24 hours party people

Cuando veo una pelicula de Michael Winterbottom, a veces no se si es que el tio es muy bueno o es un tio sin personalidad. Me explico, el estilo de este director ingles es precisamente... que no tiene estilo. Es un tío que no tiene firma ni rasgos característicos. Te puedes encontrar con películas de denuncia con una estética casi documental (In this World o Road to Guantanamo), peliculas de ciencia ficción (Código 46), de época (Jude) o dramas con una potencia visual brutal (I want you o Wonderland). Aunque bien pensado, la verdad es que, la mayoría de las veces, me parece que tiene talento :)
Creo que es un talento increible saber dar el tono, tanto estético como rítmico como estilístico a cada historia y Winterbottom casi siempre suele acertar. En este post voy a hablar de la que probablemente es su película más memorable y también la más afamada: 24 Hours Party People.
Y para hablar de ella, teneis que escuchar esto mientras leeis (lo se, lo se, tendría que haber puesto Transmission, pero mis gustos son mis gustos):



24 hours party people es una gran película, en primer lugar porque me parece un espectáculo bien rodado (una estética retro visual muy brillante), bien montado, bien contado y que retrata muy bien toda una época. En segundo lugar, porque la época que retrata resulta que es fascinante. La película trata de contar como surgió, se consolidó y cayó el movimiento músical que surgió a finales de los 70 y que se prolongó hasta finales de los 80 en la ciudad de Manchester y que probablemente ha sido el más influyente de la música contemporanea de los últimos treinta años. Bandas como Happy Mondays, 808 State o The Buzzcocks inventaron una nueva forma de hacer y sentir música que se prolongó en los 80 con bandas tan emblemáticas e influyentes como The Smiths y The Stone Roses. Un movimiento que coincidió con la creación de una nueva forma de vida, la invención de las raves, la popularización de las pastillas y el ácido y teniendo todo ello como epicentro The Hacienda (y el sello Factory Records), la discoteca, templo absoluto de lo que en aquella época se conocía como Madchester. Su rastro fue clave para la concepción de la música electrónica como hoy la conocemos (el house), en la formación de la movida madrileña, los New Romantics o en el movimiento revival post-punk que protagonizan grupos como Interpol o Editors hoy en día


Pero sobre todas las cosas es la época de la que probablemente es la banda más emblemática, mítica e influyente del rock contemporaneo: Joy Division. Pocas veces una banda ha hecho tanto con tan poco ya que su carrera se vio truncada por el suicidio de su cantante, Ian Curtis, a los 23 años y justo cuando comenzaban a saborear el éxito y a punto de comenzar su primera gira por los Estados Unidos (historia que de por si ha dado para una pélicula entera: "Control"). En todo caso, su legado musical lo recogió el resto de la banda para refundarse como New Order, banda fundamental y maravillosa que algún día se merecerán un post entero.

En definitva, película muy recomendable, y no solo por sus valores cinematográficos, que los tiene, sino para entender un poquito que pasó entonces y de donde viene la música británica de hoy en día.
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24 hours party people (2.002)
Dirección: Michael Winterbottom
Guion: Frank Cottrell Boyce
Fotografía: Robby Müller
Interpretes:Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro, Lennie James

El Topo

La verdad es que mi contacto con el movimiento pánico y todo lo que le rodea ha sido escasa o casi nula. Lo que conozco de él lo se más por lo que he leído que por lo que he visto y sentido. Lo cierto es que debido a la triste imagen que transmiten hoy Fernando Arrabal y Alejandro Jodorowsky podría ocurrir que de entrada prejuzgara al movimiento en si. Por ello, me he propuesto indagar un poco en el tema y una forma atractiva de hacerlo es a través de las tres películas que Jodorowsky filmó en su época de esplendor en los 70.
De ellas, elegí para empezar la que probablemente tiene el aura de ser su mejor película, "El Topo". Aúnque pueda sorprender a primera vista, El Topo es un spaguetti Wenstern protagonizado por un pistolero que da nombre a la película.


