de debut de The Teenagers, banda francesa que lo edito hace aproximadamente un año. Creo que fue porque escuché por la radio la canción emblema del albúm y la que probablemente ha dado notoriedad a este trío frances, Homecoming. Y lo cierto es que esa canción, que fue el primer single que editaron, incluso, antes de que editaran este album allá por Marzo de 2008, resume de que va esta banda.
Y es que su música se trata de un cruce extraño entre el post-punk denso que prolifera en Reino Unido con ese electro-house "fino y elegante" que tan propio es a ciertas bandas francesas. Esto hace que suenen a ratos como artic monkeys o klaxons y otros recuerden a Client o Tiga con trozos de Fun Lovin' Criminals. Y es que es por ahí donde se pueden rastrear sus influencias musicales.
Todo esto metido en la coctelera obtiene una colección de canciones, que si bien tienen una homogeneidad excesiva que puede llegar a hacer demasiado repetitivo el album, consiguen hacerse completamente adictivas. Directas, divertidas e infecciosas. Así son las canciones de estos chicos. Imposible no ponerse a bailar al oirlos. Canciones como "Streets of Paris" o "Make it happen" son de esas que un DJ se guarda para cuando ve a la gente parada y quiere sacarla a la pista. Con unas gitarras contundentes, densas, pero nada agresivas, tal vez porque siempre hay un pequeño toque "frances" de fondo que las suaviza.

Pero lo que realmente hace especial a esta banda es que no se toman en absoluto en serio nada de lo que hacen. Y es que The Teenagers llevan al límite esa postura provocadora que toda banda post punk necesita. La ironía es la nota dominante de sus letras en las que "parodian" las peliculas tipo "High School" ("Homecoming" tiene una mala uva importante) o incluso deciden decidarle una canción a Scarlet Johanson ("Starlet Johanson" cuyo video podeis ver más abajo)... y no precisamente por sus dotes interpretativas ;). Sus letras, desde luego, no dejan títere con cabeza, desde Michael Jackson a Beverly Hills 90210 se pueden encontrar en este album.

En definitiva, un album que seguramente no pasará a la historia (habrá que ver como continua la carrera de estos chicos) pero que es ideal para echarle unas oidas, gastar energías dando saltos y dejande contagiar por unas melodías que por facilonas, no dejan de ser irresistibles.

My Blueberry Nights

2009-06-11T19:00:00.003+02:00

El cine de Wong Kar Wai es un clásico de los festivales (Cannes, Berlin, Venecia...). Sus películas cuentan con un marchamo de "qualité" que le han convertido en la última década en la punta de lanza de ese florecimiento espectacular que ha sufrido el cine asiatico, que como dijó una vez en una de sus cronicas Antonio Gasset, a veces parece que juega en otra liga.
El cine de Kar Wai es paradigma de todas las virtudes y defectos que posee el cine proveniente de aquellas coordenadas: una cuidado por lo visual extremo, lo cual dota a sus imagenes de una potencia expresiva brutal, un ritmo moroso, que no lento y una búsqueda del lirismo por encima de todo.
Por todo ello, no deja de ser curioso que My Blueberry Nights me parezca la película más redonda (tal vez junto a 2046) que ha dirijido el director chino. Y digo esto porque resulta que My Blueberry Nights es la primera película de producción americana de su carrera y en la que renuncia a sus actores fetiche (Maggie Cheung y Tony Leung) para ceder el protagonismo a un reparto 100% hollywoodiense.
Tal vez, en parte se deba al hecho de que probablemente esta sea la película menos "asíatica" de Wong Kar Wai. El haber realizado la película en Estados Unidos ha provocado que el estilo, por otra parte inconfundible, del director se diluya. Pero es que resulta que ese diluido le sienta estupendamente a la película, porque de alguna manera fuerza a Kar Wai a no ponerse tan espeso y trascendental como suele, lo cual ayuda a construir una película mucho más cercana.

De entrada esta era una película que ofrecía muchas dudas. No solo por ser el experimento "occidental" del director, si no también porque prescindía después de mucho tiempo de su inseparable director de fotografía Cristopher Doyle (artifice del Hero de Yimou o los últimos Van Sant) al cual muchos pensaban que se debía el muy característico y especial aspecto visual de las peliculas del chino.
Afortunadamente, en cuanto arranca todas las dudas se disipan en unos minutos. Primero porque Kar Wai demuestra que aunque el estilismo visual de Doyle sea importante, el artifice principal del hermoso aspecto visual de sus películas es el propio director. Y segundo, porque también desde el primer minuto y a pesar de que esta pelicula se desarrolle en NY y no en HK y no este Tony Leung por ningún lado, esta pelicula es puro WKW y eso incluye hermosos planos cenitales, ralentís y momentos músicales muy, muy bonitos.
También es inconfundible el tremendo romanticismo que destila la pelicula, pero no de un romanticismo facilón, si no uno que destila una elegancia tremenda. Así como esa obsesión que acompaña todas sus peliculas sobre el azar y como la casualidad dicta nuestros destinos.

Y todo ello aderezado con ese lirismo que es la marca de la casa y que sabe utilizar la musica mejor que nadie. Además, la musica de Norah Jones y Ry Cooder tiene la belleza del mejor Galasso (habitual de WKW al que se homenajea en en algunos momentos) pero sin que se utilice de una manera tan machacona y repetitiva como ocurría en In the Mood for Love, por ejemplo.

Lidiando con la historia tenemos a una terna de actores desigual. Norah Jones no pasa del aprobado, mientras que Jud Law y Natalie Portman estan más que aceptables (sobre todo el primero).
Si algún defecto se le puede achacar es que su guión pretende abarcar demasiado introduciendo demasiadas historias paralelas, lo cual resta un poquito de fuerza a la principal de Nora y Jud, que por otra parte, me parece preciosa.
En definitiva, una pelicula muy bonita, que probablemente, a los ultra fans de WKW no les aportará nada nuevo, pero que, sin aportar nada nuevo a su cine, creo que es un paso adelante en depuración de estilo y en contención que desde luego, se agradece.
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My Blueberry Nights (2.007)
Dirección: Wong Kar Wai
Guión:Lawlence Block y Wong Kar Wai
Fotografía: Darius Khondji
Música: Ry Cooder
Interpretes: Norah Jones, Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman

La Fuente de la Vida

2009-06-05T17:00:00.000+02:00

Si hay algo que no provoca La Fuente de la Vida es indiferencia. Habrá gente que la ame (unos pocos) y otros que la detesten (algunos más) pero lo cierto es que desde luego, yo esto lo veo una virtud, y es así porque la única forma de no producir algo indiferente es ir al límite, lanzarse a tumba abierta. Es obvio que Darren Aranofsky puso todo lo que tenía dentro para sacar adelante esta película. Y eso se traduce, en primer lugar, en más de seis años de su vida a través de un periplo que comenzó como un proyecto protagonizado por Brad Pitt y Cate Blanchett de 70 millones de dolares y que acabó en un proyecto de menos de 35 millones que además supuso un fracaso de taquilla de tal envergadura que estuvo a punto de acabar con la carrera de Aranofsky. Y es que, con esta película pasó de ser el "enfant terrible" del cine independiente americano, con exitos "underground" como Pi y Requiem por Un Sueño a ser un proyecto de fracasado (que afortunadamente, ha sabido remontar reinventandose en "The Wrestler"). Sin embargo, no puedo evitar que esta peli me caiga bien, porque normalmente este tipo de batacazos dan grandes películas (La Puerta del Cielo de Cimino o La Delgada Linea Roja de Malik sin ir más lejos).

