Michael Haneke (Código Desconocido y El tiempo del lobo)

Ya hace algunos meses hablé por aquí de Funny Games. Ya entonces comentaba el carácter"radical" de Michael Haneke. Ahora que estoy pudiendo profundizar en su obra tengo la necesidad de volver a hablar de dos de sus películas (la primera vez que ventilo dos de una tacada ;)). Lo primero que se puede decir es que no me queda otra más que refrendar lo que ya dije, Michael Haneke es un director que va al limite. Al limite con el espectador, poniéndole en situaciones extremas y retando al máximo tanto su inteligencia como sus entrañas. Y lo hace desde la experimentación cinematográfica más absoluta. Quiero decir que no se limita a repetir clichés y provocar por provocar. Cada una de sus películas es una investigación sobre alguno de los temas que le interesan (la violencia, el carácter despiadado del ser humano, la inmigración...). Realmente, su obra gira sobre dos o tres grandes temas, pero cada película es un nuevo reto, una nueva aproximación que introduce nuevos elementos para la reflexión.

Y si Funny Games reflexionaba sobre la violencia a través de su exhibición explicita y sin justificaciones, Código Desconocido y El tiempo del Lobo lo hacen desde otras perspectivas y desde otros acercamientos que solo enriquecen más y más esa visión poliédrica del mundo que tiene Haneke.

Pero bueno, vayamos por partes. Código Desconocido fue la siguiente película realizada por el director tras la polvareda levantada por Funny Games. Esto le permitió trabajar con un mayor presupuesto (fue acogido por la industria francesa que hasta hoy no le ha abandonado) y un reparto de bandera (encabezado por Juliette Binoche).

Código Desconocido reflexiona sobre el fenomeno de la inmigración y la confrontación cultural. Sobre la actitud de los paises "desarrollados" sobre ese fenómeno y de como a veces es tan malo intentar "actuar" sin criterio como no hacerlo en absoluto (eso es lo más brillante de Haneke, nunca da respuestas, si no que expone preguntas de una manera pulcramente equidistante, sin tomar partido).

Y todo ello lo empaqueta en un experimento formal formidable. La película se aleja de los modelos narrativos convencionales para limitarse a ser una serie de pinceladas de diversas historias no intrínsecamente relacionadas, pero si influenciadas unas con otras. Estas historias no tienen ni principio no fin. Tan solo son pedazos de vida que nos ayudan a indagar sobre los conflictos fundamentales de la película. Y para ahondar el tono "naturalista" y mostrar de una manera más clara como las historias confluyen, interactúan, se cruzan y se separan, la película se convierte en un autentico tour de force técnico en el que casi la completa totalidad de las escenas están rodadas a partir de un único plano secuencia.

El tiempo del Lobo, sin embargo, entronca más con Funny Games. Se trata de un estudio psicológico sobre la naturaleza del ser humano y nuestra tendencia, cuando el "sistema" desaparece, hacia la violencia, la dominación y ciertas formas de autoritarismo, como indicándonos que, cuando la ley de lo políticamente correcto desaparece, la tendencia del ser humano tiende más al fascismo que a otra cosa.

Como Código Desconocido, El tiempo del Lobo cuenta con un reparto con lo más granado del cine frances (encabezado por una gran Isabelle Huppert) y de nuevo, volvemos a asistir a una historia poco convencional. No hay justificación ni anterior y posterior al porque de los acontecimientos de los que somos testigos. Realmente da igual, porque lo importante aquí es el retrato psicológico. Aquí es más importante observar como reaccionan los personajes a la situación más que entender como han llegado a ella. Probablemente se trate de su película formalmente más sobria y convencional pero su fuerza es incuestionable y, de nuevo, sus preguntas lanzadas al aire son demoledoras.

Definitivamente, Michael Haneke es un cineasta imprescindible. Porque siempre toma riesgos, siempre va un paso más allá y porque se esfuerza en mostrarnos la cara menos amable del ser humano. Tal vez eso a algunos les incomode (es mucho más facil ver peliculas "bonitas" con happy end) pero su cine es absolutamente necesario para poder reflexionar sobre la naturaleza del hombre moderno.