Desde luego, lo primero que hay que aclarar es que el que espere ver una película convencional, puede elegir cualquier otro título, porque si hay una palabra que NO define esta pelicula es "convencional". El Topo es una obra megalomana en todos los sentidos, tanto por su tono bíblico o cercano a la epopeya griega como por el hecho de que la dirección, guión, música e interpretación son realizadas por el propio Jodorowsky. La película, de una manera somera, trata de un pistolero, que bajo los influjos de una mujer decide enfrentarse a los cuatro pistoleros más lejendarios. A partir de esta trama que podría ser la de cualquier western italiano de serie Z se esconde una pelicula absolutamente iconoclasta que va de lo ridiculo a lo sublime en cuestión de un minuto.
El Jodorowsky director la verdad es que no deja una gran impronta. Visualemente esta excesivamente influenciado por los westerns italianos de Sergio Leone y dota a la película de una estética feísta poco brillante, llena de suciedad y zooms. Eso junto a los estragos pop del diseño de producción le dan una imagen bastante trasnochada.



Más interesante es el Jodorowsky guionista que establece un guión que debe ser la quinta-esencia del pánico (al menos así lo presumo yo... ¿Hay algún experto en la sala?). La historia contiene toques de humor, drama y surrealismo que llevan todas las situaciones al borde del absurdo cuando no del ridículo. Por ello, se enlazan momentos muy brillantes con un trasfondo ideológico brutal junto con otros que no buscan nada más allá de la pura provocación. Además, ciertro trasfondo New Age sobre el "buen salvaje" que subyace en el mensaje de la película hoy se han quedado en puro naif.
Mención a parte merece la concepción de cada uno de los cuatro pistoleros legendarios, que valen por si solos la película y que tienen unos toques de ironía brutal que no deja títere con cabeza.
En definitiva, una pelicula que ni mucho menos es perfecta, con una dirección bastante gris, pero que en el interior alberga una bomba-panfleto de relojería repleto de ironía, surrealismo y provocación rozando casi a cada plano el ridiculo, que afortunadamente casi siempre (solo casi siempre) consigue bordear. En fin, quien quiera emociones fuertes, que sea bienvenido.

Mi próxima parada en el mundo Jodorowsky, Fando y Lis, con guión de Arrabal, ya os contaré que tal la experiencia ;)

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El Topo (1.970)
Guión y Dirección: Alejandro Jodorowsky
Fotografía: Rafael Corkidi
Música: Nacho Mendez y Alejandro Jodorowsky
Interpretes: Alejandro Jodorowsky, Mara Lorenzio, Héctor Martínez, Robert John

Pozos de Ambición

Es curioso que tan solo 14 posts y 3 meses y pico despues, Paul Thomas Anderson sea el primer director que repite en el blog. Tal vez, demasiado poco tiempo para que me repita, pero lo cierto es que si tenía que empezar repitiendo por alguien, Anderson es una buena opción.
Como ya dije en un post anterior, P.T. Anderson es probablemente uno de los directores "jovenes" más talentosos y brillantes que trabajan en la actualidad en Hollywood. Su carrera, aunque corta, esta plagada de grandes peliculas. Seguramente, Pozos de Ambición es su obra más ambiciosa, compleja y mejor acabada desde Magnolia y probablemente es el punto más alto de su carrera hasta la fecha.
La forma más rápida de entender como va a ser esta película se puede obtener a la perfección viendo su primera escena (me permitiré el lujo de contarla, ya que es la primera :) ) en la que vemos al protagonista (Day Lewis) escavando en una mina. En esa primera escena queda reflejado el estilo narrativo que llevará toda la pelicula. En ella se nos traza un perfil completo del personaje mostrandonoslo en sucesos aparentemente intrascendentes (o no) de tal manera que podemos observar su soledad (absoluta y buscada durante todo el film), su tenacidad a prueba de bombas y cual es su escala de valores. Esta primera escena es brutalmente austera narrativamente, hermosamente fotografiada, pero sin grandes alardes y nos adelanta un poco la grandilocuencia del relato así como el uso brillante, casí mágico, del poder de la elipsis. Esta pelicula desliza e insinua las situaciones, pero el relato casi siempre ocurre en off. En ese sentido, a Anderson le bastan diversas pinceladas, estrategicamente colocadas para mostrarnos un fresco completo de los pioneros americanos.
Mención a parte merece Daniel Day Lewis que vuelve a demostrar que se trata del actor más camaleonico y brillante de la actualidad construyendo un personaje a su medida, megalomano, miserable e histriónico (aunque a veces un poco demasiado).


