No es país para viejos

He seguido con bastante fidelidad la carrera de los hermanos Coen (con alguna notable laguna en los últimos años, ciertamente) pero la verdad es que estos tipos siempre me han divertido. Tienen peliculas fantasticas (como El Gran Salto) junto con peliculas que no lo son tanto. En general, es muy interesante ver como son capaces de enlazar situaciones sacadas casi del absurdo en tramas bien urdidas. Es cierto que sus peliculas pierden en calidad e interes cuando se miran demasiado al ombligo, pensando más en el chascarrillo y la gracieta y se olvidan de contarnos algo.
Precisamente, las cotas máximas de su carrera las han conseguido en sus ejercicios de máxima austeridad. Y precisamente No Es Pais Para Viejos es de este último típo de peliculas de los Coen. Claramente entroncando con Fargo.
¿Por que No Es Pais Para Viejos es una buena pelicula? Porque la sequedad con la que esta contada la historia le da un poder de atracción y de removimiento tremendo. Además de que es exactamente el modo de narración que pide la historia. Es casí como si la película hubiera sido dirigida por el asesino que encarna Javier Bardem en la pelicula.


Esa frialdad narrativa, casi de cirujano creo que le da un empaque y un poder de impacto mucho mayor a la pelicula. Es brutal, pero no se regodea, si no que lo es de la manera en que lo podría ser una autopsia.

Además, también en esta pelicula nos volvemos a encontrar a los Coen más provocadores y experimentales que se habían perdido en los últimos tal vez 5-10 años. Porque de experimental se puede catalogar esa alabanza a la deconstrucción que es la destrucción absoluta de la trama que se produce después de más de una hora de elaborado guión.
Y es que el relato es el McGuffin de esta pelicula en la que tiene mucho más peso el experimento formal y la reflexión pseudo naturista a la que hace referencia al titulo y que justifica la presencia del personaje de Tommy Lee Jones.
En definitiva, pelicula altamente recomendable que nos reencuentra con los mejores Coen. Una pena que en ella hayan renunciado al surrealismo marca de la casa y que con las pinceladas adecuadas hubiera elevado a ésta a la altura de la aún, hoy por hoy, mejor película de estos chicos. Fargo.

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No country for old men (2.007)
Guión y Dirección: Joel Coen y Ethan Coen
Musica Original: Carter Burwell
Interpretes:Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Kelly MacDonald

The Killers - Day and Age

The Killers se estrenarón alla por el 2004 con uno de los mejores discos de la decada (en mi opinión, claro) que es Hot Fuss. A pesar de que la banda procede de Las Vegas, por su estilo e influencias rapidamente se le encuadró en una nueva ola de bandas británicas junto con otras como Franz Ferdindand. Su éxito fulgurante con temazos como "Take me Out", "Mr. Brightside" o "Smile like you mean it" fue en parte una trampa para ellos.
Catalogados por la prensa como "El mejor grupo inglés de los EE.UU.", la reacción del grupo fue intentar volver a sus raices para intentar sonar más "genuinamente americanos". El resultado de esto fue su segundo albúm, Sam's Town. Este segundo disco, si bien tiene algunas canciones estimables ("When we were young" o "For Reasons Unknown") es sin duda un disco fallido. The Killers son brillantes cuando suenan a The Killers y desgraciadamente para ellos, eso en nada se parece a Bob Dylan.
Afortunadamente, parece que su nuevo y tercer disco, "Day and Age" pretende volver a su sonido original. Eso si, probablemente se les haya ido la mano. Si en el disco anterior, pretendieron ir de tipos duros y no les salió la jugada, "Day and Age" es el reverso "blandito" de Hot Fuss. The Killers nunca han sido la banda más dura del mundo, pero en Hot Fuss si que había un par de canciones un poco más gamberras y rockeras.

Lo bueno es que, salvo eso, "Day and Age" suena a puro Killers. Y eso significa emotividad a tope (que otros llamarían pastel ;) ) y unas canciones grandiosas. Para muestra, un ejemplo:



En definitiva, el album reune lo mejor de estos chicos: teclados ochenteros, guitarras, el toque justo de megalomanía y unos estribillos infecciosos que a mi se me meten en la cabeza con una facilidad pasmosa. En definitiva, un grupo 100% recomendable y un album ideal para mejorar el estado de ánimo.
Eso si, para mi desgracia, su concierto en Madrid el próximo Marzo agotó las entradas en menos de una hora, así que seguiré teniendo el verles en directo como asignatura pendiente.