Este otoño nos espera el estreno de "La cinta blanca", su último film, ganador de la Palma de Oro en el último festival de Cannes, y que reflexiona, ni más ni menos, que sobre las raíces y orígenes del Nazismo en la Alemania de los años 20 del siglo pasado. Para un servidor, la película más esperada del año.

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Code Inconnu (2.000)
Guión y Dirección: Michael Haneke

Fotografía: Jürgen Jürges
Música: Giba Gonçalves

Montaje: Karim Hartusch, Nadine Muse, Andreas Prochaska
Interpretes: Juliette Binoche, Thierry Neuvic, Josef Bierbichler, Alexandre Hamidi

Le temps du loup (2.003)
Guión y Dirección: Michael Haneke

Fotografía: Jürgen Jürges
Dirección Artística: James David Goldmark

Montaje: Nadine Muse, Monika Willi
Interpretes: Isabelle Huppert, Beatrice Dalle, Patrice Chereau, Rona Hartner

Havalina - Imperfección

Como lo prometido es deuda, tras el último post sobre Love of Lesbian aquí llega el otro gran disco español de esta primera mitad del año (y quien sabe si lo serán del año entero), el último álbum de Havalina. Y para contrastar con la delicadeza y ternura de las canciones de "1999" llega "Imperfección" lleno de energía y contundencia.

Havalina es un grupo que surge de la escena madrileña independiente y este, su último disco, hace el quinto en su carrera. Sin embargo, para mí, este ha supuesto el álbum de descubrimiento de la banda y creo que es el primero que cuenta con una distribución más decente.

Imperfección es un disco que entra desde el principio. Lo primero que llama la atención es, como decía, la tremenda contundencia de su sonido con unas guitarras poderosas que no se suelen escuchar mucho en el panorama español y que recuerdan en algunos momentos a Muse o Queens Of The Stone Age (por poner algún ejemplo). A través de esos muros de sonido creado por sus guitarras se esconden unas letras complejas y ciertamente crípticas, pero que por ello no dejan de ser poéticas y enigmáticas. Una buena muestra de ello es "Agosto en Bogotá"

Esa tremenda energía, además, esta perfectamente modulada a lo largo de todo el disco. Esto hace que todas sus canciones suenen compactas y sirven para cerrar un disco muy completo y redondo. A pesar de cierto toque melancólico que rodea a la mayoría de sus canciones (como ocurre en "Sueños de Esquimal"), la verdad es que la dosis de adrenalina que suponen las canciones hace que sea muy difícil no tener ganas de saltar y descargar toda la energía en muchas de sus canciones ("Vida Maquinal", por ejemplo).

La quinta-esencia del álbum lo representa la canción que le da título, contundente, cruda, con unas guitarras secas y golpeantes y con una una letra enigmática y pegadiza (podéis escucharla más abajo).

En fin, un grupo pequeño (ni siquiera he encontrado vídeos oficiales más allá de los directos de Radio3) al que merece la pena apoyar. Esperemos que se conviertan en los nuevos Vetusta Morla (a los que telonearon en su concierto en el Circo Price) porque realmente estos chicos se lo merecen.

Love of Lesbian - 1999

Love of Lesbian se puede considerar uno de ese tipo de grupos (pocos) españoles del "indie" que se caracterizan por tener un especial cuidado en sus letras. Los orígenes se pueden rastrear en grupos de los 80 y 90 como El último de la fila o Los Piratas y en la actualidad su legado lo heredan otros como Maga (a ver si con su inminente cuarto disco se merecen un post :)). Sus letras tienen un nivel de lirismo muy por encima del nivel medio del pop español.

En todo caso, hasta este año se habían limitado a editar álbumes que... "no estaban mal". Pero algo cambió cuando en marzo publicaron su, hasta la fecha, último álbum: "1999 (o como generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna)".

