Luces de la Ciudad

Últimamente me ha dado por rescatar las viejas películas de Charles Chaplin. La verdad es que se trata de un personaje muy curioso. Se trata, sin lugar a dudas del gran rey del cine mudo. Tal vez no es el que más le aportó técnicamente (para eso ya estaban Eisenstein y Griffith) pero si es el que le dotó de corazón y con ello y con su personaje Charlot se convirtió sin duda alguna, no solo en el icono del cine mudo, si no en uno de los iconos de todo el siglo XX.
Y para hacerlo aún más curioso, su amor al cine mudo fue tal, que aunque el cine sonoro se inventó en 1927, el se empeño en seguir haciendo películas mudas hasta 1936 (usaba la banda sonora para los efectos de sonido y la música) y se negó (con éxito) a que Charlot pronunciara una sola palaba en sus películas.
Luces de la Ciudad es una de sus películas mudas más maduras (de hecho, esta rodada en 1931, con el cine sonoro ya en pleno apogeo) y me he decidido a hablar de ella, porque el verla me ha recuperado, aunque solo sea un poquito, la inocencia.
Como casi todas las peliculas de Chaplin, hay dos factores fundamentales en Luces de la Ciudad, la risa y la ternura. Como no podía ser de otra manera, se trata de una comedia, pero en este caso, una comedía romántica que habla del enamoramiento que un mendigo sufre por una vendedora de flores ciega.



Si hay una palabra que define adecuadamente esta película es: "Inocencia". Esta claro que se trata de una comedia muy blanca, pero la verdad es que consigue emocionar desde su simpleza. La historia no deja de ser un poco tópica, pero esta hecha con una delicadeza, una ternura y una dulzura que realmente pone la carne de gallina. De hecho, creo que el final de esta película es de los más enternecedores y bonitos que un servidor ha tenido el privilegio de ver en su vida. Y encima con una mirada final, que realmente, me parece impagable.
Entre medias, algunos momentos cómicos que se han quedado un poquito anticuados y naif justo con otros que aún hoy son desternillantes, como el mitico combate de boxeo que os pongo aquí abajo. En todo caso, será dificil que os desaparezca la sonrisa de la cara mientras la veis.




Creo que de vez en cuando hay que volver a los clásicos y Luces de la Ciudad es una buena oportunidad de reconciliarse con el cine y con el genero humano en particular. Una oportunidad de recuperar a un genio que, como en casi todas sus peliculas, dirige, escribe, compone y protagoniza. Ahi es nada.
Eso si, cuando la veais, no olvideis dejaros todos vuestros prejuicios atras y mirarla con los ojos puros e inocentes de un niño. Si lo haceis, conseguireis disfrutar de una pelicula divertida y emocionante. Una maravilla, vaya.
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City Lights (1.931)
Guión y Dirección: Charles Chaplin
Fotografía: Gordon Pollock
Música: Charles Chaplin
Interpretes: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Harry Myers, Hank Mann

Youth Without Youth

Francis Ford Coppola es, probablemente, uno de los mejores directores de la historia del cine. Es autor de algunas de las obras más famosas y valoradas. Entre ellas destaca la trilogía de "El Padrino" junto a otras obras maestras absolutas como "Apocalipsis Now" o "Dracula de Bram Stoker". El proceso que lleva a un director aclamado por la crítica y garantía de taquillas suculentas a que su último trabajo nunca se haya estrenado en España (ni en las salas ni en DVD) es un absoluto y completo misterio para mi. La verdad es que una vez vista, tal vez se puedan vislumbrar las razones, pero la verdad es que aún así me niego a aceptar que mientras cualquier peliculilla de tres al cuarto tanto americana como española logran sus dos semanas de gloria en las salas, alguien como Coppola no sea capaz de conseguirlo.
En todo esto, supongo, influye, por un lado que Youth without Youth es su primera obra autoproducida desde "Corazonada" (su mayor fracaso económico), factor que ha favorecido mucho más el riesgo. Por otro está el movimiento que ya apuntaba en los últimos posts que esta haciendo que una nueva generación "Qualité" desbanque a los Coppola, De Palma y compañía dejandoles cada vez más dificil encontrar financiación para sus proyectos. Pero en fín, hablemos un poquito de la susodicha película.