En primer lugar, aclaremos, a pesar de ese aura filosófica "new age" (bastante básica, por cierto) que la rodea, La Fuente de la Vida se trata de una película de amor. Y cuando el director tiene claro esto, es cuando de una manera más brillante funciona.
La peli trata de la lucha contra la muerte por amor y más alla del tiempo (vaya resumen, ¿eh?). Y lo hace con algunos pasajes increiblemente hermosos, por un lado, por el talento visual de Aranofski, su hermosa fotografía y sobre todo, por una portentosa interpretación de Hugh Jackman (el papel de su vida) y Rachel Weisz.

Cuando la película habla de sentimientos y se dedica a rodar a los protagonistas a la altura de sus ojos, la pelicula funciona a la perfección como una metáfora sobre la pérdida y la inmortalidad. El problema, creo, es que a Aranofski le da miedo lanzarse hasta el fondo en un melodrama y es entonces cuando empieza a complicar las cosas innecesariamente.
Por un lado con una extructura enrevesada con tres tramas en paralelo separadas mil años, una situada en la España de la Conquista y la Inquisición (muy excesiva... pero, que hermosa recreación de la Alhambra), otra en el presente y una última en un improbable futuro lejano.

Creo que esa estructura le resta intensidad al relato y aleja al espectador emocionalmente de los personajes, lo cual es una pena. Además, ese entramado espacio-temporal pretende dotar a la pelicula de filosofía primeriza de la que hablaba y que fuerza algunas escenas que rozan el ridiculo (ese buda flotante... en fin). Una pena, porque lo cierto es que la reflexión sobre la aceptación la muerte que destila la pelicula creo que es hermoso.

En definitiva, una pelicula que te muestra lo mejor y lo peor en apenas minutos, pero desde luego, mucho más interesante y atractiva que la mayoría de peliculas que se estrenan en los cines. Mejor morir de ambición que vivir cubierto de mediocridad. Y es que además, realmente Hugh Jackman esta tan bien que lo demás nada importa.

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The Fountain (2.006)
Guión y Dirección: Darren Aranofsky
Fotografía: Matthew Libatique
Música: Clint Mansell
Interpretes: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis

Luces de la Ciudad

2009-05-29T21:30:00.001+02:00

Últimamente me ha dado por rescatar las viejas películas de Charles Chaplin. La verdad es que se trata de un personaje muy curioso. Se trata, sin lugar a dudas del gran rey del cine mudo. Tal vez no es el que más le aportó técnicamente (para eso ya estaban Eisenstein y Griffith) pero si es el que le dotó de corazón y con ello y con su personaje Charlot se convirtió sin duda alguna, no solo en el icono del cine mudo, si no en uno de los iconos de todo el siglo XX.
Y para hacerlo aún más curioso, su amor al cine mudo fue tal, que aunque el cine sonoro se inventó en 1927, el se empeño en seguir haciendo películas mudas hasta 1936 (usaba la banda sonora para los efectos de sonido y la música) y se negó (con éxito) a que Charlot pronunciara una sola palaba en sus películas.
Luces de la Ciudad es una de sus películas mudas más maduras (de hecho, esta rodada en 1931, con el cine sonoro ya en pleno apogeo) y me he decidido a hablar de ella, porque el verla me ha recuperado, aunque solo sea un poquito, la inocencia.
Como casi todas las peliculas de Chaplin, hay dos factores fundamentales en Luces de la Ciudad, la risa y la ternura. Como no podía ser de otra manera, se trata de una comedia, pero en este caso, una comedía romántica que habla del enamoramiento que un mendigo sufre por una vendedora de flores ciega.

Si hay una palabra que define adecuadamente esta película es: "Inocencia". Esta claro que se trata de una comedia muy blanca, pero la verdad es que consigue emocionar desde su simpleza. La historia no deja de ser un poco tópica, pero esta hecha con una delicadeza, una ternura y una dulzura que realmente pone la carne de gallina. De hecho, creo que el final de esta película es de los más enternecedores y bonitos que un servidor ha tenido el privilegio de ver en su vida. Y encima con una mirada final, que realmente, me parece impagable.
Entre medias, algunos momentos cómicos que se han quedado un poquito anticuados y naif justo con otros que aún hoy son desternillantes, como el mitico combate de boxeo que os pongo aquí abajo. En todo caso, será dificil que os desaparezca la sonrisa de la cara mientras la veis.

Creo que de vez en cuando hay que volver a los clásicos y Luces de la Ciudad es una buena oportunidad de reconciliarse con el cine y con el genero humano en particular. Una oportunidad de recuperar a un genio que, como en casi todas sus peliculas, dirige, escribe, compone y protagoniza. Ahi es nada.
Eso si, cuando la veais, no olvideis dejaros todos vuestros prejuicios atras y mirarla con los ojos puros e inocentes de un niño. Si lo haceis, conseguireis disfrutar de una pelicula divertida y emocionante. Una maravilla, vaya.
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City Lights (1.931)
Guión y Dirección: Charles Chaplin
Fotografía: Gordon Pollock
Música: Charles Chaplin
Interpretes: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Harry Myers, Hank Mann

Youth Without Youth

2009-05-24T13:55:00.000+02:00

Francis Ford Coppola es, probablemente, uno de los mejores directores de la historia del cine. Es autor de algunas de las obras más famosas y valoradas. Entre ellas destaca la trilogía de "El Padrino" junto a otras obras maestras absolutas como "Apocalipsis Now" o "Dracula de Bram Stoker". El proceso que lleva a un director aclamado por la crítica y garantía de taquillas suculentas a que su último trabajo nunca se haya estrenado en España (ni en las salas ni en DVD) es un absoluto y completo misterio para mi. La verdad es que una vez vista, tal vez se puedan vislumbrar las razones, pero la verdad es que aún así me niego a aceptar que mientras cualquier peliculilla de tres al cuarto tanto americana como española logran sus dos semanas de gloria en las salas, alguien como Coppola no sea capaz de conseguirlo.
En todo esto, supongo, influye, por un lado que Youth without Youth es su primera obra autoproducida desde "Corazonada" (su mayor fracaso económico), factor que ha favorecido mucho más el riesgo. Por otro está el movimiento que ya apuntaba en los últimos posts que esta haciendo que una nueva generación "Qualité" desbanque a los Coppola, De Palma y compañía dejandoles cada vez más dificil encontrar financiación para sus proyectos. Pero en fín, hablemos un poquito de la susodicha película.