Detrás de este título (entenderéis porque he optado por la opción abreviada en el título del post :)) se esconde el que probablemente sea el mejor disco español de lo que va de año.

En este nuevo álbum, Love of Lesbian dan un salto mortal hacia delante. Probablemente estemos ante sus mejores letras. Pero es que además, se trata de un disco "concepto". Y es que lo que intenta contarnos Santi Balmes (principal letrista del grupo) a lo largo de sus 14 canciones es, ni más ni menos que la historia de un año (el del título del disco) y de la historia de amor, al parecer autobiográfica, que lo llenó.

El disco se abre y se cierra con un prólogo y epílogo cantado desde el presente (2009) y entre medias, 12 canciones que desgranan la historia de un amor teñido en melancolía. Desde los primeros escarceos (como en "Club de fans de John Boy" cuyo video está más abajo), la evolución, los problemas, las discusiones... todo ello desgranado canción a canción y letra a letra.

Este hecho consigue dar más calado y profundidad al disco y llena de emoción y significado cada uno de sus versos. Y por si eso fuera poco, lo empaquetan en un disco fresco con una instrumentación rica (aunque tal vez le falte algo de contundencia a veces) y que resulta muy compacto y redondo desde el principio hasta el fin. En el se incluyen canciones más refrescantes, otras más bailables otras más profundas y emotivas, como, por otra parte, son las fases y los momentos que suele vivir una relación sentimental.

Resumiendo, un disco realmente recomendable, que destila autenticidad por los cuatro costados y que, como decía, a falta de lo que ocurra en la segunda mitad del año competirá muy duramente con Havalina (ya les tocará en otro post) por llevarse el premio al mejor disco del año. Aunque, eso si, 1999 cuenta con una ventaja y es el Prologo que inaugura el album. "Allí donde solíamos gritar" nos adelanta que esta historia que comienza no acaba bien, pero lo hace desde una canción que es simplemente... maravillosa.

V.O.S.

El panorama cinematográfico español, la mayoría del tiempo, es triste. Lo poco que llega a las pantallas con una distribución decente tiene una calidad muy discutible (obviamente, hay excepciones, pero desgraciadamente suelen ser eso, excepciones) y el cine español con calidad no consigue una distribución decente (Serra, Guerín, Rosales...). En ese marasmo Cesc Gay es una especie rara. A pesar de que su cine dista mucho de ser el típicamente comercial (historias pequeñas en las que prima el dialogo frente a la acción) consigue estrenar sin problemas y con asiduidad todas sus películas en los cines. Además, se ha ganado un aura de "cineasta de calidad" que le permite contar con cierto apoyo del público que le permite encadenar sus películas sin excesivos problemas de producción. Esa fama se la ha ganado con buenas películas como Ficción, Krampack y sobre todo la excelente "En la Ciudad".

V.O.S., su última propuesta, es un respiro en una trayectoria que en los últimos tiempos parecía agotarse (con cierta repetición de patrones en todas sus películas). Y es que esta es la primera vez que Gay se atreve con una comedia en estado puro. Por tanto, estamos probablemente ante su película más ligera, pero probablemente más divertida y entretenida.

Y lo bueno es que lo consigue sin necesidad de renunciar a cierto riesgo inherente que acompaña a sus películas, en este caso a partir de la forma en que es contada la película.

Y es que una de las reflexiones que se introducen en la película trata sobre las lineas que separan ficción de realidad y como ésta última cambia en función de quien sea el que la cuente. Pues bien, a partir de esta premisa el director monta un entramado de espejos que difuminan las barreras entre esas distintas realidades. Esto hace que, a pesar de que, sobre el papel pueda parecer una comedia romántica al uso, nunca se convierta en algo mecánico y repetitivo ni aparezca ese tufillo a ya visto que acompaña a la mayoría de las comedias románticas actuales (y en especial las españolas).