La pelicula trata muchos temas importantes y se convierte poco a poco, a lo largo de su metraje, en un anti-western con una visión bastante desmitificadora de aquellos pioneros que "construyeron" America. Pero esos temas que trata son más sugeridos que masticados, lo cual deja la puerta abierta a muchas interpretaciones. Su premeditada abstracción y equidistancia da una riqueza de matices y lecturas que la convierte en una obra sumamente compleja.
Si bien no creo que sea el único tema de la pelicula, si que es cierto que la relación del protagonista con el joven reverendo milagrero (Paul Dano) es la que vertebra el relato. En ella se reflexiona sobre la relacion existente entre el poder y la religión y como ambas se utilizan mutuamente para la perpetuación.


La película posee varios referentes claros, si bien el más obvio sea Ciudadano Kane ya que al final esta es la historia de alguien que empieza solo, vive rodeado de gente toda su vida, pero acaba muriendo solo de nuevo (y el hecho es que la referencia no solo está en el relato).
También se pueden destacar la espectacular fotografía de la película (lo cual no es una sorpresa en Anderson) así como una abstracta y enigmática banda sonora.
En definitiva, una pelicula para paladares curtidos, de largo metraje con un nivel de abstracción tanto formal como narrativo alto (lo cual fuerza al espectador a estar alerta y siempre concentrado) pero que alcanza cotas mayusculas en algunos momentos. Si algo se le puede achacar es cierta grandilocuencia y megalomanía, pero, ¿Acaso no son así todas las obras maestras?



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There will be blood (2.007)
Guión y Dirección: Paul Thomas Anderson (Basado en la novela de Upton Sinclair)
Fotografía: Robert Elswit
Música: Johnny Greenwood
Interpretes: Daniel Day Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'connor, Ciaran Hinds

El caballero Oscuro

Lo cierto es que siempre me ha gustado el personaje de Batman, la imaginería, el mito, la estetica, todo lo que lo rodea. Siempre me ha parecido el superheroe más atractivo de lejos. Incluso la hoy naif visión de Tim Burton me encanta.
Y si hay algo que me guste más que el mito de Batman es Christopher Nolan, que probablemente, junto a P.T. Anderson son los dos directores jóvenes americanos más potentes del momento. Es trabajo de este chico es portentoso, su manejo del ritmo, de la narración, de la estetica con sentido narrativo, la musicalidad. En definitiva Nolan es un superdotado que cuenta por maravillas cada una de sus películas.
Por ello, de juntar Batman+Nolan no podía salir algo malo. Y afortunadamente así ha sido. Si ya en la primera entrega de Batman según Nolan se pudo observar que la primera intención del director fue la de dotar al personaje de una mayor profundidad y carga drámatica, es en esta segunda entrega donde la propuesta alcanza cotas supremas.



El Caballero Oscuro es, probablemente, la mejor pelicula de superheroes que jamas se haya hecho. Y la razón principal es que es la primera de su estirpe qeu es 100% adulta con todo lo que ello implica: Personajes bien perfilados, con profundidad psicológica, una trama compleja y trabajada y sobre todo un abandono total de cierto maniqueismo que acompaña las peliculas de superheroes en el que los buenos son buenisimos e intachables y los malos son aborrecibles. Es, en este último punto donde la película podría catalogarse de radical.
Desde el punto de vista técnico la pelicula contiene a la perfección la quinta-esencia de lo que es Christopher Nolan. Sobriedad formal con una fotográfia cuidadisima, dinamismo en la cámara que recuerda al mejor Kubrick, manejo perfecto del ritmo (que no de la velocidad) con un uso admirable de la banda sonora y sobre todo un manejo de cirujano a la hora de desarrollar la trama.
Sin embargo, por lo que El Caballero Oscuro es especial no es por todo lo anterior, si no por su propuesta radical que se capitaliza en el personaje de El Jocker


Nolan hace una revisión tanto de lo que es el concepto de superheroe, como lo que son los resortes y maquinaria de justificación de la lucha "anti-terrorista" cuya lectura esta completamente vigente en este mundo post 11 de septiembre en el que vivimos. Por un lado se ataca la maquinaria politica y sus herramientas de autojustificación y por otro, apuesta por reducir la frontera entre heroe y villano planteando una relación simbiotica en la que, como es obvio no pueden vivir el uno sin el otro. Además, en el personaje del Jocker se va mucho más allá. No solo porque el inevitable atractivo que posee (en parte por la excelente actuación de Heath Ledger) puede llegar a confundir al espectador, sino porque su planteamiento es completamente radical. Se trata de un no-personaje, sin justificaciones, sin razones, sin racionalidad en sus acciones (a la altura de otro radical como Haneke) cuyo único sentido es el caos y su relación de "amor", más que odio con Batman



Algunos han acusado a Nolan de cierta "apología del terrorismo" por su magnetico retrato del "terrorista" pero, como ocurre con Haneke, creo que el objetivo no es ese, sino más bien, remover al espectador colocandole enfrente de si con el resultado de cierta vanalización de la violencia imperante y cierta transigencia respecto a herramientas estatales para controlarla.
El objetivo del Jocker es el caos por el caos y la pelicula misma le acompaña, partiendo de un robo a un banco contado con la precisión de un Kubrick en "Atraco Perfecto" y acaba sumida en una espiral caótica de acontecimientos que nos trae imagenes a la cabeza de recientes acontecimientos en los EE.UU. como el Huracan Katrina o el 11-S. Y es que, en esta película todo esta medído a la perfección.
Si alguna pega hay que ponerle, sería la precipitada incorporación del personaje de Dos Caras y un final tal vez, excesivamente timorato. Como si al final y tras más de dos horas, Nolan se arrepintiera de haber llegado tan lejos. Entre medias, posiblemente una de las mejores películas que se han rodado en lo que llevamos de siglo.

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The Dark Knight (2.008)
Dirección: Christopher Nolan
Guión: Jonathan Nolan y Christopher Nolan
Fotografía: Wally Pfister
Musica: Jame Newton Howard y Hans Zimmer
Interpretes:Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal

Perdidos

Este post va a ser el primero del blog en el que ni voy a hablar de una pelicula, ni de una banda de música... pero bueno, tampoco me alejo tanto porque voy a hablaros de una serie de telévisión. Y que mejor manera de abrir esta nuevo "capítulo" que con Perdidos, seríe mítica, polémica, amada y odiada, todo ello a partes iguales.


La verdad es que nunca he sido un asiduo seguidor de series. Nunca he tenido la paciencia como para aguantar ese ritmo constante que necesitan... y más antes, cuando además tenías que adecuarte a un horario fijo e inamovible. Han sido pocas las series que me han marcado, la verdad. Vi tres temporadas de Los Soprano y la abandoné, Expediente X la seguí algún tiempo pero me cansó... así hasta un largo etcetera.
Realmente la única serie que me ha apasionado de verdad es Twin Peaks, lo que pasa es que claro, David Lynch es otro tema que se merece un post propio :)

En fin, la cosa es que empece a ver Perdidos hace cosa de un año desde el primer episodio (la serie comenzó a emitirse en 2004) y la verdad es que me enganchó desde el momento en que vi abrirse el ojo de Jack Shephard en medio de una isla vestido con su traje casi sin arrugar.
En cosa de tres meses me vi todos los episodios anteriores y desde entonces la sigo capitulo a capitulo siguiendo el ritmo de emisión de la ABC norteamericana.



La pregunta del millón es, ¿Qué tiene de especial Perdidos? Hay mil y una razones por las que creo que se trata de una de las mejores series que se han hecho en la historia de la televisión, pero se podrían resumir en una sola. Es distinta.
Y es distinta por muy diversas razones. En primer lugar, porque tiene una estructura perfectamente diseñada. Y es que ese entramado narrativo no es gratuito ni fortuito. La serie nos cuenta las andanzas de una serie de personajes a los que los avatares del destino les han colocado en medio de una isla desierta. Cuando los conocemos, no sabemos nada de ellos. Será a través de una serie de flash-backs insertados en cada uno de los episodios a través de los cuales vayamos conociendolos. Y claro, esas vivencias pasadas no son gratuitas y te permiten contrastar o remarcar algunas actitudes presentes a partir de acciones pasadas. En fin, básicamente, brillante.
Además, es una serie que se permite el lujo de tomarse su tiempo. A cada personaje se le acaba conociendo perfectamente, con sus fortalezas y debilidades, están perfectamente definidos y son perfectamente reconocibles. Esta es de las pocas series que se puede tomar un episodio entero para que conozcamos porque un personaje tiene miedo a algo, o le gusta otra cosa o porque se comporta de una manera incomprensible a priorí.



Por último, creo que la realización de la serie es sobresaliente. Es una producción 100% cinematográfica con una fotografía, musica y montaje cuidadisimos y que mantiene la homogeneidad a pesar de los varios directores que han pasado por ella. Es como que tiene la firma Lost impregnada.
Todo lo anterior junto logra crear escenas y episodios completos que son obras maestras del audiovisual. Episodios como el episodio Piloto, Through the looking Glass o The Constant son buena prueba de ello.
Podríamos hablar horas sobre si la trama es creible, si es tramposo el planteamiento de sus misterios... pero lo cierto es que sus episodios son hermosos y tienen una intensidad dramatica tremenda. A mi al menos me emocionan y aún hoy me siguen emocionando y conozco a sus personajes como a uno más. Si os atreveis a ver 12-15 episodios... o no la dejareis... o la odiareis para siempre :)

El viento que agita la cebada

Ken Loach es un clásico tanto de las peliculas "políticas" como de las peliculas "politicamente correctas". Militante de izquierdas confeso, tiene una larga carrera plagada de peliculas sociales y de denuncia. Cintas como Ladybird, Ladybird, Lloviendo Piedras (probablemente su mejor pelicula), la Canción de Carla o Tierra y Libertad lo demuestran. En ese sentido, El viento que agita la cebada no aporta nada nuevo, ya que sigue al pie de la letra esos parámetros. De hecho, ni siquiera es la primera vez que toca el conflicto irlandes (brillante aportación tuvo con su "Agenda Oculta"), si bien esta vez lo trata desde otra perspectiva, la histórica.
La pelicula trata del conflicto a principios de siglo, epoca en la que el IRA se forma, no como grupo terrorista, si no como ejercito de lucha contra la ocupación.
El planteamiento es interesante porque intenta reflexionar un poco sobre lo que son los mecanismos de justificación de la violencia por parte del que la utiliza. En ese sentido, sus reflexiones pueden ser extrapolables a cualquier conflicto de similares caracteristicas (a todos nos viene en seguida uno a la cabeza, claro).


Además, en cierto momento de la pelicula hay un giro argumental que hace aún más interesante la reflexión, ya que se eliminan las fronteras sobre lo que es justificable y lo que no. ¿Donde acaba la legítima defensa y comienza la violencia gratuita? ¿Todo es justificable?
Todas estas preguntas y reflexiones se lanzan de una manera eficaz y sin caer en la sensiblería y en lo facil.
Eso si, contiene un par de problemas que acompañam a toda la filmografía de Loach, y esto es, por un lado, cierto dogmatismo y un poquito de demagogia. En ciertos momentos, manipula la historia para llevarnos hacia el terreno que más le conviene, lo cual en algun caso hace menos profunda la reflexión. Por otro, cierta frialdad que le aleja de los personajes. Ken Loach es mejor hablando de "ideas" que de "personajes".

En todo caso, estas sombras no eliminan la fuerza de las ideas que plantea, de la historia (un pasaje clave de la historia europea del siglo XX) que cuenta y lo interesante que me resulta esa reflexión sobre los mecanismos de la violencia y los caminos que utiliza para su auto-justificación.

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The wind that shakes the Barley (2.006)
Dirección: Ken Loach
Guión: Paul Laverty
Fotografía: Barry Ackroyd
Interpretes:Cillian Murphy, Padraic Delaney, Liam Cunningham, Orla Fitzgerald

Electroma

Daft Punk son conocidos como banda especializada en música de baile. Canciones como "Harder,Better, Faster, Stronger", "One more time" o "Aerodinamic" junto con una puesta en escena en sus conciertos absolutamente apabullante les han convertido en unos de los grandes popes de las pistas de baile. Si bien detrás de Daft Punk hay mucho más que solo música de baile. El proyecto que protagonizan Thomas Bangalter y Guy Manuel de Homem-Christo es algo que abarca mucho más. Daft Punk esta pensado como un proyecto multi-disciplinar. No solo hacen música, sino que dirigen sus propios videos, controlan el diseño de cada uno de sus nuevos CDs, diseñan la puesta en escena de sus conciertos, la escenografía, la iluminación, su atuendo robotico... Todo para construir una propuesta conceptual en la que ellos son dos robots (nunca se ha visto sus caras en público, en cada concierto actuan con sus inseparables cascos) y que pretende introducir una reflexión bastante más profunda de lo que pudiera parecer a primera vista.



Un punto culminante de este proyecto se produjo hace un par de años cuando estrenaron en el Festival de Cannes su primer largometraje, llamado Electroma y que es la culminación del album publicado un año antes "Human After All". Los protagonistas de la película son los propios Daft Punk (si bien no están interpretados por ellos mismos) en su viaje iniciatico por el planeta Tierra. Es una pelicula que no está pensada para el circuito de cine comercial y de hecho, jamás se estrenó en los cines españoles.
Se trata de una film nada convencional. No tiene dialogos y su ritmo lo marca una potente y hermosa banda sonora que no deja de sonar en ningún momento, en la que predominan las melodías atmosféricas y que, paradojicamente, no contiene ni un solo tema compuesto por Daft Punk. En este largo, la narrativa cede paso a la poesía con una fotografía y un diseño brillante (su imaginería recuerda a titulos como THX 1138). Apenas dura 70 minutos y funciona en un crescendo continuo que culmina poco a poco en un canto a la libertad y a la amistad por encima de todo.

Tal vez su frialdad, su ritmo hipnótico y su propuesta radical puede echar para atras a más de uno, pero para los que aguanten el envite les espera una hermosa fábula creada para paladares exquisitos.
Ahora la espectación rodea a su primer albúm de estudio desde Human After All y que se ha anunciado para el próximo septiembre. ¿Daft Punk se convertirán en humanos como insinuaban sus últimos proyectos?



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Electroma (2.006)
Guión y Dirección: Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo
Fotografía: Thomas Bangalter
Montaje: Cedric Hervet
Interpretes:Peter Hurteau, Michael Reich, Helena Stoddard, Vance Hartwell

Ivan Ferreiro

Hace unas semanas tuve la suerte de ir (de rebote) al concierto que Ivan Ferreiro dió en VistaAlegre y fue una estupenda ocasión para recordar cuanto me ha gustado y me gusta este tio.
Gran parte de la banda sonora de mi vida tiene la voz de Ivan. Primero con Los Piratas, el que probablemente sea el mejor grupo español que yo he conocido, que editó grandes discos (principalemente dos obras maestras, Manual para los Fieles y Ultrasonica), pero que sobre todo creó canciones que han ido ligadas al desarrollo de mi vida: Te Echaré de menos, M, Promesas que no valen nada, El Equilibrio es Imposible, Jugar con los Coches, Mi coco... podría citaros al menos otra decena más.
Ivan tiene la capacidad de dotar de un dramatismo brutal a las canciones. No es que cante bien, es que transmite como nadie. Si a eso le unimos unas letras estupendas, directas pero poéticas, y unas instrumentaciones potentes y en algunos momentos opresivas y angustiosas, surgen canciones memorables. Como por ejemplo esta, menos conocida pero mágica y dramática como pocas y que además a más de uno os recordará alguna que otra cosa ;)




Desde la separación de Los Piratas, el testigo de la banda lo tomó Ivan en solitario. Desde aquel entonces, Ivan ha editado tres albumes. Lo cierto es que, nada ha vuelto a ser como fue... en el sentido de que ninguno de sus albumes en solitario ha llegado a tener la redondez de Piratas, pero también es cierto que aún sigue teniendo la capacidad de crear canciones que nadie en España es capaz de igualar. Ivan habla como nadie del amor (casi siempre del desamor) diciendo las cosas más bonitas, pero sin que sean cursis al estilo Oreja de Van Gogh ;)
En fin, que si alguna vez tuviera que recomendar una canción en español a un amigo... tendría la voz de Ivan, sin duda.
Ahí os dejo unas cuantas muestras de lo mejor de Ivan en solitario.