Youth Without Youth se trata de la vuelta al cine más personal de Coppola tras los dos proyectos más alimenticios de toda su carrera (Jack y The Rainmaker). Diez años después y tras la imposibilidad de conseguir financiación para ninguna de sus propuestas, el director decidió autoproducirse este pequeño cuento, que desde su modestia plantea algunos de los temas y reflexiones invariantes en la filmografía de Coppola. Sin duda el tema que siempre le ha obsesionado es el tiempo y los efectos que produce su paso. Es una idea que se puede detectar desde El Padrino a Dracula pasando incluso por Jack. Pues bien YWY es una historia construida a partir de esa idea.
Practicamente basada exclusivamente en una convincente (aunque no tanto su maquillaje) Tim Roth y en una propuesta visual que recuerda a la de Dracula (muy deudora de la estética del cine "romantico" centro-europeo de Ophuls, no en vano, parte de la película se desarrolla en Rumanía), probablemente flojea en un guión en exceso esquemático y críptico que trata de un hombre que de repente, vuelve a ser joven (literalmente).
Sin duda, nos encontramos con una obra de inflexión en Coppola. En ella se preocupa mucho menos de la linealidad dramática para centrarse más en los conceptos. Afortunadamente, lo consigue sin renunciar a esos momentos arrebatadoramente románticos de los que solo él es capaz.
Por lo demás, nos queda una reflexión madura sobre el paso del tiempo y el origen del lenguaje (ahí es nada) contado desde una perspectiva misteriosa y bella al más puro estilo de un cuento romántico, pero en abstracto (es como si Dracula la re-dirigiera David Lynch ;))

En todo caso una pelicula muy recomendable, por un lado para entender como ha evolucionado el director en los últimos diez años y luego, porque, sin dejar de ser un proyecto menor y experimental, contiene momentos, planos y situaciones de puro Coppola, y recordad que estamos hablando de uno de los GRANDES de la historia del cine.
Confiemos en que la participación de Maribel Verdu y Carmen Maura en su nuevo proyecto "Tetro" nos permita poder disfrutar de Coppola de nuevo en España sin la necesidad de recurrir a Emule.
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Youth Without Youth (2.007)
Guión y Dirección: Francis Ford Coppola
Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Música: Osvaldo Gulijov

Interpretes: Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, André Hennicke

El Incidente

2009-05-17T21:09:00.000+02:00

En algunos posts anteriores ya he hablado de una nueva generación de cineastas "jovenes" americanos que han conseguido, por una parte, adueñarse del sector de "calidad" de la industria estadounidense (cuyo daño colateral ha sido el destierro de viejas glorias como Coppola o De Palma) y por otro, retar de tú a tú al cine más intelectual y "artistico" que se hace fuera de Estados Unidos. Dentro de esa generación ya he hablado en este blog sobre Paul T. Anderson y de Christopher Nolan. Hoy toca hablar del que probablemente completa el trío que lidera dicha generación, M. Night Shyamalan, que además, se trata del que mayor favor del público tiene (a partir de su ya mítica "El Sexto Sentido"). Tambíen es cierto que su exito va decayendo con cada nuevo proyecto, lo cual no es nada casual ya que Shyamalan a partir de "El Protegido" se enbarco en un viaje hacia un cine cada vez más personal, más conceptual y más críptico por tanto, pero por ello ni un áplice menos interesante.

"El incidente" es una buena muestra de este nuevo cine. No llega a las cotas artísticas de "Señales" o "El bosque" pero sin embargo me parece un repunte notable desde la más fallida de las peliculas de Shyamalan, la Mujer del Agua.

El Incidente es una película bastante conceptual. La idea fundamental es homenajear, de alguna manera, a las peliculas de terror de serie B de los años 50, en un ejercicio parecido al de Tarantino en Death Proof con el cine de los 70, pero en este caso haciendo justo lo contrario, cambiando el envoltorio pero respetando el contenido.

En este caso, la pelicula formalmente recuerda muy poco a aquellas ya que El Incidente es una pelicula marca de la casa. Posee un acabado espectacular con una fotografía y una planificación tan Kubrickiana como acostumbra el director indio. Donde está el homenaje es en el espiritu de la pelicula. Las peliculas de terror de los años 50 (como "El Ataque de los ladrones de Cuerpos", por ejemplo) surgen de una situación muy concreta de la sociedad americana, que vivía atemorizada en aquel entonces por la amenaza comunista. Esos estraterrestres y monstruos varios de cartón piedra de entonces servían para externalizar el miedo y la represión latente en aquella sociedad y esas arañas gigantes representaban esa amenaza nuclear que era palpable.
Hoy, la situación ha cambiado mucho pero los miedos permanecen. Hoy ya los rusos no son los malos, sino el terrorismo islamista. Y eso se ve reflejado incluso en la propia dialectica de la pelicula. Es interesante observar como se describe desde el principio los extraños episodios que están ocurriendo. Los sucesos misteriosos que se nos cuentan no dejan de ser una radiografía de la sociedad americana, de sus miedos, de sus filias y de sus fobias. Es curioso que en el último año, ésta no es la única película que trata este tema (El caballero Oscuro también lo toca) así que empiezo a pensar que algo de verdad tendrán estos retratos. En fin, en ese sentido creo que la película esta dotada de un potente poder metafórico.

Por detrás, el Shyamalan de siempre, con un pulso narrativo espectacular, se trata del director contemporaneo que mejor maneja los tempos de la emocion y el misterio. Sabe mantenerte en vilo en cada situación con una maestría de cirujano cuya mejor muestra es la escena (hacía el final) en el que los dos protagonistas se quedan atrapados y separados (y hasta aquí puedo leer...), simplemente magnífica y muy hermosa. A eso, un trabajo de personajes interesante, una utilización de la música muy buena y un final que me parece mucho más satisfactorio que los de sus últimas películas.
Si algo se le puede achacar es un cierto tono naif y ecologista de parte de su discurso, pero que se le va a hacer, esta de moda. Todo lo demás, puro cine.
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The Happening (2.008)
Guión y Dirección: M. Night Shyamalan
Fotografía: Tak Fujimoto
Música: James Newton Howard

Interpretes: Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo, Ashlyn Sanchez

Mew

2009-05-08T21:30:00.001+02:00

Hoy me toca hablar de una banda bastante más pequeñita y menos popular de lo que acostumbro. La verdad es que no recuerdo muy bien como llegué hasta ella, pero por alguna extraña razón del destino me descargué el último albúm que editó la banda "And the glass handed kites" que por cierto se editó ya hace cuatro años (y que sin embargo no tiene rastro en Spotify, vaya fallo).