La otra reflexión de fondo que se introduce es el del idioma (el asunto al que hace referencia el título) ya que la película podría catalogarse de "bilingüe". La trama se desarrolla en catalán y castellano y se pasa de uno a otro sin solución de continuidad por lo que la versión original es obligatoria ya que esa peculiaridad idiomática es una clave de la película. A mi particularmente me parece muy sana la realidad que se retrata en la que podemos ver con la naturalidad con la que se combinan ambos idiomas (incluso dentro de una misma conversación) y que es muy probable que refleje mejor la auténtica realidad de Cataluña que esas noticias sensacionalistas sobre la "política lingüistica" que aparecen en los periódicos.

Para mejorar aún más el cocktail, tenemos a unos actores que se lo pasan bomba y disfrutan al 100% el texto y las escenas. Esto consigue que ese buen rollo irradie a través de la pantalla. No en vano, los cuatro actores protagonistas fueron los que protagonizaron en el teatro la obra en la que está basado el guión de la película (de Carol López) y claro, ese dominio y disfrute del texto se nota con momentos memorables como esa canción de enamoramiento del personaje de Andres Herrera (me encanta) o la discusión en el coche con una Vicenta N'Dongo espectacular.

En resumen, una película divertidísima, alegre y desenfadada en la que, como digo, se introducen temas profundos pero sin ínfulas de notoriedad ni rollos filosófico-políticos, solo buen rollo.

100% recomendable.

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V.O.S. (2.009)
Dirección: Cesc Gay
Guión: Cesc Gay basado en la obra de teatro homónima de Carol Lopez

Fotografía: Andreu Rebés
Música: Joan Diaz
Interpretes: Ágata Roca, Vicenta N'Dongo, Andrés Herrera, Paul Berrondo

Los Cronocrímenes

La verdad es que Nacho Vigalondo me cae bien porque es un tipo que nunca se ha tomado demasiado en serio a si mismo. Además, durante estos años siempre ha intentado dar un paso más. Siempre se ha mostrado como un personaje inquieto y lleno de ideas. A veces, brillantes, otras no tanto, pero siempre desde el dinamismo y el intento de ofrecer algo diferente. Y esto va desde cortometrajes como "7:35 de la Mañana" o "Marisa" (pequeña joya este último) hasta sus colaboraciones con Muchachada Nui. Por todo ello, era lógico que existiera cierta expectación hacia su estreno en el mundo del largometraje. Había llegado el momento de valorar si era capaz de dar el paso definitivo. Y Nacho decidió hacerlo con Los Cronocrímenes el año pasado. Se trata de una película de ciencia ficción (hecho que ya es toda una declaración de intenciones de valentía de Vigalondo) que trata de viajes en el tiempo (valentía doble). Bajo un aspecto de bajo coste y serie B se esconde un producto que se nota que ha sido cuidado al milímetro por su director.

Si bien la película se deja ver con facilidad gracias a una realización y ritmo más que efectivos, lo cierto es que la película deja un cierto regusto agridulce y de imperfecto acabado.

Por un lado tenemos un guion estudiado al dedillo. Escudriñado paso a paso para no caer en ninguna falta o incoherencia. Además, a eso le acompaña un diseño de producción muy atractivo. El malo encapuchado (el de la foto de arriba) tiene una potencia visual tremenda y en general toda la película tiene unas localizaciones y fotografía barata, pero muy atractiva.

Por otro, precisamente su primera virtud es su principal defecto. El guión aún siendo preciso y milimétrico se olvida de una cosa muy importante... los personajes. Y es que, se molesta tanto en prestar atención a cada detalle de la trama que se olvida de que los que la viven son personas.

Y en este aspecto Vigalondo suspende. Y suspende porque su largometraje es un corto largo en el que, como ocurre en los cortos, la acción, la originalidad y ocurrencia del desarrollo son lo importante. Sus personajes son meros elementos a disposición de la ocurrente trama (que ni siquiera lo es tanto) y no tienen ningún tipo de profundidad. Realmente, al acabar la película no siento saber nada de los personajes. Ni sus sentimientos, ni sus relaciones, ni sus reacciones. Son meros seres instintivos que solo actúan.

Por ello, esta más cerca de un videojuego o un corto que de un largometraje con todas las de la ley. Es cierto que se puede alegar que su propuesta es valiente y defendible, que se atreve con una película de ciencia ficción, tema tabú del cine español... pero es que muchas veces en el país de los ciegos, el tuerto es el rey.

En todo caso es una película entretenida a la que uno puede acercarse como se acerca a cualquiera de los cortos y ocurrencias de Vigalondo, es decir, dispuesto a pasar un buen rato (eso si, un poquito más largo de lo habitual). Yo mientras tanto seguiré esperando a que Nacho se atreva de una vez por todas con un largometraje de verdad valiente y a la altura de lo que ha demostrado que es capaz de realizar. De hecho, su corto "Marisa" promete un cierto cambio de rumbo hacia un cine un poco más maduro. Esperemos que se consolide.

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Los cronocrímenes (2.007)
Guión y Dirección: Nacho Vigalondo
Fotografía: Flavio Martinez Laviano
Dirección Artística: Jose Luís Arrizabalaga y Biaffra

Música: Chucky Namanera

Interpretes: Karra Elejalde, Candela Fernandez, Barbara Goenaga, Nacho Vigalondo

Monstruoso

Habría que hacer un análisis psicológico a los "expertos" del marketing que se encargan de traducir los títulos de las películas que se estrenan en España. Hay ejemplos sangrantes a este respecto (Super salidos, Viaje de Pirados...). Pues bien, que cuando recibieran la noticia del estreno de una película titulada Cloverfield (que hace referencia al nombre de la operación militar que tiene lugar durante la película) decidieran que el nombre más idoneo en español era "Monstruoso" es otro ejemplo de esto que os cuento.

Y esto es así porque creo que este título en español, que por otra parte describe algo de lo que ocurre en la película, puede llevar a engaño al espectador. Si uno va al cine a ver una pelicula llamada Monstruoso, espera... pues... ver una peli de Godzilla. Pues bien, resulta que es muy probable que los potenciales espectadores de la película no vieran colmada sus espectativas, al menos en gran parte de la película. Y es precisamente gracias a esa parte por la que he acabado escribiendo un post sobre la película. Parece que, como producto de JJ Abrams que es (Mat Reeves es uno de los directores de cabecera de sus series), aqui, afortunadamente, ha tocado la de cal (que en cine, llevaba ya muchas de arena seguidas).

Monstruoso no es una peli de "monstruos" al uso por varias razones. En primer lugar, por como se ha decidido llevarla a cabo formalmente. El 100% de la película esta rodado en primera persona, a través de la videocámara de uno de los protagonistas. Si bien esta decisión le obliga a que la película nos muestre alguna que otra situación un poquito inverosimil, la verdad es que esta forma de rodar le da una fuerza visual a toda la película tremenda, con un dinamismo y dramatismo en la imagen muy marcado y con una estetica "sucia" muy efectiva.

Y además, esto le da al director la coartada perfecta. Al contarnos la película por los ojos de uno de los protagonistas, el espectador nunca tiene ninguna información adicional. Esto convierte al monstruo que da título a la película en un ser fantasmal durante los primeros tres cuartas partes de la película. A penas se le intuye, se le ve a lo lejos y de refilón. Esto introduce, el que es probablemente el punto más interesante de la película. Ya he contado otras veces en el blog que hay cierto cine americano que desde hace tiempo intenta reflejar como la sociedad americana ha cambiado desde el 11-S. Ha cambiado en la forma de actuar, en la forma de expresarse y el vocabulario que usa (ahora a NY se le "ataca" cuando pasa algo) y en los temores que subyacen cada día.