Funny Games

El hecho de que la versión americana haya estado en boca de todos en los últimos meses creo que era una excusa perfecta para adentrarme en el mundo de Michael Haneke, director austriaco que lleva veinte años siendo el francotirador de la vieja Europa. Y que mejor para comenzar ese viaje que precisamente la versión original austriaca de este título.
Haneke es un director completamente inclasificable y que, hasta su salto al otro lado del charco este año (aunque, eso si, con, probablemente, su gesto más provocador hasta la fecha y que merece un post a parte) ha navegado libremente realizando peliculas pequeñas, baratas pero que habitualmente son disparos secos y certeros en la sien de las conciencias.
La violencia es el tema central de su filmografía en la que abundan titulos en los que reflexiona sobre las distintas dimensiones que tiene este fenomeno. Funny Games es un heredero directo de su anterior película "El video de Benny" (1992) que desde aquí también recomiendo.
En el título que nos ocupa, su reflexión gira en torno a la banalización de la violencia existente en una sociedad en la que estamos acostumbrados a ver muertos en las noticias o matar a gente en los videojuegos. Realmente es un tema que se puede rastrear en varias peliculas de los últimos años, pero la reflexión de Haneke es un poco especial comparada con otras.
En Fanny Games no se pretenden enunciar causas o analisis psicológicos, no se pretenden dar soluciones y mucho menos, se pretende enjuiciar. Haneke no es amigo de peliculas enunciativas qeu te digan lo que debes pensar. Él es especialista en, como decía, dar bofetadas en la cara. Lo que pretende es alterar al espectador, indignarle, enfadarle, hacerse removerse en su asiento para que de esta manera, del propio espectador surja la reflexión.
Funny Games es brutal, cruda y descarnada. No os espereis violencia gratuita (aunque si explicita) ni melodrama barato (aunque si situaciones al limite). La narración es seca y concisa, sin florituras (aunque posee un plano-secuencia de varios minutos memorable en el salón con un simple plano fijo).
La pelicula es cruda y violenta, pero el director no pretende utilizarla. Provocar con violencia explicita sería lo facil. Haneke provoca retando al espectador, poniendole delante de sus ojos el juego, enseñandole las cuerdas de las marionetas pero sin ello restarle un ápice de crudeza a las situaciones. Incluso, en varios momentos, los protagonistas interactúan con el espectador... como el mítico momento del guiño de Paul a cámara que sin duda debió escandalizar a más de un académico.


El asunto es que Haneke dice, esto es un juego, tu y yo lo sabemos, pero... ¿Eso hace la violencia menos terrible?
Pelicula sin duda alguna imprescindible. Sin moralinas ni discursos, pero con un mensaje increiblemente poderoso, con una narrativa muy depurada y con unas interpretaciones perfectamente medidas. Eso si, como ocurre con la mayoría de peliculas europeas minoritarias que llegan a España, el doblaje es lamentable así que por favor... versión original

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Funny Games (1.997)
Guión y Dirección: Michael Haneke
Fotografía: Jürges Jürges
Interpretes:Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch, Frank Giering

Brick

Esta es sin duda una pequeña sorpresa. Se trata de la opera prima de su director, Rian Johnson y es un intento de adaptar una trama del más puro cine negro americano (con sus gansters, asesinatos y heroes oscuros) al mundo de los institutos americanos.
A pesar de tratarse de una pelicula que ganó el premio especial del jurado en Sundance 2005, en España se estrenó de tapadillo en un par de cines en el año 2007 y no fue hasta hace unas semanas cuando cayó en mis manos.
Antes de nada, hay que advertir que Brick no se trata de una película perfecta. Tiene algunos defectos típicos del cine primerizo, entre los que destaca un cierto ritmo irregular que no le hace ningún favor a una pelicula gelida y concisa cual corte de un cirujano. En estas circunstancias, un muy medido control del ritmo se hace esencial y es cierto que la pelicula decae en algunos momentos.
Sin embargo, la razón que ha hecho que aparezca aquí (donde solo aparecerán cosas dignas de ser destacadas) es que a pesar de sus defectos me ha parecido una pelicula increiblemente sugerente e inquietante. Y para que quede un poco más claro porque me atrajo esta película al verla solo tendré que deciros cual es el referente e influencia principal de este chico, David Lynch.
Efectivamente, cuando uno esta observando Brick, no puede evitar pensar que esta viendo lo que sería la versión Lynchiana de una pelicula de adolescentes. Eso si, hay que aclarar que me refiero al Lynch de hace unos años, el de Corazón Salvaje o Terciopelo Azul.
Y es que uno puede observar como desfilan por la pantalla ese tipo de personajes lynchianos, oscuros, misteriosos, esos toques de humor surrealista (la madre de The Pin es impagable) y esa dirección artistica que vacía los espacios junto con la utilización de angulares que aumentan la sensación de opresión.
En fin, en todo caso, una pelicula original, entretenida e interesante. Muy recomendable para quien quiera ver una pelicula americana diferente.
Definitivamente, habrá que seguir la pista a este chico.