Mew son un trío danés que por lo visto (ando detrás de sus anteriores albumes) han ido evolucionando desde un estilo más puramente rock hacia otro bastante más cercano a lo que habitualmente se denomina post-rock.

¿Y eso que significa? Pues básicamente que sus canciones son fundamentalmente instrumentales, con letras poco significativas (a veces, incluso ininteligibles) y con estructuras musicales más extendidas del habitual "punch" directo del rock tipo Strokes que los acercan al rock progresivo de aquellos Pink Floyd o Led Zeppelin.

En fin, en cristiano, se trata de una banda cuyas canciones se pueden definir con dos palabras: intensas y bellas. Una intensidad que va creciendo en las canciones a través de crescendos espectaculares y arreglos delicados. Si esta banda tiene un referente, claramente serían Sigur Ros o Mum, luego, a los que les gusten ellos, amarán a Mew, eso si, estando dispuestos a aceptar un toque mucho más roquero y menos angelical que los anteriores.

En definitiva, 100% recomendable. A la espera de su nuevo album, que se espera para este mismo año os dejo con dos pinceladas de Mew.

Camino

2009-05-01T18:48:00.000+02:00

Creo que podría ser un tema de reflexión que podría dar para un post por si solo el porque he tardado tantos meses en incluir un comentario sobre una película española en el blog. Creo que el cine español que llega a los cines es un marasmo del que solo unas pocas peliculas, que se pueden contar con los dedos de una mano, se salvan cada año. Creo que el cine español tiene un problema y es que se mira el ombligo demasiado repitiendose a si mismo y copiando sus modelos hasta la extenuación. Y a mi la verdad es que esos modelos hace tiempo que me dejaron de interesar (como a muchos espectadores, la verdad). Es triste, pero ni tenemos una industria con buenos artesanos ni cuidamos a los pocos artistas que tenemos. Así que a expensas de las exploraciones que tengo pendientes (Rosales, Guerin, Serra...) y que por otra parte son autores marginales y ninguneados en los cines españoles, mi visión del cine español es más bien pobre. Por falta de riesgo, por falta de imaginación, por falta de buen acabado... hasta los más consagados hace tiempo que se limitan a imitarse a si mismos. Solo algunas pequeñas excepciones se suelen salvar y la verdad es que llevo tiempo sin encontrarme una de ellas.

En fin, el hecho es que Camino era una buena excusa. No es una pelicula brillante, ni seguramente muy buena, pero creo que es una pelicula con más riesgo y originalidad de lo que acostumbra el cine español.

La principal y mayor virtud de la pelicula es la elección de Nerea Camacho, su protagonista. Es que simplemente es maravillosa. Tiene una presencia y actitud que contagia las escenas en las que participa y tiene una mirada que llena la pantalla. Tanto en los momentos más ruisueños como en los dramáticos. Realmente es un descubrimiento que habrá que seguir con detenimiento. Una pena que su partener masculino sea más soso que una patata.

En segundo lugar tiene el planteamiento. Me parece un juego ingenioso el convertir a una iluminada en una simple enamorada. Creo que ese punto es el gesto más efectivo para retratar y dejar en evidencia cierta sinrazón rodeada de espiritualidad que rodea a la protagonista. Es como, amor puro frente a fanatismo. Me parece una confrontación bonita.
El asunto es que esa apuesta por el amor puro hace rodear a la pelicula de un cierto toque kitsch o naif que algunos criticos le han achacado como defecto. Sin embargo en mi opinión es al contrario ya que ayuda a convertir la pelicula en lo que creo que pretende ser... un cuento de niños. Creo que las escenas oníricas son en su mayoría hermosas (aunque alguna bordee el ridiculo) y ayudan a entrar en el espiritu de la pelicula junto con un universo visual muy cuidado y que confirma a Fesser como un director con una potencia estética muy importante. Por último, creo que la pelicula tiene mucha clase a la hora de abordar una situación tremendamente dramática y no cae ni en el efectismo ni en el exhibicionismo sentimental y el drama se cuenta con una austeridad que no impide que las situaciones te emocionen.

El mayor punto debil que tiene la pelicula y que, probablemente, la impida ser, si quiera, una muy buena película es su endeble guión. Por un lado, mientras que huye del efectismo al retratar la enfermedad de Camino, hace todo lo contrario con lo que le rodea. En primer lugar con un par de giros de guión que magnifican innecesariamente el drama y el infortunio. Lo siento pero el giro final (como a tres cuartos de película, no lo diré para que no enfadar a nadie :)) es tramposo. Muy tramposo, hasta el punto de enfadarme un poco porque realmente, no era necesario.
En segundo lugar el guión es demasiado obvio en su discurso en contra del Opus. Es tan obvio que se vuelve burdo. Creo que simplifica demasiado el asunto y eso le resta fuerza en su argumentación porque creo que no retrata a sus miembros como personas, si no más bien como entes. No es creible tanta falta de delicadeza o sensibilidad. Obviamente, creo que en el fondo de la pelicula se muestran cosas importantes y que son reales, pero se le va tanto la mano que acaba siendo de nuevo tramposo y de hecho contraproducente. Cuando una verdad se exagera para dotarla de efectismo, se convierte en increible y por tanto, le resta argumentos. Si no fuera por su tramposo guión, probablemente estariamos ante una gran pelicula.
En todo caso, Camino se trata de la mejor pelicula española que he visto en meses y creo que es recomendable, porque desde su simplismo introduce un tema de debate muy interesante y que nunca ha sido tratado con seriedad en el cine.