Youth Without Youth se trata de la vuelta al cine más personal de Coppola tras los dos proyectos más alimenticios de toda su carrera (Jack y The Rainmaker). Diez años después y tras la imposibilidad de conseguir financiación para ninguna de sus propuestas, el director decidió autoproducirse este pequeño cuento, que desde su modestia plantea algunos de los temas y reflexiones invariantes en la filmografía de Coppola. Sin duda el tema que siempre le ha obsesionado es el tiempo y los efectos que produce su paso. Es una idea que se puede detectar desde El Padrino a Dracula pasando incluso por Jack. Pues bien YWY es una historia construida a partir de esa idea.
Practicamente basada exclusivamente en una convincente (aunque no tanto su maquillaje) Tim Roth y en una propuesta visual que recuerda a la de Dracula (muy deudora de la estética del cine "romantico" centro-europeo de Ophuls, no en vano, parte de la película se desarrolla en Rumanía), probablemente flojea en un guión en exceso esquemático y críptico que trata de un hombre que de repente, vuelve a ser joven (literalmente).
Sin duda, nos encontramos con una obra de inflexión en Coppola. En ella se preocupa mucho menos de la linealidad dramática para centrarse más en los conceptos. Afortunadamente, lo consigue sin renunciar a esos momentos arrebatadoramente románticos de los que solo él es capaz.
Por lo demás, nos queda una reflexión madura sobre el paso del tiempo y el origen del lenguaje (ahí es nada) contado desde una perspectiva misteriosa y bella al más puro estilo de un cuento romántico, pero en abstracto (es como si Dracula la re-dirigiera David Lynch ;))



En todo caso una pelicula muy recomendable, por un lado para entender como ha evolucionado el director en los últimos diez años y luego, porque, sin dejar de ser un proyecto menor y experimental, contiene momentos, planos y situaciones de puro Coppola, y recordad que estamos hablando de uno de los GRANDES de la historia del cine.
Confiemos en que la participación de Maribel Verdu y Carmen Maura en su nuevo proyecto "Tetro" nos permita poder disfrutar de Coppola de nuevo en España sin la necesidad de recurrir a Emule.
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Youth Without Youth (2.007)
Guión y Dirección: Francis Ford Coppola
Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Música: Osvaldo Gulijov

Interpretes: Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, André Hennicke

El Incidente

En algunos posts anteriores ya he hablado de una nueva generación de cineastas "jovenes" americanos que han conseguido, por una parte, adueñarse del sector de "calidad" de la industria estadounidense (cuyo daño colateral ha sido el destierro de viejas glorias como Coppola o De Palma) y por otro, retar de tú a tú al cine más intelectual y "artistico" que se hace fuera de Estados Unidos. Dentro de esa generación ya he hablado en este blog sobre Paul T. Anderson y de Christopher Nolan. Hoy toca hablar del que probablemente completa el trío que lidera dicha generación, M. Night Shyamalan, que además, se trata del que mayor favor del público tiene (a partir de su ya mítica "El Sexto Sentido"). Tambíen es cierto que su exito va decayendo con cada nuevo proyecto, lo cual no es nada casual ya que Shyamalan a partir de "El Protegido" se enbarco en un viaje hacia un cine cada vez más personal, más conceptual y más críptico por tanto, pero por ello ni un áplice menos interesante.

"El incidente" es una buena muestra de este nuevo cine. No llega a las cotas artísticas de "Señales" o "El bosque" pero sin embargo me parece un repunte notable desde la más fallida de las peliculas de Shyamalan, la Mujer del Agua.

El Incidente es una película bastante conceptual. La idea fundamental es homenajear, de alguna manera, a las peliculas de terror de serie B de los años 50, en un ejercicio parecido al de Tarantino en Death Proof con el cine de los 70, pero en este caso haciendo justo lo contrario, cambiando el envoltorio pero respetando el contenido.



En este caso, la pelicula formalmente recuerda muy poco a aquellas ya que El Incidente es una pelicula marca de la casa. Posee un acabado espectacular con una fotografía y una planificación tan Kubrickiana como acostumbra el director indio. Donde está el homenaje es en el espiritu de la pelicula. Las peliculas de terror de los años 50 (como "El Ataque de los ladrones de Cuerpos", por ejemplo) surgen de una situación muy concreta de la sociedad americana, que vivía atemorizada en aquel entonces por la amenaza comunista. Esos estraterrestres y monstruos varios de cartón piedra de entonces servían para externalizar el miedo y la represión latente en aquella sociedad y esas arañas gigantes representaban esa amenaza nuclear que era palpable.
Hoy, la situación ha cambiado mucho pero los miedos permanecen. Hoy ya los rusos no son los malos, sino el terrorismo islamista. Y eso se ve reflejado incluso en la propia dialectica de la pelicula. Es interesante observar como se describe desde el principio los extraños episodios que están ocurriendo. Los sucesos misteriosos que se nos cuentan no dejan de ser una radiografía de la sociedad americana, de sus miedos, de sus filias y de sus fobias. Es curioso que en el último año, ésta no es la única película que trata este tema (El caballero Oscuro también lo toca) así que empiezo a pensar que algo de verdad tendrán estos retratos. En fin, en ese sentido creo que la película esta dotada de un potente poder metafórico.