Pues creo que Monstruoso va un poco de eso. Y por ello, el interes de la película es inversamente proporcional a la información que tenemos del "monstruo". Es muy interesante ver como afrontan los neoyorkinos la situación límite que estan viviviendo. Hay imagenes de la película que parece que están sacados de los noticieros de aquellos días (lo cual no creo que sea casual) y es por ello que la película esta hecha para atacar directamente una fibra muy sensible del ciudadano estadounidense. Y es muy interesante ver las reacciones, el vocabulario y las actitudes que toman los protagonistas de la película ante esa amenaza invisible que "ataca" su ciudad sin ningún motivo aparente (os suena de algo esto). Como ese entramado verbal y moral creado en aquellos tiempos por la administración Bush (el famoso "America under attack") para justificar lo injustificable ha anidado en lo más profundo del americano medio. Y esto funciona mejor, cuanto menos sabemos del monstruo. Cuando solo es una sombra que se mueve y que tan solo ves torcer la esquina como un "algo" desconocido y amenazante, cuando cualquier cosa es posible.

Desgraciadamente, al final Reeves y Abrams parece que se arrepienten un poquito y el último cuarto de la película se convierte en algo bastante más convencional gracias a lo cual los espectadores sedientos de acción y efectos especiales tendrán su racion. Aunque, seguramente, se queden insatisfechos porque la película no renuncia a evitar la explicitud y las explicaciones. Y eso es de agradecer.

En definitiva, una película que funciona mejor y es más interesante como análisis psicológico que como película de efectos especiales. Así que cada cual que obre en consecuencia.

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Cloverfield (2.008)
Dirección: Matt Reeves
Guión: Drew Goddard
Fotografía: Michael Bonvillain
Dirección Artística: Doug J. Meerdink

Interpretes: Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller, Michael Stahl-David

Tropa de Élite

Tropa de Élite se trata, muy probablemente, de la película más exitosa, polémica y afamada que se ha realizado en Brasil en los últimos quince o veinte años. Y las razones son varias. En primer lugar, porque sufrío un filtrado desde la propia productora que provocó que la película se pudiera descargar o comprar en el Top Manta incluso antes de su estreno (se dice que tuvo millones de descargas) lo cual no evito, sino más bien ayudo, que se convirtiera en un atronador éxito de taquilla. En segundo lugar, porque trata de un tema controvertido y polémico.
Y es que, se puede concluir, esta película es como el reverso de otra no menos aclamada película, Ciudad de Dios. Mientras que aquella era una radiografía del sub-mundo de delincuencia y violencia que se esconde en los barrios de favelas que se encuentran en cualquier ciudad brasileña, Tropa de Élite trata sobre las personas que se encargan de luchar contra esa delincuencia y violencia. La denominada BOPE, o grupo especial del ejercito que se dedica a repartir plomo por aquellos barrios (el plomo parece la única manera de abrirse camino por allí).


Y es precisamente por la crudeza con la que se describen los "métodos" del BOPE por la que surge la polémica. Su caracter de ejecutores sin compasión hace que la línea que separa buenos de malos sea en este caso más fina que nunca.
De hecho es paradójico que haya coincidido mi visionado de la película con la noticia de que en Rio, por primera vez se vaya a enjuiciar a 20 miembros de este cuerpo por sus prácticas "ilegales".
Y la polémica se acrecienta cuando, tras ver avanzar la película, uno no tiene muy claro cual es su discurso. Me refiero, si el objetivo fuera la denuncia, lo mejor sería intentar mantenerse en el punto medio, sin juicios, solo mostrando los hechos. Sin embargo, se puede intuir cierta fascinación o admiración del director, Jose Padilha, por los agentes de la ley que refleja. Como si el discurso de la película fuera que "ese" es él único camino en un cuerpo podrido por la corrupción. Precisamente, por esa ambigüedad moral, cuando la película recibió el Oso de Oro de Berlín hace un año, se generó una polémica muy fuerte.
La referencia a Ciudad de Dios no es únicamente temática. Estilísticamente trabaja los mismos métodos. Toda la narración se basa en una estética muy cuidada, con un cuidado por el color junto con una planificación, camara en mano que dota a la imagen de un pulso entre el documental y el video-clip muy atractivo. Eso unido a su frenético ritmo obtienen un resultado muy efectivo y espectacular.
La historia dramática tal vez se queda excesivamente simple y tópica y solo el buen hacer de Wagner Moura en su muy convincente papel protagonista consigue cargar de cierto drama a la trama.