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Camino (2.008)
Guión y Dirección: Javier Fesser
Fotografía: Alex Catalán
Dirección Artística: César Macarrón
Interpretes: Nerea Camacho, Carme Elias, Mariano Venancio, Manuela Vallés

24 hours party people

2009-04-24T20:35:00.000+02:00

Cuando veo una pelicula de Michael Winterbottom, a veces no se si es que el tio es muy bueno o es un tio sin personalidad. Me explico, el estilo de este director ingles es precisamente... que no tiene estilo. Es un tío que no tiene firma ni rasgos característicos. Te puedes encontrar con películas de denuncia con una estética casi documental (In this World o Road to Guantanamo), peliculas de ciencia ficción (Código 46), de época (Jude) o dramas con una potencia visual brutal (I want you o Wonderland). Aunque bien pensado, la verdad es que, la mayoría de las veces, me parece que tiene talento :)
Creo que es un talento increible saber dar el tono, tanto estético como rítmico como estilístico a cada historia y Winterbottom casi siempre suele acertar. En este post voy a hablar de la que probablemente es su película más memorable y también la más afamada: 24 Hours Party People.
Y para hablar de ella, teneis que escuchar esto mientras leeis (lo se, lo se, tendría que haber puesto Transmission, pero mis gustos son mis gustos):

24 hours party people es una gran película, en primer lugar porque me parece un espectáculo bien rodado (una estética retro visual muy brillante), bien montado, bien contado y que retrata muy bien toda una época. En segundo lugar, porque la época que retrata resulta que es fascinante. La película trata de contar como surgió, se consolidó y cayó el movimiento músical que surgió a finales de los 70 y que se prolongó hasta finales de los 80 en la ciudad de Manchester y que probablemente ha sido el más influyente de la música contemporanea de los últimos treinta años. Bandas como Happy Mondays, 808 State o The Buzzcocks inventaron una nueva forma de hacer y sentir música que se prolongó en los 80 con bandas tan emblemáticas e influyentes como The Smiths y The Stone Roses. Un movimiento que coincidió con la creación de una nueva forma de vida, la invención de las raves, la popularización de las pastillas y el ácido y teniendo todo ello como epicentro The Hacienda (y el sello Factory Records), la discoteca, templo absoluto de lo que en aquella época se conocía como Madchester. Su rastro fue clave para la concepción de la música electrónica como hoy la conocemos (el house), en la formación de la movida madrileña, los New Romantics o en el movimiento revival post-punk que protagonizan grupos como Interpol o Editors hoy en día

Pero sobre todas las cosas es la época de la que probablemente es la banda más emblemática, mítica e influyente del rock contemporaneo: Joy Division. Pocas veces una banda ha hecho tanto con tan poco ya que su carrera se vio truncada por el suicidio de su cantante, Ian Curtis, a los 23 años y justo cuando comenzaban a saborear el éxito y a punto de comenzar su primera gira por los Estados Unidos (historia que de por si ha dado para una pélicula entera: "Control"). En todo caso, su legado musical lo recogió el resto de la banda para refundarse como New Order, banda fundamental y maravillosa que algún día se merecerán un post entero.

En definitva, película muy recomendable, y no solo por sus valores cinematográficos, que los tiene, sino para entender un poquito que pasó entonces y de donde viene la música británica de hoy en día.
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24 hours party people (2.002)
Dirección: Michael Winterbottom
Guion: Frank Cottrell Boyce
Fotografía: Robby Müller
Interpretes:Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro, Lennie James

El Topo

2009-04-12T19:00:00.000+02:00

La verdad es que mi contacto con el movimiento pánico y todo lo que le rodea ha sido escasa o casi nula. Lo que conozco de él lo se más por lo que he leído que por lo que he visto y sentido. Lo cierto es que debido a la triste imagen que transmiten hoy Fernando Arrabal y Alejandro Jodorowsky podría ocurrir que de entrada prejuzgara al movimiento en si. Por ello, me he propuesto indagar un poco en el tema y una forma atractiva de hacerlo es a través de las tres películas que Jodorowsky filmó en su época de esplendor en los 70.
De ellas, elegí para empezar la que probablemente tiene el aura de ser su mejor película, "El Topo". Aúnque pueda sorprender a primera vista, El Topo es un spaguetti Wenstern protagonizado por un pistolero que da nombre a la película.

Desde luego, lo primero que hay que aclarar es que el que espere ver una película convencional, puede elegir cualquier otro título, porque si hay una palabra que NO define esta pelicula es "convencional". El Topo es una obra megalomana en todos los sentidos, tanto por su tono bíblico o cercano a la epopeya griega como por el hecho de que la dirección, guión, música e interpretación son realizadas por el propio Jodorowsky. La película, de una manera somera, trata de un pistolero, que bajo los influjos de una mujer decide enfrentarse a los cuatro pistoleros más lejendarios. A partir de esta trama que podría ser la de cualquier western italiano de serie Z se esconde una pelicula absolutamente iconoclasta que va de lo ridiculo a lo sublime en cuestión de un minuto.
El Jodorowsky director la verdad es que no deja una gran impronta. Visualemente esta excesivamente influenciado por los westerns italianos de Sergio Leone y dota a la película de una estética feísta poco brillante, llena de suciedad y zooms. Eso junto a los estragos pop del diseño de producción le dan una imagen bastante trasnochada.

Más interesante es el Jodorowsky guionista que establece un guión que debe ser la quinta-esencia del pánico (al menos así lo presumo yo... ¿Hay algún experto en la sala?). La historia contiene toques de humor, drama y surrealismo que llevan todas las situaciones al borde del absurdo cuando no del ridículo. Por ello, se enlazan momentos muy brillantes con un trasfondo ideológico brutal junto con otros que no buscan nada más allá de la pura provocación. Además, ciertro trasfondo New Age sobre el "buen salvaje" que subyace en el mensaje de la película hoy se han quedado en puro naif.
Mención a parte merece la concepción de cada uno de los cuatro pistoleros legendarios, que valen por si solos la película y que tienen unos toques de ironía brutal que no deja títere con cabeza.
En definitiva, una pelicula que ni mucho menos es perfecta, con una dirección bastante gris, pero que en el interior alberga una bomba-panfleto de relojería repleto de ironía, surrealismo y provocación rozando casi a cada plano el ridiculo, que afortunadamente casi siempre (solo casi siempre) consigue bordear. En fin, quien quiera emociones fuertes, que sea bienvenido.

Mi próxima parada en el mundo Jodorowsky, Fando y Lis, con guión de Arrabal, ya os contaré que tal la experiencia ;)

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El Topo (1.970)
Guión y Dirección: Alejandro Jodorowsky
Fotografía: Rafael Corkidi
Música: Nacho Mendez y Alejandro Jodorowsky
Interpretes: Alejandro Jodorowsky, Mara Lorenzio, Héctor Martínez, Robert John