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Brick (2.005)
Guión y Dirección: Rian Johnson
Fotografía: Steve Yedlin
Interpretes:Joseph Gordon-Levitt, Nora Zehetner, Lukas Haas, Noah Fleiss

Death Proof

A pesar de que Quentin Tarantino esta claro que es un referente de lo que podríamos llamar "modernidad" y de que cuando he tenido la oportunidad de ver algunas de sus obras lo cierto es que las he disfrutado, la verdad es que nunca lo he seguido con especial atención. Me refiero a que si me encuentro con alguna de sus peliculas la veo, pero tampoco hago grandes esfuerzos por buscar la oportunidad (prueba de ello es que Jackie Brown sigo sin haberla visto).
La cosa es que hace poco calló en mis manos su último trabajo. A primera vista podría parecer éste un trabajo menor, de genero y casi anecdotico. Sin embargo creo que este film tiene suficientes virtudes como para que no deba pasar desapercibido.
Detras de esta especie de homenaje (que en Estados Unidos iba unido a Planet Terror de Robert Rodriguez) a las peliculas baratas, las series B y los programas dobles de los años 70 hay una propuesta casi conceptual. Y es que, a pesar de que Tarantino "juegue" a que su pelicula parezca formalmente las peliculas a las que homenajea (fruto de un muy depurado ejercicio de estilo) sin embargo su prupuesta consiste en descomponer la trama, desnudarla y simplificarla hasta su máxima expresión.
Se podría decir que esta pelicula esta formada únicamente por dos escenas. Obviamente, estas dos escenas, que son el corazón de la pelicula, están rodeadas de lo que habitualmente uno espera de Tarantino (chistes ocurrentes, dialogos ingeniosos, juegos de camara), si bien, eso no deja de ser la salsa que acompaña al solomillo que son las dos escenas clave que son la escena del primer accidente y la persecución final de la pelicula.
Estas dos escenas son casi ensayos, tesis doctorales sobre el "palimpsesto" (termino sobre el que volveré en otros posts y que define cierto cine contemporaneo). Tarantino, gran conocedor del cine de la epoca que retrata, planifica dos escenas que son fruto de un muy minucioso y detallado estudio y de un posterior ejercicio de reescritura que lo deja en algo casi conceptual.
En una, planificando hasta 4 veces la misma escena desde distintas perspectivas y en la segunda, creando (según sus propias palabras) la mejor persecución de la historia del cine (y que es una reescritura de la de Bullitt).

En fin, en definitiva, nos encontramos ante una pelicula en la que, realmente, no pasa nada, pero es que finalmente no importa. Y lo mejor de todo es que a pesar de ello, no le quita ni un gramo de interes a la pelicula, que es una gran oportunidad de conocer toda una época y una forma de hacer cine condensada en 90 minutos.

Veremos que nos depara su visión de la Segunda Guerra Mundial que viene en camino

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Death Proof (2.007)
Fotografía, Guión y Dirección: Quentin Tarantino
Dirección Artística:Caylah Eddleblute
Interpretes:Kurt Russell, Zoe Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Sydney Tamiia Poitier

Editors - An end has a start

Editors, sin duda alguna, han sido mi grupo del 2008. Curiosamente, con un album de mediados del 2007, pero su "An end has a start" es lo que más he escuchado durante todo este año 2008. Llego a mis orejas a principios de él y no me ha abandonado en muchos meses.
Alguno se podrá preguntar cual es la causa de ello. Si escuchas a estos chicos uno puede pensar que realmente, no han inventado nada que Interpol no hiciera hace un par de años. Pero lo cierto es que esta banda tienen un algo que las diferencia (a mi parecer, claro) de esa banda que obviamente son su referente. El signo distintivo de Editors se puede definir con una sola palabra: "Intensidad"
Su musica se caracteriza por una densidad sonora tremenda. Los muros de guitarras se superponen creando unas atmosferas opresivas en las que casi no hay espacio para nada (casi no cabe ni aire). Si a eso le unimos una cierta tendencia al melodrama en sus canciones el resultado es, como decía, de una intensidad, tanto emocional como sonora, sobrecogedora. Aquí teneis la que, probablemente, es su canción más popular y un gran ejemplo de los que os cuento.