Por detrás, el Shyamalan de siempre, con un pulso narrativo espectacular, se trata del director contemporaneo que mejor maneja los tempos de la emocion y el misterio. Sabe mantenerte en vilo en cada situación con una maestría de cirujano cuya mejor muestra es la escena (hacía el final) en el que los dos protagonistas se quedan atrapados y separados (y hasta aquí puedo leer...), simplemente magnífica y muy hermosa. A eso, un trabajo de personajes interesante, una utilización de la música muy buena y un final que me parece mucho más satisfactorio que los de sus últimas películas.
Si algo se le puede achacar es un cierto tono naif y ecologista de parte de su discurso, pero que se le va a hacer, esta de moda. Todo lo demás, puro cine.
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The Happening (2.008)
Guión y Dirección: M. Night Shyamalan
Fotografía: Tak Fujimoto
Música: James Newton Howard

Interpretes: Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo, Ashlyn Sanchez

Mew

Hoy me toca hablar de una banda bastante más pequeñita y menos popular de lo que acostumbro. La verdad es que no recuerdo muy bien como llegué hasta ella, pero por alguna extraña razón del destino me descargué el último albúm que editó la banda "And the glass handed kites" que por cierto se editó ya hace cuatro años (y que sin embargo no tiene rastro en Spotify, vaya fallo).

Mew son un trío danés que por lo visto (ando detrás de sus anteriores albumes) han ido evolucionando desde un estilo más puramente rock hacia otro bastante más cercano a lo que habitualmente se denomina post-rock.

¿Y eso que significa? Pues básicamente que sus canciones son fundamentalmente instrumentales, con letras poco significativas (a veces, incluso ininteligibles) y con estructuras musicales más extendidas del habitual "punch" directo del rock tipo Strokes que los acercan al rock progresivo de aquellos Pink Floyd o Led Zeppelin.

En fin, en cristiano, se trata de una banda cuyas canciones se pueden definir con dos palabras: intensas y bellas. Una intensidad que va creciendo en las canciones a través de crescendos espectaculares y arreglos delicados. Si esta banda tiene un referente, claramente serían Sigur Ros o Mum, luego, a los que les gusten ellos, amarán a Mew, eso si, estando dispuestos a aceptar un toque mucho más roquero y menos angelical que los anteriores.

En definitiva, 100% recomendable. A la espera de su nuevo album, que se espera para este mismo año os dejo con dos pinceladas de Mew.

Camino

Creo que podría ser un tema de reflexión que podría dar para un post por si solo el porque he tardado tantos meses en incluir un comentario sobre una película española en el blog. Creo que el cine español que llega a los cines es un marasmo del que solo unas pocas peliculas, que se pueden contar con los dedos de una mano, se salvan cada año. Creo que el cine español tiene un problema y es que se mira el ombligo demasiado repitiendose a si mismo y copiando sus modelos hasta la extenuación. Y a mi la verdad es que esos modelos hace tiempo que me dejaron de interesar (como a muchos espectadores, la verdad). Es triste, pero ni tenemos una industria con buenos artesanos ni cuidamos a los pocos artistas que tenemos. Así que a expensas de las exploraciones que tengo pendientes (Rosales, Guerin, Serra...) y que por otra parte son autores marginales y ninguneados en los cines españoles, mi visión del cine español es más bien pobre. Por falta de riesgo, por falta de imaginación, por falta de buen acabado... hasta los más consagados hace tiempo que se limitan a imitarse a si mismos. Solo algunas pequeñas excepciones se suelen salvar y la verdad es que llevo tiempo sin encontrarme una de ellas.

En fin, el hecho es que Camino era una buena excusa. No es una pelicula brillante, ni seguramente muy buena, pero creo que es una pelicula con más riesgo y originalidad de lo que acostumbra el cine español.

La principal y mayor virtud de la pelicula es la elección de Nerea Camacho, su protagonista. Es que simplemente es maravillosa. Tiene una presencia y actitud que contagia las escenas en las que participa y tiene una mirada que llena la pantalla. Tanto en los momentos más ruisueños como en los dramáticos. Realmente es un descubrimiento que habrá que seguir con detenimiento. Una pena que su partener masculino sea más soso que una patata.

En segundo lugar tiene el planteamiento. Me parece un juego ingenioso el convertir a una iluminada en una simple enamorada. Creo que ese punto es el gesto más efectivo para retratar y dejar en evidencia cierta sinrazón rodeada de espiritualidad que rodea a la protagonista. Es como, amor puro frente a fanatismo. Me parece una confrontación bonita.
El asunto es que esa apuesta por el amor puro hace rodear a la pelicula de un cierto toque kitsch o naif que algunos criticos le han achacado como defecto. Sin embargo en mi opinión es al contrario ya que ayuda a convertir la pelicula en lo que creo que pretende ser... un cuento de niños. Creo que las escenas oníricas son en su mayoría hermosas (aunque alguna bordee el ridiculo) y ayudan a entrar en el espiritu de la pelicula junto con un universo visual muy cuidado y que confirma a Fesser como un director con una potencia estética muy importante. Por último, creo que la pelicula tiene mucha clase a la hora de abordar una situación tremendamente dramática y no cae ni en el efectismo ni en el exhibicionismo sentimental y el drama se cuenta con una austeridad que no impide que las situaciones te emocionen.



El mayor punto debil que tiene la pelicula y que, probablemente, la impida ser, si quiera, una muy buena película es su endeble guión. Por un lado, mientras que huye del efectismo al retratar la enfermedad de Camino, hace todo lo contrario con lo que le rodea. En primer lugar con un par de giros de guión que magnifican innecesariamente el drama y el infortunio. Lo siento pero el giro final (como a tres cuartos de película, no lo diré para que no enfadar a nadie :)) es tramposo. Muy tramposo, hasta el punto de enfadarme un poco porque realmente, no era necesario.
En segundo lugar el guión es demasiado obvio en su discurso en contra del Opus. Es tan obvio que se vuelve burdo. Creo que simplifica demasiado el asunto y eso le resta fuerza en su argumentación porque creo que no retrata a sus miembros como personas, si no más bien como entes. No es creible tanta falta de delicadeza o sensibilidad. Obviamente, creo que en el fondo de la pelicula se muestran cosas importantes y que son reales, pero se le va tanto la mano que acaba siendo de nuevo tramposo y de hecho contraproducente. Cuando una verdad se exagera para dotarla de efectismo, se convierte en increible y por tanto, le resta argumentos. Si no fuera por su tramposo guión, probablemente estariamos ante una gran pelicula.
En todo caso, Camino se trata de la mejor pelicula española que he visto en meses y creo que es recomendable, porque desde su simplismo introduce un tema de debate muy interesante y que nunca ha sido tratado con seriedad en el cine.

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Camino (2.008)
Guión y Dirección: Javier Fesser
Fotografía: Alex Catalán
Dirección Artística: César Macarrón
Interpretes: Nerea Camacho, Carme Elias, Mariano Venancio, Manuela Vallés

24 hours party people

Cuando veo una pelicula de Michael Winterbottom, a veces no se si es que el tio es muy bueno o es un tio sin personalidad. Me explico, el estilo de este director ingles es precisamente... que no tiene estilo. Es un tío que no tiene firma ni rasgos característicos. Te puedes encontrar con películas de denuncia con una estética casi documental (In this World o Road to Guantanamo), peliculas de ciencia ficción (Código 46), de época (Jude) o dramas con una potencia visual brutal (I want you o Wonderland). Aunque bien pensado, la verdad es que, la mayoría de las veces, me parece que tiene talento :)
Creo que es un talento increible saber dar el tono, tanto estético como rítmico como estilístico a cada historia y Winterbottom casi siempre suele acertar. En este post voy a hablar de la que probablemente es su película más memorable y también la más afamada: 24 Hours Party People.
Y para hablar de ella, teneis que escuchar esto mientras leeis (lo se, lo se, tendría que haber puesto Transmission, pero mis gustos son mis gustos):



24 hours party people es una gran película, en primer lugar porque me parece un espectáculo bien rodado (una estética retro visual muy brillante), bien montado, bien contado y que retrata muy bien toda una época. En segundo lugar, porque la época que retrata resulta que es fascinante. La película trata de contar como surgió, se consolidó y cayó el movimiento músical que surgió a finales de los 70 y que se prolongó hasta finales de los 80 en la ciudad de Manchester y que probablemente ha sido el más influyente de la música contemporanea de los últimos treinta años. Bandas como Happy Mondays, 808 State o The Buzzcocks inventaron una nueva forma de hacer y sentir música que se prolongó en los 80 con bandas tan emblemáticas e influyentes como The Smiths y The Stone Roses. Un movimiento que coincidió con la creación de una nueva forma de vida, la invención de las raves, la popularización de las pastillas y el ácido y teniendo todo ello como epicentro The Hacienda (y el sello Factory Records), la discoteca, templo absoluto de lo que en aquella época se conocía como Madchester. Su rastro fue clave para la concepción de la música electrónica como hoy la conocemos (el house), en la formación de la movida madrileña, los New Romantics o en el movimiento revival post-punk que protagonizan grupos como Interpol o Editors hoy en día


Pero sobre todas las cosas es la época de la que probablemente es la banda más emblemática, mítica e influyente del rock contemporaneo: Joy Division. Pocas veces una banda ha hecho tanto con tan poco ya que su carrera se vio truncada por el suicidio de su cantante, Ian Curtis, a los 23 años y justo cuando comenzaban a saborear el éxito y a punto de comenzar su primera gira por los Estados Unidos (historia que de por si ha dado para una pélicula entera: "Control"). En todo caso, su legado musical lo recogió el resto de la banda para refundarse como New Order, banda fundamental y maravillosa que algún día se merecerán un post entero.

En definitva, película muy recomendable, y no solo por sus valores cinematográficos, que los tiene, sino para entender un poquito que pasó entonces y de donde viene la música británica de hoy en día.
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24 hours party people (2.002)
Dirección: Michael Winterbottom
Guion: Frank Cottrell Boyce
Fotografía: Robby Müller
Interpretes:Steve Coogan, John Thomson, Nigel Pivaro, Lennie James

El Topo

La verdad es que mi contacto con el movimiento pánico y todo lo que le rodea ha sido escasa o casi nula. Lo que conozco de él lo se más por lo que he leído que por lo que he visto y sentido. Lo cierto es que debido a la triste imagen que transmiten hoy Fernando Arrabal y Alejandro Jodorowsky podría ocurrir que de entrada prejuzgara al movimiento en si. Por ello, me he propuesto indagar un poco en el tema y una forma atractiva de hacerlo es a través de las tres películas que Jodorowsky filmó en su época de esplendor en los 70.
De ellas, elegí para empezar la que probablemente tiene el aura de ser su mejor película, "El Topo". Aúnque pueda sorprender a primera vista, El Topo es un spaguetti Wenstern protagonizado por un pistolero que da nombre a la película.


Desde luego, lo primero que hay que aclarar es que el que espere ver una película convencional, puede elegir cualquier otro título, porque si hay una palabra que NO define esta pelicula es "convencional". El Topo es una obra megalomana en todos los sentidos, tanto por su tono bíblico o cercano a la epopeya griega como por el hecho de que la dirección, guión, música e interpretación son realizadas por el propio Jodorowsky. La película, de una manera somera, trata de un pistolero, que bajo los influjos de una mujer decide enfrentarse a los cuatro pistoleros más lejendarios. A partir de esta trama que podría ser la de cualquier western italiano de serie Z se esconde una pelicula absolutamente iconoclasta que va de lo ridiculo a lo sublime en cuestión de un minuto.
El Jodorowsky director la verdad es que no deja una gran impronta. Visualemente esta excesivamente influenciado por los westerns italianos de Sergio Leone y dota a la película de una estética feísta poco brillante, llena de suciedad y zooms. Eso junto a los estragos pop del diseño de producción le dan una imagen bastante trasnochada.



Más interesante es el Jodorowsky guionista que establece un guión que debe ser la quinta-esencia del pánico (al menos así lo presumo yo... ¿Hay algún experto en la sala?). La historia contiene toques de humor, drama y surrealismo que llevan todas las situaciones al borde del absurdo cuando no del ridículo. Por ello, se enlazan momentos muy brillantes con un trasfondo ideológico brutal junto con otros que no buscan nada más allá de la pura provocación. Además, ciertro trasfondo New Age sobre el "buen salvaje" que subyace en el mensaje de la película hoy se han quedado en puro naif.
Mención a parte merece la concepción de cada uno de los cuatro pistoleros legendarios, que valen por si solos la película y que tienen unos toques de ironía brutal que no deja títere con cabeza.
En definitiva, una pelicula que ni mucho menos es perfecta, con una dirección bastante gris, pero que en el interior alberga una bomba-panfleto de relojería repleto de ironía, surrealismo y provocación rozando casi a cada plano el ridiculo, que afortunadamente casi siempre (solo casi siempre) consigue bordear. En fin, quien quiera emociones fuertes, que sea bienvenido.

Mi próxima parada en el mundo Jodorowsky, Fando y Lis, con guión de Arrabal, ya os contaré que tal la experiencia ;)

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El Topo (1.970)
Guión y Dirección: Alejandro Jodorowsky
Fotografía: Rafael Corkidi
Música: Nacho Mendez y Alejandro Jodorowsky
Interpretes: Alejandro Jodorowsky, Mara Lorenzio, Héctor Martínez, Robert John

Pozos de Ambición

Es curioso que tan solo 14 posts y 3 meses y pico despues, Paul Thomas Anderson sea el primer director que repite en el blog. Tal vez, demasiado poco tiempo para que me repita, pero lo cierto es que si tenía que empezar repitiendo por alguien, Anderson es una buena opción.
Como ya dije en un post anterior, P.T. Anderson es probablemente uno de los directores "jovenes" más talentosos y brillantes que trabajan en la actualidad en Hollywood. Su carrera, aunque corta, esta plagada de grandes peliculas. Seguramente, Pozos de Ambición es su obra más ambiciosa, compleja y mejor acabada desde Magnolia y probablemente es el punto más alto de su carrera hasta la fecha.
La forma más rápida de entender como va a ser esta película se puede obtener a la perfección viendo su primera escena (me permitiré el lujo de contarla, ya que es la primera :) ) en la que vemos al protagonista (Day Lewis) escavando en una mina. En esa primera escena queda reflejado el estilo narrativo que llevará toda la pelicula. En ella se nos traza un perfil completo del personaje mostrandonoslo en sucesos aparentemente intrascendentes (o no) de tal manera que podemos observar su soledad (absoluta y buscada durante todo el film), su tenacidad a prueba de bombas y cual es su escala de valores. Esta primera escena es brutalmente austera narrativamente, hermosamente fotografiada, pero sin grandes alardes y nos adelanta un poco la grandilocuencia del relato así como el uso brillante, casí mágico, del poder de la elipsis. Esta pelicula desliza e insinua las situaciones, pero el relato casi siempre ocurre en off. En ese sentido, a Anderson le bastan diversas pinceladas, estrategicamente colocadas para mostrarnos un fresco completo de los pioneros americanos.
Mención a parte merece Daniel Day Lewis que vuelve a demostrar que se trata del actor más camaleonico y brillante de la actualidad construyendo un personaje a su medida, megalomano, miserable e histriónico (aunque a veces un poco demasiado).


La pelicula trata muchos temas importantes y se convierte poco a poco, a lo largo de su metraje, en un anti-western con una visión bastante desmitificadora de aquellos pioneros que "construyeron" America. Pero esos temas que trata son más sugeridos que masticados, lo cual deja la puerta abierta a muchas interpretaciones. Su premeditada abstracción y equidistancia da una riqueza de matices y lecturas que la convierte en una obra sumamente compleja.
Si bien no creo que sea el único tema de la pelicula, si que es cierto que la relación del protagonista con el joven reverendo milagrero (Paul Dano) es la que vertebra el relato. En ella se reflexiona sobre la relacion existente entre el poder y la religión y como ambas se utilizan mutuamente para la perpetuación.


La película posee varios referentes claros, si bien el más obvio sea Ciudadano Kane ya que al final esta es la historia de alguien que empieza solo, vive rodeado de gente toda su vida, pero acaba muriendo solo de nuevo (y el hecho es que la referencia no solo está en el relato).
También se pueden destacar la espectacular fotografía de la película (lo cual no es una sorpresa en Anderson) así como una abstracta y enigmática banda sonora.
En definitiva, una pelicula para paladares curtidos, de largo metraje con un nivel de abstracción tanto formal como narrativo alto (lo cual fuerza al espectador a estar alerta y siempre concentrado) pero que alcanza cotas mayusculas en algunos momentos. Si algo se le puede achacar es cierta grandilocuencia y megalomanía, pero, ¿Acaso no son así todas las obras maestras?



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There will be blood (2.007)
Guión y Dirección: Paul Thomas Anderson (Basado en la novela de Upton Sinclair)
Fotografía: Robert Elswit
Música: Johnny Greenwood
Interpretes: Daniel Day Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'connor, Ciaran Hinds