Probablemente, esa simpleza narrativa la deja un peldaño por debajo de su antecesora Ciudad de Dios ya que, si bien la pelicula es atronadora, tanto por la gravedad de lo que se cuenta, como por como se cuenta, al final no se rompe una especie de barrera invisible que hace que el espectador no acabe de involucrarse en la trama y lo que les pasa a los personajes.
En todo caso, una pelicula de obligado visionado, por un lado por la sangrante "verdad" que cuenta y por otro por su efectista pero efectivo resultado que consigue remover las conciencias y al menos, invita a la reflexión.
Eso si, aviso a navegantes, no es una película apta para estomagos sensibles ya que la crudeza, no tanto de lo que se muestra si no más bien de las acciones que se quedan fuera de cámara, remueven por dentro inevitablemente.

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Topa de Elite (2.007)
Dirección: Jose Padilha
Guión: Andre Batista y John Kaylin
Fotografía: Lula Carvalho
Música: Pedro Bromfman
Interpretes: Wagner Moura, Caio Junqueira, André Ramiro, Maria Ribeiro

The Teenagers - Reality Check

La verdad es que no tengo claro como llego este album a mis manos. Se trata del albúm de debut de The Teenagers, banda francesa que lo edito hace aproximadamente un año. Creo que fue porque escuché por la radio la canción emblema del albúm y la que probablemente ha dado notoriedad a este trío frances, Homecoming. Y lo cierto es que esa canción, que fue el primer single que editaron, incluso, antes de que editaran este album allá por Marzo de 2008, resume de que va esta banda.
Y es que su música se trata de un cruce extraño entre el post-punk denso que prolifera en Reino Unido con ese electro-house "fino y elegante" que tan propio es a ciertas bandas francesas. Esto hace que suenen a ratos como artic monkeys o klaxons y otros recuerden a Client o Tiga con trozos de Fun Lovin' Criminals. Y es que es por ahí donde se pueden rastrear sus influencias musicales.
Todo esto metido en la coctelera obtiene una colección de canciones, que si bien tienen una homogeneidad excesiva que puede llegar a hacer demasiado repetitivo el album, consiguen hacerse completamente adictivas. Directas, divertidas e infecciosas. Así son las canciones de estos chicos. Imposible no ponerse a bailar al oirlos. Canciones como "Streets of Paris" o "Make it happen" son de esas que un DJ se guarda para cuando ve a la gente parada y quiere sacarla a la pista. Con unas gitarras contundentes, densas, pero nada agresivas, tal vez porque siempre hay un pequeño toque "frances" de fondo que las suaviza.

Pero lo que realmente hace especial a esta banda es que no se toman en absoluto en serio nada de lo que hacen. Y es que The Teenagers llevan al límite esa postura provocadora que toda banda post punk necesita. La ironía es la nota dominante de sus letras en las que "parodian" las peliculas tipo "High School" ("Homecoming" tiene una mala uva importante) o incluso deciden decidarle una canción a Scarlet Johanson ("Starlet Johanson" cuyo video podeis ver más abajo)... y no precisamente por sus dotes interpretativas ;). Sus letras, desde luego, no dejan títere con cabeza, desde Michael Jackson a Beverly Hills 90210 se pueden encontrar en este album.

En definitiva, un album que seguramente no pasará a la historia (habrá que ver como continua la carrera de estos chicos) pero que es ideal para echarle unas oidas, gastar energías dando saltos y dejande contagiar por unas melodías que por facilonas, no dejan de ser irresistibles.