Además, lo que hace aún más grande el albúm es que es realmente compacto. Esto, que parece una tontería, no es nada facil de encontrar últimamente. Me refiero a que se puede oir de principio a fin como un todo. Se percibe una idea, una propuesta global y eso hace que recorras el album con muchisima facilidad. Entra solo.
En fin, un album muy muy recomendable y una banda a seguir. A mediados del 2009 se espera nuevo album para el que un servidor contará las horas. Os dejo con otra de sus mejores canciones.

Amaral

Inaugurando los posts musicales del blog voy a empezar con una banda que siempre me ha hecho sentir sensaciones contradictorias pero de la que sin embargo, nunca he podido evitar tener cierto rollo positivo (vamos que me caen bien).
La verdad es que estos dos chicos no habían pasado ni sin pena ni sin gloria (simplemente, no habían pasado) por mi vida con los dos primeros albumes que editaron. Sin embargo, llegó "Estrella de Mar" allá por el año 2002. Por alguna extraña razón del destino, este disco calló en mis manos y bueno, sin ser el mejor disco del mundo, tenía algunos temas que no estaban mal y que entroncaban con esa vena pastelona-musical que yo tengo (Sin ti no soy nada, Salir corriendo...). Sin embargo, por la que realmente continué oyendo sus albumes posteriores es por una pequeña canción, casi desconocida (ni rastro de ella en sus conciertos) que estaba situada la última del disco. "En un solo segundo" aún hoy creo que sigue siendo la mejor canción que ha hecho Amaral y creo que es muy, muy buena. Como vale más una canción que mil palabras, ahí la teneis para que la disfruteis:



Después de aquello ha habido un par de albumes más que me he molestado en escuchar detenidamente porque, como decía al principio, Amaral tiene una extraña bipolaridad. Por un lado, son capaces de hacer canciones tan insulsas y pijas como "Marta, Sebas y los demás" (¡Son mis amigos!) junto con otras canciones más que apreciables. Desgraciadamente, proliferan más las primeras que las segundas, pero eso si, cuando estos chicos aciertan, tienen auténticas maravillas. Por eso sigo oyendo cada nuevo disco. Tal vez solo encuentro una o dos canciones apreciables por album, pero bueno, con eso nos conformaremos ;)
Para muestra un par de botones...

Magnolia

El otro día volví a verla después de bastante tiempo. Lo cierto es que, si bien perdió algunos puntos en este revisionado (realmente, esto ocurre con el 99% de las peliculas), creo que me sigue fascinando casi tanto como la primera vez que la vi y acabe con la boca abierta.
Esta pelicula es una de las muchas que se han hecho en los últimos años sobre el tema común de la interactuación inconsciente (o no tanto) de la vida de las personas. Peliculas como 21 Gramos, Crash, Babel,...
Si bien, esta es un poco distinta, en primer lugar, por ser de las primeras de esa ola, y en segundo lugar, porque evita un vicio que repiten todas las peliculas mencionadas anteriormente y es que pretenden mostrarnos esa interacción basandose en un hecho extraordinario que sirva como catalizador. Como a alguno de vosotros sabeis, a mi esta idea de las historias que se cruzan me fascina, pero me irrita muchisimo que haga falta un asesinato, o un transplante o que se yo para mostrarlo. Por eso Magnolia me encanta. Magnolia es vida pura y dura sin artificios pero con la emoción a flor de piel.
Mención aparte tiene una de las mejores escenas de la historia del cine (para un servidor), que es aquela en la que todos los personajes cantan un trozito de la canción It's not going to stop de Aimee Mann (podeis oirla más abajo). Esa escena es... puro cine. Probablemente la forma más hermosa que a nadie se le ha ocurrido de unir emocionalmente a un montón de personajes que no tienen nada que ver uno con el otro. La canción, la interpretación, como los planos siempre se acercan más y más a los personajes... todo es perfecto en esa escena.
En definitiva, una pelicula 100% recomendable. Eso si, hay qeu verla sin prisas y sin estar muy depre (es una peli dura aunque transmite un mensaje muy positivo al final).
Igual de recomendable es toda la filmografía de Paul Thomas Anderson, probablemente uno de los cinco mejores directores americanos de la actualidad (Boogie Nights, Puch Drunk Love, Pozos de ambición) y del cual, seguramente volvere a hablar un día de estos.
Para otro día dejaremos lo de la lluvia de ranas...

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Magnolia (1.999)
Guión y Dirección: Paul Thomas Anderson
Fotografía:Robert Elswit
Musica:John Brion y Aimee Mann
Interpretes:Julianne Moore, William H. Macy, John C. Reilly, Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman