jueves, 12 de marzo de 2009

Perdidos

Este post va a ser el primero del blog en el que ni voy a hablar de una pelicula, ni de una banda de música... pero bueno, tampoco me alejo tanto porque voy a hablaros de una serie de telévisión. Y que mejor manera de abrir esta nuevo "capítulo" que con Perdidos, seríe mítica, polémica, amada y odiada, todo ello a partes iguales.


La verdad es que nunca he sido un asiduo seguidor de series. Nunca he tenido la paciencia como para aguantar ese ritmo constante que necesitan... y más antes, cuando además tenías que adecuarte a un horario fijo e inamovible. Han sido pocas las series que me han marcado, la verdad. Vi tres temporadas de Los Soprano y la abandoné, Expediente X la seguí algún tiempo pero me cansó... así hasta un largo etcetera.
Realmente la única serie que me ha apasionado de verdad es Twin Peaks, lo que pasa es que claro, David Lynch es otro tema que se merece un post propio :)

En fin, la cosa es que empece a ver Perdidos hace cosa de un año desde el primer episodio (la serie comenzó a emitirse en 2004) y la verdad es que me enganchó desde el momento en que vi abrirse el ojo de Jack Shephard en medio de una isla vestido con su traje casi sin arrugar.
En cosa de tres meses me vi todos los episodios anteriores y desde entonces la sigo capitulo a capitulo siguiendo el ritmo de emisión de la ABC norteamericana.



La pregunta del millón es, ¿Qué tiene de especial Perdidos? Hay mil y una razones por las que creo que se trata de una de las mejores series que se han hecho en la historia de la televisión, pero se podrían resumir en una sola. Es distinta.
Y es distinta por muy diversas razones. En primer lugar, porque tiene una estructura perfectamente diseñada. Y es que ese entramado narrativo no es gratuito ni fortuito. La serie nos cuenta las andanzas de una serie de personajes a los que los avatares del destino les han colocado en medio de una isla desierta. Cuando los conocemos, no sabemos nada de ellos. Será a través de una serie de flash-backs insertados en cada uno de los episodios a través de los cuales vayamos conociendolos. Y claro, esas vivencias pasadas no son gratuitas y te permiten contrastar o remarcar algunas actitudes presentes a partir de acciones pasadas. En fin, básicamente, brillante.
Además, es una serie que se permite el lujo de tomarse su tiempo. A cada personaje se le acaba conociendo perfectamente, con sus fortalezas y debilidades, están perfectamente definidos y son perfectamente reconocibles. Esta es de las pocas series que se puede tomar un episodio entero para que conozcamos porque un personaje tiene miedo a algo, o le gusta otra cosa o porque se comporta de una manera incomprensible a priorí.



Por último, creo que la realización de la serie es sobresaliente. Es una producción 100% cinematográfica con una fotografía, musica y montaje cuidadisimos y que mantiene la homogeneidad a pesar de los varios directores que han pasado por ella. Es como que tiene la firma Lost impregnada.
Todo lo anterior junto logra crear escenas y episodios completos que son obras maestras del audiovisual. Episodios como el episodio Piloto, Through the looking Glass o The Constant son buena prueba de ello.
Podríamos hablar horas sobre si la trama es creible, si es tramposo el planteamiento de sus misterios... pero lo cierto es que sus episodios son hermosos y tienen una intensidad dramatica tremenda. A mi al menos me emocionan y aún hoy me siguen emocionando y conozco a sus personajes como a uno más. Si os atreveis a ver 12-15 episodios... o no la dejareis... o la odiareis para siempre :)

viernes, 20 de febrero de 2009

El viento que agita la cebada

Ken Loach es un clásico tanto de las peliculas "políticas" como de las peliculas "politicamente correctas". Militante de izquierdas confeso, tiene una larga carrera plagada de peliculas sociales y de denuncia. Cintas como Ladybird, Ladybird, Lloviendo Piedras (probablemente su mejor pelicula), la Canción de Carla o Tierra y Libertad lo demuestran. En ese sentido, El viento que agita la cebada no aporta nada nuevo, ya que sigue al pie de la letra esos parámetros. De hecho, ni siquiera es la primera vez que toca el conflicto irlandes (brillante aportación tuvo con su "Agenda Oculta"), si bien esta vez lo trata desde otra perspectiva, la histórica.
La pelicula trata del conflicto a principios de siglo, epoca en la que el IRA se forma, no como grupo terrorista, si no como ejercito de lucha contra la ocupación.
El planteamiento es interesante porque intenta reflexionar un poco sobre lo que son los mecanismos de justificación de la violencia por parte del que la utiliza. En ese sentido, sus reflexiones pueden ser extrapolables a cualquier conflicto de similares caracteristicas (a todos nos viene en seguida uno a la cabeza, claro).


Además, en cierto momento de la pelicula hay un giro argumental que hace aún más interesante la reflexión, ya que se eliminan las fronteras sobre lo que es justificable y lo que no. ¿Donde acaba la legítima defensa y comienza la violencia gratuita? ¿Todo es justificable?
Todas estas preguntas y reflexiones se lanzan de una manera eficaz y sin caer en la sensiblería y en lo facil.
Eso si, contiene un par de problemas que acompañam a toda la filmografía de Loach, y esto es, por un lado, cierto dogmatismo y un poquito de demagogia. En ciertos momentos, manipula la historia para llevarnos hacia el terreno que más le conviene, lo cual en algun caso hace menos profunda la reflexión. Por otro, cierta frialdad que le aleja de los personajes. Ken Loach es mejor hablando de "ideas" que de "personajes".

En todo caso, estas sombras no eliminan la fuerza de las ideas que plantea, de la historia (un pasaje clave de la historia europea del siglo XX) que cuenta y lo interesante que me resulta esa reflexión sobre los mecanismos de la violencia y los caminos que utiliza para su auto-justificación.

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The wind that shakes the Barley (2.006)
Dirección: Ken Loach
Guión: Paul Laverty
Fotografía: Barry Ackroyd
Interpretes:Cillian Murphy, Padraic Delaney, Liam Cunningham, Orla Fitzgerald

viernes, 13 de febrero de 2009

Electroma

Daft Punk son conocidos como banda especializada en música de baile. Canciones como "Harder,Better, Faster, Stronger", "One more time" o "Aerodinamic" junto con una puesta en escena en sus conciertos absolutamente apabullante les han convertido en unos de los grandes popes de las pistas de baile. Si bien detrás de Daft Punk hay mucho más que solo música de baile. El proyecto que protagonizan Thomas Bangalter y Guy Manuel de Homem-Christo es algo que abarca mucho más. Daft Punk esta pensado como un proyecto multi-disciplinar. No solo hacen música, sino que dirigen sus propios videos, controlan el diseño de cada uno de sus nuevos CDs, diseñan la puesta en escena de sus conciertos, la escenografía, la iluminación, su atuendo robotico... Todo para construir una propuesta conceptual en la que ellos son dos robots (nunca se ha visto sus caras en público, en cada concierto actuan con sus inseparables cascos) y que pretende introducir una reflexión bastante más profunda de lo que pudiera parecer a primera vista.



Un punto culminante de este proyecto se produjo hace un par de años cuando estrenaron en el Festival de Cannes su primer largometraje, llamado Electroma y que es la culminación del album publicado un año antes "Human After All". Los protagonistas de la película son los propios Daft Punk (si bien no están interpretados por ellos mismos) en su viaje iniciatico por el planeta Tierra. Es una pelicula que no está pensada para el circuito de cine comercial y de hecho, jamás se estrenó en los cines españoles.
Se trata de una film nada convencional. No tiene dialogos y su ritmo lo marca una potente y hermosa banda sonora que no deja de sonar en ningún momento, en la que predominan las melodías atmosféricas y que, paradojicamente, no contiene ni un solo tema compuesto por Daft Punk. En este largo, la narrativa cede paso a la poesía con una fotografía y un diseño brillante (su imaginería recuerda a titulos como THX 1138). Apenas dura 70 minutos y funciona en un crescendo continuo que culmina poco a poco en un canto a la libertad y a la amistad por encima de todo.

Tal vez su frialdad, su ritmo hipnótico y su propuesta radical puede echar para atras a más de uno, pero para los que aguanten el envite les espera una hermosa fábula creada para paladares exquisitos.
Ahora la espectación rodea a su primer albúm de estudio desde Human After All y que se ha anunciado para el próximo septiembre. ¿Daft Punk se convertirán en humanos como insinuaban sus últimos proyectos?



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Electroma (2.006)
Guión y Dirección: Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo
Fotografía: Thomas Bangalter
Montaje: Cedric Hervet
Interpretes:Peter Hurteau, Michael Reich, Helena Stoddard, Vance Hartwell

Ivan Ferreiro

Hace unas semanas tuve la suerte de ir (de rebote) al concierto que Ivan Ferreiro dió en VistaAlegre y fue una estupenda ocasión para recordar cuanto me ha gustado y me gusta este tio.
Gran parte de la banda sonora de mi vida tiene la voz de Ivan. Primero con Los Piratas, el que probablemente sea el mejor grupo español que yo he conocido, que editó grandes discos (principalemente dos obras maestras, Manual para los Fieles y Ultrasonica), pero que sobre todo creó canciones que han ido ligadas al desarrollo de mi vida: Te Echaré de menos, M, Promesas que no valen nada, El Equilibrio es Imposible, Jugar con los Coches, Mi coco... podría citaros al menos otra decena más.
Ivan tiene la capacidad de dotar de un dramatismo brutal a las canciones. No es que cante bien, es que transmite como nadie. Si a eso le unimos unas letras estupendas, directas pero poéticas, y unas instrumentaciones potentes y en algunos momentos opresivas y angustiosas, surgen canciones memorables. Como por ejemplo esta, menos conocida pero mágica y dramática como pocas y que además a más de uno os recordará alguna que otra cosa ;)




Desde la separación de Los Piratas, el testigo de la banda lo tomó Ivan en solitario. Desde aquel entonces, Ivan ha editado tres albumes. Lo cierto es que, nada ha vuelto a ser como fue... en el sentido de que ninguno de sus albumes en solitario ha llegado a tener la redondez de Piratas, pero también es cierto que aún sigue teniendo la capacidad de crear canciones que nadie en España es capaz de igualar. Ivan habla como nadie del amor (casi siempre del desamor) diciendo las cosas más bonitas, pero sin que sean cursis al estilo Oreja de Van Gogh ;)
En fin, que si alguna vez tuviera que recomendar una canción en español a un amigo... tendría la voz de Ivan, sin duda.
Ahí os dejo unas cuantas muestras de lo mejor de Ivan en solitario.








viernes, 30 de enero de 2009

No es país para viejos

He seguido con bastante fidelidad la carrera de los hermanos Coen (con alguna notable laguna en los últimos años, ciertamente) pero la verdad es que estos tipos siempre me han divertido. Tienen peliculas fantasticas (como El Gran Salto) junto con peliculas que no lo son tanto. En general, es muy interesante ver como son capaces de enlazar situaciones sacadas casi del absurdo en tramas bien urdidas. Es cierto que sus peliculas pierden en calidad e interes cuando se miran demasiado al ombligo, pensando más en el chascarrillo y la gracieta y se olvidan de contarnos algo.
Precisamente, las cotas máximas de su carrera las han conseguido en sus ejercicios de máxima austeridad. Y precisamente No Es Pais Para Viejos es de este último típo de peliculas de los Coen. Claramente entroncando con Fargo.
¿Por que No Es Pais Para Viejos es una buena pelicula? Porque la sequedad con la que esta contada la historia le da un poder de atracción y de removimiento tremendo. Además de que es exactamente el modo de narración que pide la historia. Es casí como si la película hubiera sido dirigida por el asesino que encarna Javier Bardem en la pelicula.


Esa frialdad narrativa, casi de cirujano creo que le da un empaque y un poder de impacto mucho mayor a la pelicula. Es brutal, pero no se regodea, si no que lo es de la manera en que lo podría ser una autopsia.

Además, también en esta pelicula nos volvemos a encontrar a los Coen más provocadores y experimentales que se habían perdido en los últimos tal vez 5-10 años. Porque de experimental se puede catalogar esa alabanza a la deconstrucción que es la destrucción absoluta de la trama que se produce después de más de una hora de elaborado guión.
Y es que el relato es el McGuffin de esta pelicula en la que tiene mucho más peso el experimento formal y la reflexión pseudo naturista a la que hace referencia al titulo y que justifica la presencia del personaje de Tommy Lee Jones.
En definitiva, pelicula altamente recomendable que nos reencuentra con los mejores Coen. Una pena que en ella hayan renunciado al surrealismo marca de la casa y que con las pinceladas adecuadas hubiera elevado a ésta a la altura de la aún, hoy por hoy, mejor película de estos chicos. Fargo.

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No country for old men (2.007)
Guión y Dirección: Joel Coen y Ethan Coen
Musica Original: Carter Burwell
Interpretes:Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Kelly MacDonald

viernes, 23 de enero de 2009

The Killers - Day and Age

The Killers se estrenarón alla por el 2004 con uno de los mejores discos de la decada (en mi opinión, claro) que es Hot Fuss. A pesar de que la banda procede de Las Vegas, por su estilo e influencias rapidamente se le encuadró en una nueva ola de bandas británicas junto con otras como Franz Ferdindand. Su éxito fulgurante con temazos como "Take me Out", "Mr. Brightside" o "Smile like you mean it" fue en parte una trampa para ellos.
Catalogados por la prensa como "El mejor grupo inglés de los EE.UU.", la reacción del grupo fue intentar volver a sus raices para intentar sonar más "genuinamente americanos". El resultado de esto fue su segundo albúm, Sam's Town. Este segundo disco, si bien tiene algunas canciones estimables ("When we were young" o "For Reasons Unknown") es sin duda un disco fallido. The Killers son brillantes cuando suenan a The Killers y desgraciadamente para ellos, eso en nada se parece a Bob Dylan.
Afortunadamente, parece que su nuevo y tercer disco, "Day and Age" pretende volver a su sonido original. Eso si, probablemente se les haya ido la mano. Si en el disco anterior, pretendieron ir de tipos duros y no les salió la jugada, "Day and Age" es el reverso "blandito" de Hot Fuss. The Killers nunca han sido la banda más dura del mundo, pero en Hot Fuss si que había un par de canciones un poco más gamberras y rockeras.

Lo bueno es que, salvo eso, "Day and Age" suena a puro Killers. Y eso significa emotividad a tope (que otros llamarían pastel ;) ) y unas canciones grandiosas. Para muestra, un ejemplo:



En definitiva, el album reune lo mejor de estos chicos: teclados ochenteros, guitarras, el toque justo de megalomanía y unos estribillos infecciosos que a mi se me meten en la cabeza con una facilidad pasmosa. En definitiva, un grupo 100% recomendable y un album ideal para mejorar el estado de ánimo.
Eso si, para mi desgracia, su concierto en Madrid el próximo Marzo agotó las entradas en menos de una hora, así que seguiré teniendo el verles en directo como asignatura pendiente.

sábado, 17 de enero de 2009

Funny Games

El hecho de que la versión americana haya estado en boca de todos en los últimos meses creo que era una excusa perfecta para adentrarme en el mundo de Michael Haneke, director austriaco que lleva veinte años siendo el francotirador de la vieja Europa. Y que mejor para comenzar ese viaje que precisamente la versión original austriaca de este título.
Haneke es un director completamente inclasificable y que, hasta su salto al otro lado del charco este año (aunque, eso si, con, probablemente, su gesto más provocador hasta la fecha y que merece un post a parte) ha navegado libremente realizando peliculas pequeñas, baratas pero que habitualmente son disparos secos y certeros en la sien de las conciencias.
La violencia es el tema central de su filmografía en la que abundan titulos en los que reflexiona sobre las distintas dimensiones que tiene este fenomeno. Funny Games es un heredero directo de su anterior película "El video de Benny" (1992) que desde aquí también recomiendo.
En el título que nos ocupa, su reflexión gira en torno a la banalización de la violencia existente en una sociedad en la que estamos acostumbrados a ver muertos en las noticias o matar a gente en los videojuegos. Realmente es un tema que se puede rastrear en varias peliculas de los últimos años, pero la reflexión de Haneke es un poco especial comparada con otras.
En Fanny Games no se pretenden enunciar causas o analisis psicológicos, no se pretenden dar soluciones y mucho menos, se pretende enjuiciar. Haneke no es amigo de peliculas enunciativas qeu te digan lo que debes pensar. Él es especialista en, como decía, dar bofetadas en la cara. Lo que pretende es alterar al espectador, indignarle, enfadarle, hacerse removerse en su asiento para que de esta manera, del propio espectador surja la reflexión.
Funny Games es brutal, cruda y descarnada. No os espereis violencia gratuita (aunque si explicita) ni melodrama barato (aunque si situaciones al limite). La narración es seca y concisa, sin florituras (aunque posee un plano-secuencia de varios minutos memorable en el salón con un simple plano fijo).
La pelicula es cruda y violenta, pero el director no pretende utilizarla. Provocar con violencia explicita sería lo facil. Haneke provoca retando al espectador, poniendole delante de sus ojos el juego, enseñandole las cuerdas de las marionetas pero sin ello restarle un ápice de crudeza a las situaciones. Incluso, en varios momentos, los protagonistas interactúan con el espectador... como el mítico momento del guiño de Paul a cámara que sin duda debió escandalizar a más de un académico.


El asunto es que Haneke dice, esto es un juego, tu y yo lo sabemos, pero... ¿Eso hace la violencia menos terrible?
Pelicula sin duda alguna imprescindible. Sin moralinas ni discursos, pero con un mensaje increiblemente poderoso, con una narrativa muy depurada y con unas interpretaciones perfectamente medidas. Eso si, como ocurre con la mayoría de peliculas europeas minoritarias que llegan a España, el doblaje es lamentable así que por favor... versión original

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Funny Games (1.997)
Guión y Dirección: Michael Haneke
Fotografía: Jürges Jürges
Interpretes:Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch, Frank Giering

domingo, 11 de enero de 2009

Brick

Esta es sin duda una pequeña sorpresa. Se trata de la opera prima de su director, Rian Johnson y es un intento de adaptar una trama del más puro cine negro americano (con sus gansters, asesinatos y heroes oscuros) al mundo de los institutos americanos.
A pesar de tratarse de una pelicula que ganó el premio especial del jurado en Sundance 2005, en España se estrenó de tapadillo en un par de cines en el año 2007 y no fue hasta hace unas semanas cuando cayó en mis manos.
Antes de nada, hay que advertir que Brick no se trata de una película perfecta. Tiene algunos defectos típicos del cine primerizo, entre los que destaca un cierto ritmo irregular que no le hace ningún favor a una pelicula gelida y concisa cual corte de un cirujano. En estas circunstancias, un muy medido control del ritmo se hace esencial y es cierto que la pelicula decae en algunos momentos.
Sin embargo, la razón que ha hecho que aparezca aquí (donde solo aparecerán cosas dignas de ser destacadas) es que a pesar de sus defectos me ha parecido una pelicula increiblemente sugerente e inquietante. Y para que quede un poco más claro porque me atrajo esta película al verla solo tendré que deciros cual es el referente e influencia principal de este chico, David Lynch.
Efectivamente, cuando uno esta observando Brick, no puede evitar pensar que esta viendo lo que sería la versión Lynchiana de una pelicula de adolescentes. Eso si, hay que aclarar que me refiero al Lynch de hace unos años, el de Corazón Salvaje o Terciopelo Azul.
Y es que uno puede observar como desfilan por la pantalla ese tipo de personajes lynchianos, oscuros, misteriosos, esos toques de humor surrealista (la madre de The Pin es impagable) y esa dirección artistica que vacía los espacios junto con la utilización de angulares que aumentan la sensación de opresión.
En fin, en todo caso, una pelicula original, entretenida e interesante. Muy recomendable para quien quiera ver una pelicula americana diferente.
Definitivamente, habrá que seguir la pista a este chico.

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Brick (2.005)
Guión y Dirección: Rian Johnson
Fotografía: Steve Yedlin
Interpretes:Joseph Gordon-Levitt, Nora Zehetner, Lukas Haas, Noah Fleiss