Pozos de Ambición

2009-04-06T21:20:00.000+02:00

Es curioso que tan solo 14 posts y 3 meses y pico despues, Paul Thomas Anderson sea el primer director que repite en el blog. Tal vez, demasiado poco tiempo para que me repita, pero lo cierto es que si tenía que empezar repitiendo por alguien, Anderson es una buena opción.
Como ya dije en un post anterior, P.T. Anderson es probablemente uno de los directores "jovenes" más talentosos y brillantes que trabajan en la actualidad en Hollywood. Su carrera, aunque corta, esta plagada de grandes peliculas. Seguramente, Pozos de Ambición es su obra más ambiciosa, compleja y mejor acabada desde Magnolia y probablemente es el punto más alto de su carrera hasta la fecha.
La forma más rápida de entender como va a ser esta película se puede obtener a la perfección viendo su primera escena (me permitiré el lujo de contarla, ya que es la primera :) ) en la que vemos al protagonista (Day Lewis) escavando en una mina. En esa primera escena queda reflejado el estilo narrativo que llevará toda la pelicula. En ella se nos traza un perfil completo del personaje mostrandonoslo en sucesos aparentemente intrascendentes (o no) de tal manera que podemos observar su soledad (absoluta y buscada durante todo el film), su tenacidad a prueba de bombas y cual es su escala de valores. Esta primera escena es brutalmente austera narrativamente, hermosamente fotografiada, pero sin grandes alardes y nos adelanta un poco la grandilocuencia del relato así como el uso brillante, casí mágico, del poder de la elipsis. Esta pelicula desliza e insinua las situaciones, pero el relato casi siempre ocurre en off. En ese sentido, a Anderson le bastan diversas pinceladas, estrategicamente colocadas para mostrarnos un fresco completo de los pioneros americanos.
Mención a parte merece Daniel Day Lewis que vuelve a demostrar que se trata del actor más camaleonico y brillante de la actualidad construyendo un personaje a su medida, megalomano, miserable e histriónico (aunque a veces un poco demasiado).

La pelicula trata muchos temas importantes y se convierte poco a poco, a lo largo de su metraje, en un anti-western con una visión bastante desmitificadora de aquellos pioneros que "construyeron" America. Pero esos temas que trata son más sugeridos que masticados, lo cual deja la puerta abierta a muchas interpretaciones. Su premeditada abstracción y equidistancia da una riqueza de matices y lecturas que la convierte en una obra sumamente compleja.
Si bien no creo que sea el único tema de la pelicula, si que es cierto que la relación del protagonista con el joven reverendo milagrero (Paul Dano) es la que vertebra el relato. En ella se reflexiona sobre la relacion existente entre el poder y la religión y como ambas se utilizan mutuamente para la perpetuación.

La película posee varios referentes claros, si bien el más obvio sea Ciudadano Kane ya que al final esta es la historia de alguien que empieza solo, vive rodeado de gente toda su vida, pero acaba muriendo solo de nuevo (y el hecho es que la referencia no solo está en el relato).
También se pueden destacar la espectacular fotografía de la película (lo cual no es una sorpresa en Anderson) así como una abstracta y enigmática banda sonora.
En definitiva, una pelicula para paladares curtidos, de largo metraje con un nivel de abstracción tanto formal como narrativo alto (lo cual fuerza al espectador a estar alerta y siempre concentrado) pero que alcanza cotas mayusculas en algunos momentos. Si algo se le puede achacar es cierta grandilocuencia y megalomanía, pero, ¿Acaso no son así todas las obras maestras?

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There will be blood (2.007)
Guión y Dirección: Paul Thomas Anderson (Basado en la novela de Upton Sinclair)
Fotografía: Robert Elswit
Música: Johnny Greenwood
Interpretes: Daniel Day Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'connor, Ciaran Hinds

El caballero Oscuro

2009-03-26T23:00:00.000+01:00

Lo cierto es que siempre me ha gustado el personaje de Batman, la imaginería, el mito, la estetica, todo lo que lo rodea. Siempre me ha parecido el superheroe más atractivo de lejos. Incluso la hoy naif visión de Tim Burton me encanta.
Y si hay algo que me guste más que el mito de Batman es Christopher Nolan, que probablemente, junto a P.T. Anderson son los dos directores jóvenes americanos más potentes del momento. Es trabajo de este chico es portentoso, su manejo del ritmo, de la narración, de la estetica con sentido narrativo, la musicalidad. En definitiva Nolan es un superdotado que cuenta por maravillas cada una de sus películas.
Por ello, de juntar Batman+Nolan no podía salir algo malo. Y afortunadamente así ha sido. Si ya en la primera entrega de Batman según Nolan se pudo observar que la primera intención del director fue la de dotar al personaje de una mayor profundidad y carga drámatica, es en esta segunda entrega donde la propuesta alcanza cotas supremas.

El Caballero Oscuro es, probablemente, la mejor pelicula de superheroes que jamas se haya hecho. Y la razón principal es que es la primera de su estirpe qeu es 100% adulta con todo lo que ello implica: Personajes bien perfilados, con profundidad psicológica, una trama compleja y trabajada y sobre todo un abandono total de cierto maniqueismo que acompaña las peliculas de superheroes en el que los buenos son buenisimos e intachables y los malos son aborrecibles. Es, en este último punto donde la película podría catalogarse de radical.
Desde el punto de vista técnico la pelicula contiene a la perfección la quinta-esencia de lo que es Christopher Nolan. Sobriedad formal con una fotográfia cuidadisima, dinamismo en la cámara que recuerda al mejor Kubrick, manejo perfecto del ritmo (que no de la velocidad) con un uso admirable de la banda sonora y sobre todo un manejo de cirujano a la hora de desarrollar la trama.
Sin embargo, por lo que El Caballero Oscuro es especial no es por todo lo anterior, si no por su propuesta radical que se capitaliza en el personaje de El Jocker

Nolan hace una revisión tanto de lo que es el concepto de superheroe, como lo que son los resortes y maquinaria de justificación de la lucha "anti-terrorista" cuya lectura esta completamente vigente en este mundo post 11 de septiembre en el que vivimos. Por un lado se ataca la maquinaria politica y sus herramientas de autojustificación y por otro, apuesta por reducir la frontera entre heroe y villano planteando una relación simbiotica en la que, como es obvio no pueden vivir el uno sin el otro. Además, en el personaje del Jocker se va mucho más allá. No solo porque el inevitable atractivo que posee (en parte por la excelente actuación de Heath Ledger) puede llegar a confundir al espectador, sino porque su planteamiento es completamente radical. Se trata de un no-personaje, sin justificaciones, sin razones, sin racionalidad en sus acciones (a la altura de otro radical como Haneke) cuyo único sentido es el caos y su relación de "amor", más que odio con Batman

Algunos han acusado a Nolan de cierta "apología del terrorismo" por su magnetico retrato del "terrorista" pero, como ocurre con Haneke, creo que el objetivo no es ese, sino más bien, remover al espectador colocandole enfrente de si con el resultado de cierta vanalización de la violencia imperante y cierta transigencia respecto a herramientas estatales para controlarla.
El objetivo del Jocker es el caos por el caos y la pelicula misma le acompaña, partiendo de un robo a un banco contado con la precisión de un Kubrick en "Atraco Perfecto" y acaba sumida en una espiral caótica de acontecimientos que nos trae imagenes a la cabeza de recientes acontecimientos en los EE.UU. como el Huracan Katrina o el 11-S. Y es que, en esta película todo esta medído a la perfección.
Si alguna pega hay que ponerle, sería la precipitada incorporación del personaje de Dos Caras y un final tal vez, excesivamente timorato. Como si al final y tras más de dos horas, Nolan se arrepintiera de haber llegado tan lejos. Entre medias, posiblemente una de las mejores películas que se han rodado en lo que llevamos de siglo.

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The Dark Knight (2.008)
Dirección: Christopher Nolan
Guión: Jonathan Nolan y Christopher Nolan
Fotografía: Wally Pfister
Musica: Jame Newton Howard y Hans Zimmer
Interpretes:Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal

Perdidos

2009-03-12T20:18:00.000+01:00

Este post va a ser el primero del blog en el que ni voy a hablar de una pelicula, ni de una banda de música... pero bueno, tampoco me alejo tanto porque voy a hablaros de una serie de telévisión. Y que mejor manera de abrir esta nuevo "capítulo" que con Perdidos, seríe mítica, polémica, amada y odiada, todo ello a partes iguales.

La verdad es que nunca he sido un asiduo seguidor de series. Nunca he tenido la paciencia como para aguantar ese ritmo constante que necesitan... y más antes, cuando además tenías que adecuarte a un horario fijo e inamovible. Han sido pocas las series que me han marcado, la verdad. Vi tres temporadas de Los Soprano y la abandoné, Expediente X la seguí algún tiempo pero me cansó... así hasta un largo etcetera.
Realmente la única serie que me ha apasionado de verdad es Twin Peaks, lo que pasa es que claro, David Lynch es otro tema que se merece un post propio :)

En fin, la cosa es que empece a ver Perdidos hace cosa de un año desde el primer episodio (la serie comenzó a emitirse en 2004) y la verdad es que me enganchó desde el momento en que vi abrirse el ojo de Jack Shephard en medio de una isla vestido con su traje casi sin arrugar.
En cosa de tres meses me vi todos los episodios anteriores y desde entonces la sigo capitulo a capitulo siguiendo el ritmo de emisión de la ABC norteamericana.

La pregunta del millón es, ¿Qué tiene de especial Perdidos? Hay mil y una razones por las que creo que se trata de una de las mejores series que se han hecho en la historia de la televisión, pero se podrían resumir en una sola. Es distinta.
Y es distinta por muy diversas razones. En primer lugar, porque tiene una estructura perfectamente diseñada. Y es que ese entramado narrativo no es gratuito ni fortuito. La serie nos cuenta las andanzas de una serie de personajes a los que los avatares del destino les han colocado en medio de una isla desierta. Cuando los conocemos, no sabemos nada de ellos. Será a través de una serie de flash-backs insertados en cada uno de los episodios a través de los cuales vayamos conociendolos. Y claro, esas vivencias pasadas no son gratuitas y te permiten contrastar o remarcar algunas actitudes presentes a partir de acciones pasadas. En fin, básicamente, brillante.
Además, es una serie que se permite el lujo de tomarse su tiempo. A cada personaje se le acaba conociendo perfectamente, con sus fortalezas y debilidades, están perfectamente definidos y son perfectamente reconocibles. Esta es de las pocas series que se puede tomar un episodio entero para que conozcamos porque un personaje tiene miedo a algo, o le gusta otra cosa o porque se comporta de una manera incomprensible a priorí.

Por último, creo que la realización de la serie es sobresaliente. Es una producción 100% cinematográfica con una fotografía, musica y montaje cuidadisimos y que mantiene la homogeneidad a pesar de los varios directores que han pasado por ella. Es como que tiene la firma Lost impregnada.
Todo lo anterior junto logra crear escenas y episodios completos que son obras maestras del audiovisual. Episodios como el episodio Piloto, Through the looking Glass o The Constant son buena prueba de ello.
Podríamos hablar horas sobre si la trama es creible, si es tramposo el planteamiento de sus misterios... pero lo cierto es que sus episodios son hermosos y tienen una intensidad dramatica tremenda. A mi al menos me emocionan y aún hoy me siguen emocionando y conozco a sus personajes como a uno más. Si os atreveis a ver 12-15 episodios... o no la dejareis... o la odiareis para siempre :)

El viento que agita la cebada

2009-02-20T20:18:00.000+01:00

Ken Loach es un clásico tanto de las peliculas "políticas" como de las peliculas "politicamente correctas". Militante de izquierdas confeso, tiene una larga carrera plagada de peliculas sociales y de denuncia. Cintas como Ladybird, Ladybird, Lloviendo Piedras (probablemente su mejor pelicula), la Canción de Carla o Tierra y Libertad lo demuestran. En ese sentido, El viento que agita la cebada no aporta nada nuevo, ya que sigue al pie de la letra esos parámetros. De hecho, ni siquiera es la primera vez que toca el conflicto irlandes (brillante aportación tuvo con su "Agenda Oculta"), si bien esta vez lo trata desde otra perspectiva, la histórica.
La pelicula trata del conflicto a principios de siglo, epoca en la que el IRA se forma, no como grupo terrorista, si no como ejercito de lucha contra la ocupación.
El planteamiento es interesante porque intenta reflexionar un poco sobre lo que son los mecanismos de justificación de la violencia por parte del que la utiliza. En ese sentido, sus reflexiones pueden ser extrapolables a cualquier conflicto de similares caracteristicas (a todos nos viene en seguida uno a la cabeza, claro).

Además, en cierto momento de la pelicula hay un giro argumental que hace aún más interesante la reflexión, ya que se eliminan las fronteras sobre lo que es justificable y lo que no. ¿Donde acaba la legítima defensa y comienza la violencia gratuita? ¿Todo es justificable?
Todas estas preguntas y reflexiones se lanzan de una manera eficaz y sin caer en la sensiblería y en lo facil.
Eso si, contiene un par de problemas que acompañam a toda la filmografía de Loach, y esto es, por un lado, cierto dogmatismo y un poquito de demagogia. En ciertos momentos, manipula la historia para llevarnos hacia el terreno que más le conviene, lo cual en algun caso hace menos profunda la reflexión. Por otro, cierta frialdad que le aleja de los personajes. Ken Loach es mejor hablando de "ideas" que de "personajes".

En todo caso, estas sombras no eliminan la fuerza de las ideas que plantea, de la historia (un pasaje clave de la historia europea del siglo XX) que cuenta y lo interesante que me resulta esa reflexión sobre los mecanismos de la violencia y los caminos que utiliza para su auto-justificación.

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The wind that shakes the Barley (2.006)
Dirección: Ken Loach
Guión: Paul Laverty
Fotografía: Barry Ackroyd
Interpretes:Cillian Murphy, Padraic Delaney, Liam Cunningham, Orla Fitzgerald

Electroma

2009-02-13T21:08:00.000+01:00

Daft Punk son conocidos como banda especializada en música de baile. Canciones como "Harder,Better, Faster, Stronger", "One more time" o "Aerodinamic" junto con una puesta en escena en sus conciertos absolutamente apabullante les han convertido en unos de los grandes popes de las pistas de baile. Si bien detrás de Daft Punk hay mucho más que solo música de baile. El proyecto que protagonizan Thomas Bangalter y Guy Manuel de Homem-Christo es algo que abarca mucho más. Daft Punk esta pensado como un proyecto multi-disciplinar. No solo hacen música, sino que dirigen sus propios videos, controlan el diseño de cada uno de sus nuevos CDs, diseñan la puesta en escena de sus conciertos, la escenografía, la iluminación, su atuendo robotico... Todo para construir una propuesta conceptual en la que ellos son dos robots (nunca se ha visto sus caras en público, en cada concierto actuan con sus inseparables cascos) y que pretende introducir una reflexión bastante más profunda de lo que pudiera parecer a primera vista.

Un punto culminante de este proyecto se produjo hace un par de años cuando estrenaron en el Festival de Cannes su primer largometraje, llamado Electroma y que es la culminación del album publicado un año antes "Human After All". Los protagonistas de la película son los propios Daft Punk (si bien no están interpretados por ellos mismos) en su viaje iniciatico por el planeta Tierra. Es una pelicula que no está pensada para el circuito de cine comercial y de hecho, jamás se estrenó en los cines españoles.
Se trata de una film nada convencional. No tiene dialogos y su ritmo lo marca una potente y hermosa banda sonora que no deja de sonar en ningún momento, en la que predominan las melodías atmosféricas y que, paradojicamente, no contiene ni un solo tema compuesto por Daft Punk. En este largo, la narrativa cede paso a la poesía con una fotografía y un diseño brillante (su imaginería recuerda a titulos como THX 1138). Apenas dura 70 minutos y funciona en un crescendo continuo que culmina poco a poco en un canto a la libertad y a la amistad por encima de todo.

Tal vez su frialdad, su ritmo hipnótico y su propuesta radical puede echar para atras a más de uno, pero para los que aguanten el envite les espera una hermosa fábula creada para paladares exquisitos.
Ahora la espectación rodea a su primer albúm de estudio desde Human After All y que se ha anunciado para el próximo septiembre. ¿Daft Punk se convertirán en humanos como insinuaban sus últimos proyectos?

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Electroma (2.006)
Guión y Dirección: Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo
Fotografía: Thomas Bangalter
Montaje: Cedric Hervet
Interpretes:Peter Hurteau, Michael Reich, Helena Stoddard, Vance Hartwell

Ivan Ferreiro

2009-02-13T20:01:00.001+01:00

Hace unas semanas tuve la suerte de ir (de rebote) al concierto que Ivan Ferreiro dió en VistaAlegre y fue una estupenda ocasión para recordar cuanto me ha gustado y me gusta este tio.
Gran parte de la banda sonora de mi vida tiene la voz de Ivan. Primero con Los Piratas, el que probablemente sea el mejor grupo español que yo he conocido, que editó grandes discos (principalemente dos obras maestras, Manual para los Fieles y Ultrasonica), pero que sobre todo creó canciones que han ido ligadas al desarrollo de mi vida: Te Echaré de menos, M, Promesas que no valen nada, El Equilibrio es Imposible, Jugar con los Coches, Mi coco... podría citaros al menos otra decena más.
Ivan tiene la capacidad de dotar de un dramatismo brutal a las canciones. No es que cante bien, es que transmite como nadie. Si a eso le unimos unas letras estupendas, directas pero poéticas, y unas instrumentaciones potentes y en algunos momentos opresivas y angustiosas, surgen canciones memorables. Como por ejemplo esta, menos conocida pero mágica y dramática como pocas y que además a más de uno os recordará alguna que otra cosa ;)

Desde la separación de Los Piratas, el testigo de la banda lo tomó Ivan en solitario. Desde aquel entonces, Ivan ha editado tres albumes. Lo cierto es que, nada ha vuelto a ser como fue... en el sentido de que ninguno de sus albumes en solitario ha llegado a tener la redondez de Piratas, pero también es cierto que aún sigue teniendo la capacidad de crear canciones que nadie en España es capaz de igualar. Ivan habla como nadie del amor (casi siempre del desamor) diciendo las cosas más bonitas, pero sin que sean cursis al estilo Oreja de Van Gogh ;)
En fin, que si alguna vez tuviera que recomendar una canción en español a un amigo... tendría la voz de Ivan, sin duda.
Ahí os dejo unas cuantas muestras de lo mejor de Ivan en solitario.

No es país para viejos

2009-01-30T02:25:00.000+01:00

He seguido con bastante fidelidad la carrera de los hermanos Coen (con alguna notable laguna en los últimos años, ciertamente) pero la verdad es que estos tipos siempre me han divertido. Tienen peliculas fantasticas (como El Gran Salto) junto con peliculas que no lo son tanto. En general, es muy interesante ver como son capaces de enlazar situaciones sacadas casi del absurdo en tramas bien urdidas. Es cierto que sus peliculas pierden en calidad e interes cuando se miran demasiado al ombligo, pensando más en el chascarrillo y la gracieta y se olvidan de contarnos algo.
Precisamente, las cotas máximas de su carrera las han conseguido en sus ejercicios de máxima austeridad. Y precisamente No Es Pais Para Viejos es de este último típo de peliculas de los Coen. Claramente entroncando con Fargo.
¿Por que No Es Pais Para Viejos es una buena pelicula? Porque la sequedad con la que esta contada la historia le da un poder de atracción y de removimiento tremendo. Además de que es exactamente el modo de narración que pide la historia. Es casí como si la película hubiera sido dirigida por el asesino que encarna Javier Bardem en la pelicula.

Esa frialdad narrativa, casi de cirujano creo que le da un empaque y un poder de impacto mucho mayor a la pelicula. Es brutal, pero no se regodea, si no que lo es de la manera en que lo podría ser una autopsia.

Además, también en esta pelicula nos volvemos a encontrar a los Coen más provocadores y experimentales que se habían perdido en los últimos tal vez 5-10 años. Porque de experimental se puede catalogar esa alabanza a la deconstrucción que es la destrucción absoluta de la trama que se produce después de más de una hora de elaborado guión.
Y es que el relato es el McGuffin de esta pelicula en la que tiene mucho más peso el experimento formal y la reflexión pseudo naturista a la que hace referencia al titulo y que justifica la presencia del personaje de Tommy Lee Jones.
En definitiva, pelicula altamente recomendable que nos reencuentra con los mejores Coen. Una pena que en ella hayan renunciado al surrealismo marca de la casa y que con las pinceladas adecuadas hubiera elevado a ésta a la altura de la aún, hoy por hoy, mejor película de estos chicos. Fargo.

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No country for old men (2.007)
Guión y Dirección: Joel Coen y Ethan Coen
Musica Original: Carter Burwell
Interpretes:Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Kelly MacDonald